Stones from the Sky

Blood, Sweat + Vinyl: DIY in the 21st Century / Report + Intervista

2012-01-27T16:02:00.005+01:00

Quanto segue non ha la presunzione di essere ne un live report ne un’intervista di quelle che si leggono comunemente sulle riviste o sui siti di settore. Vuole essere solo un contributo portato all’attenzione di lettori italiani su una gran bella realta’ che chi scrive ha conosciuto durante un soggiorno in California, nella citta’ di San Francisco. Non essendo un giornalista e non avendo mai fatto un lavoro del genere, mi limito a raccontare brevemente un concerto e a trascrivere parola per parola quanto emerso da una lunga chiacchierata con il regista di questo splendido documentario.

Il 15 Ottobre 2011 ero all’Oakland Metro Operahouse, a due passi da San Francisco per la premiere del documentario realizzato da Kenneth Thomas intitolato “Blood, sweat + vinyl: the DIY in the 21st Century”. Mi presento al locale con largo anticipo dal momento che la protesta “Occupy Oakland” mi aveva fatto allontanare da downtown con una certa rapidita’. Dopo un’oretta di chiacchiere con dei ragazzi provenienti dall’Oregon, entriamo e ci troviamo davanti il merch desk piu’ ricco e appetitoso che abbia mai visto! Le tre etichette coinvolte nel documentario (Neurot, Hydea Head e Costellation) mettevano in mostra tutti i loro lavori piu’ belli e interessanti, perdersi in quel mare di dischi non e’ stato assolutamente difficile.
Aprono la serata gli Ides of Gemini, freschi di firma per Neurot recordings. Tempi dilatatissimi, voce etera femminile, atmosfere rarefatte per un set davvero molto intenso e coinvolgente.

Seconda band: Oxbow. Autori di un set acustico al centro del locale prima di un concerto memorabile, me li avevano sempre descritti come una live band di altissimo livello, ma mai mi sarei aspettato una cosa del genere. La loro idea di musica, trasmessa dal vivo, e’ qualcosa di unico e indescrivibile. La serata si conclude con il set dei canadesi Evangelista che purtroppo non sono riuscito a vedere data l’ora tarda e la necessita’ di trovare un mezzo per poter tornare a casa.

Fra una band e l’altra, proiezione di ognuna delle tre parti del documentario. Tutti seduti in silenzio ad ascoltare interviste, report e stralci di concerti di band che hanno segnato (e stanno segnando) un epoca.
Nei giorni successivi ho incontrato Kenneth in citta’ e ci siamo fermati a parlare a lungo del suo progetto, quanto segue e’ cio’ che e’ emerso dalla chiacchierata.

Ciao Kenneth, parlami del progetto. Di chi e’ stata l’idea, quando e’ saltata fuori, quante persone ci hanno lavorato e se e’ stato difficile reperire tutto quel materiale e mettere tutto insieme.

L’idea e’ stata mia, mi e’ venuta perche’ soprattutto fra gli anni 2000 e 2005 c’erano un sacco di documentari musicali fatti soprattutto sulle band del passato, mi riferisco da un lato a quei gruppi che suonavano punk rock, e dall’altro a tutti i documentari basati su band degli anni settanta e ottanta come Black Flag, Ramones e a tutto il movimento che ruotava loro attorno. Ci tengo a precisare che quel periodo e’ stato di grande ispirazione per me ma nessuno ai tempi si immaginava di quanto quel movimento avrebbe ispirato altre realta’ esistenti oggi. L’idea prettamente punk di avviare una tua etichetta, senza ambizioni di arrivare a firmare per una major e fare tutto per conto proprio (altrimenti non si chiamerebbe DIY, Do It Yourself, ndr) la ritroviamo oggi in band quali Neurosis, Isis o Godspeed you, Black Emperor!
Io sentivo che qualcuno doveva fare qualcosa per parlare in maniera accurata di cosa sta accadendo oggi a quegli ideali DIY. Credo che band come Neurosis, Isis and Godspeed you, Black Emperor! e tutte le band sotto le tre rispettive etichette, siano importanti per l’evoluzione musicale cosi come lo sono stati Black Flag e Circle Jerks. Di quelle band ormai passate, se ne e’ sentito parlare tantissime volte, era l’ora che qualcuno facesse la stessa cosa per tutto il movimento nato attorno a queste tre etichette. Quel qualcuno sono io (risate…)!! Le cose cambiano molto velocemente e detesto l’idea che le persone si possano velocemente dimenticare di tutte queste incredibili band.

L’idea mi e’ venuta nel 2005, stavo guardando i miei dischi che mi sono detto “Wow, ho un sacco di dischi provenienti da tre etichette, Neurot, Hydra Head e Constellation!” Ognuna di queste etichette ha un’estetica propria e un “look” riconoscibile. Ci sono moltissime differenze fra di esse sia a livello di grafiche che musicale, ma tutte e tre sono accomunate dal fatto di operare sotto la stessa filosofia.

Il tutto ebbe inizio una sera, quando ancora vivevo a Los Angeles e i Pelican suonavano in citta’. Arrivai in questo localino pieno di fumo, piccolo e buio, chiamato The Mountain Bar in Downtown e incontrai Larry, il batterista. Senza sperare in chissa’ cosa gli buttai li l’idea del documentario, e lui mi rispose che Aaron Turner era li con loro. Ebbi cosi’ la possibilita’ di parlare direttamente con lui. Qualche giorno dopo gli spedii via mail l’idea e la sua risposta fu: “Great!” Gli proposi di filmare un loro concerto (degli Isis, ndr) a Los Angeles la settimana successiva e lui accetto’. Gli dissi: “Facciamo cosi: io filmo il vostro concerto il prossimo 5 Novembre 2005 con 3 videocamere e un registratore e voi accettate di farvi fare un’intervista”. Rispose di si. A quel punto gli Isis usarono le riprese per un DVD che usci’ l’anno successivo intitolato “Clearing the Eye”, e io utilizzai le riprese come punto di partenza per il mio lavoro.

Il sottotitolo del documentario e’ “Il DIY nel ventunesimo secolo”. Sappiamo che queste tre etichette che portano avanti la loro attivita’ sotto una filosofia DIY, sono diventate dei punti di riferimento per questo genere di musica. Come riescono a combinare questi due aspetti e come si sono comportate nei tuoi confronti?

Ogni persona che ho incontrato e’ stata estremamente disponibile nei miei confronti. Credo soprattutto perche’ queste tre etichette si relazionano a comunita’ molto vicine fra loro e c’e’ un alto grado di fiducia e rispetto fra di essi. Una volta intervistato Aaron Turner degli Isis fui in grado di contattare i membri dei Cave In dal momento che sarebbero venuti a suonare in citta’ qualche mese dopo, e proprio grazie al fatto che avevo intervistato Aaron mi dissero: “Si, certo, abbiamo gia’ sentito parlare di questo progetto, vogliamo assolutamente farne parte!” Una volta fatto cio’ fui in grado di contattare i Pelican e da loro arrivai via email fino a Steve Von Till perche’ appunto avevo gia’ intervistato persone che lui conosceva e ripsettava. Devo dire che sono tutte persone molto simpatiche, e’ solo che hanno sempre un sacco di impegni, cosi’ decisi di mandare loro dei sample di video e interviste, giusto per descrivere meglio la mia idea. Volevo sembrare seriamente intenzionato a portarla in fondo e quelle erano prove inconfutabili delle mie intenzioni. D’altronde avevo cercato di effettuare ogni singola ripresa nel modo piu’ professionale possibile facendo appello a tutta la mia esperienza accumulata fino a quel momento. Capii subito di avere a che fare con tutte persone “vere” e leali, non ho incontrato “prime donne” (“What you see is what you get” parole sue). La mia filosofia era: “Questo e’ il mio documentario ma questa e’ la vostra musica, quindi, indipendentemente da chi ha realizzato il lavoro, ognuno usi questo materiale per fare qualsiasi cosa voglia”. Questo modo di pormi ha sicuramente giovato alla creazione di un rapporto di mutuo rispetto e fiducia reciproca fra me e loro e io ho sempre cercato di tenerli informati man mano che il progetto andava avanti. Volevo essere sicuro che tutto andasse per il verso giusto, ho quindi trattato il tutto come se fosse il risultato di uno sforzo comune, anche perche’ altrimenti non avrei mai avuto accesso a informazioni esclusive come invece mi e’ stato permesso. Intervistai Steve Von Till in Idaho dove vive adesso. Entrai nel suo studio proprio mentre lui stava suonando nuovo materiale di Harvest Man e lascio’ che lo riprendessi. Fu una figata perche’ quel materiale era ancora inedito, usci’ poi nel disco “In the dark toungue”, ero davvero felicissimo!

Continuando a parlare di DIY…

E’ interessante notare che tantissime band che hanno deciso di vivere la filosofia DIY non fanno della musica la loro unica occupazione, come attivita’ lavorativa. I membri di queste band hanno tutti altri lavori oltre all’attivita’ da musicista, Stve Von Till nel documentario dice che la cosa piu’ importante per loro e’ cercare di lasciare un’eredita’ di quello che e’ stato il progetto musicale. Io penso che l’idea dietro a progetti che hanno come obiettivo principale quello di acquisire fama sia ben differente da cio’ di cui stiamo parlando, magari l’idea proviene addirittura da qualcun altro, da qualche industria che opera nel campo musicale e che sa quali sono i pezzi che finiranno in radio. Ma se l’intento principale e’ quello di potersi guardare indietro un giorno e dire “Wow, sono riuscito a realizzare qualcosa che mi rappresenta veramente, senza compromettere la mia integrita’ morale”, e’ difficile immaginare persone che sono partite dal solo scopo di fare musica da vendere alle radio per fare soldi e successo. C’e’ comunque una cosa che mi confonde in tutto questo: abbiamo esempi di band come Flaming Lips, Tool e Mastodon che pur essendo sotto una major riescono a mantenere il pieno controllo artistico del progetto anche se poi non sentiamo le loro canzoni alla radio perche’ sono troppo lunghe o non abbastanza commerciali. Quello che non capisco e’ come le major non riescano ad accorgersi che, lasciando a una band un po’ piu’ di liberta’ di controllare il proprio progetto, in maniera autonoma, ne trarrebbe un beneficio non solo la band ma anche la major stessa. Purtroppo pero’ queste case discografiche di solito operano con l’idea che la formula che propongono alle band sia l’unica valida nel mondo della musica, e continuano a mettere sotto contratto band che, secondo quella formula, venderanno dischi e permetteranno alla major di fare soldi.

Ho notato che all’interno dell’edizione limitata ci sono un sacco di oggetti oltre ai due DVD. C’e’ qualche ragione particolare o qualche curiosita’ a riguardo?

Buon aparte di questo documentario e’ stato girato all’interno di locali e rock clubs, volevo dare a chi compra l’edizione limitata qualche gadget speciale che possa ricordare il banco del merchandise che puoi trovare ai concerti. Quando vai a vedere concerti di Pelican, Isis o Neurosis e ti avvicini al merch table e trovi oltre ai dischi e alle magliette anche altri tipi di merch meno convenzionali, veramente belli e rari perche’ non si trovano a tutti i concerti. Questo era cio’ che volevo riprodurre io: prendere quell’idea e metterla all’interno dell’edizione limitata cosi’ che chi la compra possa avere qualcosa che solo lui ha. E’ come un vinile, ci sono sempre serie con colori limitati, e proprio perche’ stiamo comunque parlando di musica, volevamo riprodurre quell’idea.

Avete ancora avuto possibilita’ di proiettare il documentario in Europa? Come stanno andando i primi appuntamenti qi negli States? Avete in programma di venire in Italia per promuovere il documentario?

Abbiamo uno screening fissato in Portogallo la prossima settimana (Ottobre 2011, ndr..), il promoter del festival e’ veramente molto contento dell’idea quindi spero verra’ fuori qualcosa di interessante. E’ stato trasmesso al Supersonic festival (UK) la scorsa settimana, sfortunatamente non ho potuto essere la’, ma a leggere dai Tweet di diverse persone sembra sia andata alla grande. Il festival che abbiamo appena fatto a Oakland e’ stato molto pubblicizzato, posters, cartoline in ogni bar e coffee shop frequentato da ascoltatori del genere, abbiamo anche fatto un’intervista su un quotidiano che esce in East Bay ed ha aiutato molto. La gente e’ venuta al festival si per vedere le band Ides of Gemini, Evangelista e Oxbow, ma anche per vedere il documentario. Io volevo che la gente venisse a godersi il concerto e sarei stato molto felice se avesse prestato attenzione anche al film, mi sono stupito molto di vedere quel silenzio e quell’attenzione in tutto il locale quando veniva proiettato e li ho capito che probabilmente quello e’ il modo migliore per presentare una cosa come la mia, in un rock club con rock band che hanno ispirato il film. Speriamo di riuscire a venire in Europa per un tour promozionale la prossima primavera (2012 ndr…) che coinvolga un po’ di citta’ fra Francia, Germania e speriamo di riuscire a mostrare il nostro lavoro anche in Italia. Stiamo lavorando soprattutto con la Francia, avremmo l’idea di proporlo come abbiamo fatto a Oakland, ma sarebbe stupendo anche poterlo proiettare direttamente in qualche cinema. Basta che ci sia qualche fan di questa musica che vuole vederlo, magari in Italia se qualcuno fosse interessato ci piacerebbe molto organizzare qualcosa.

Alessio Corsini

NEUROPRISON AWARDS 2011

2012-01-23T18:43:00.001+01:00

MIGLIOR DISCO [TOP 20]

1. Tim Hecker – Ravedeath, 1972
2. Altar Of Plagues - Mammal
3. Barn Owl – Lost In The Glare
4. Bon Iver – s/t
5. Wolves In The Throne Room - Celestial Lineage
6. Tenhi - Saivo
7. Esoteric - Paragon Of Dissonance
8. Gang Gang Dance – Eye Contact
9. Raein - Sulla linea d'orizzonte tra questa mia vita e quella di tutti
10. The Psychic Paramount - II
11. Deaf Center - Owl Splinter
12. Low – C’mon
13. Terra Tenebrosa - The Tunnels
14. Blut Aus Nord - 777 The Desanctification
15. Robedoor - Too Down To Die
16. Crash Of Rhinos - Distal
17. Implodes - Black Earth
18. Earth - Angels Of Darkness, Demons Of Light vol. 1
19. Andy Stott - Passed Me By
20. The Field - Looping State Of Mind

MIGLIOR DISCO ITALIANO [TOP 5]

1. Raein - Sulla linea d'orizzonte tra questa mia vita e quella di tutti
2. Dead Elephant - Thanatology
3. Dyskinesia - Dalla Nascita
4. Butcher Mind Collapse – Night Dress
5. Gottesmorder - S/t

MIGLIOR EP [TOP 5]

1. Barn Owl - Shadowland
2. Andy Stott - We Stay Together
3. Pontiak – Comecrudos
4. Gottesmorder – S/t
5. Fennesz - Seven Stars

MIGLIOR CANZONE [TOP 5]

1. Tenhi – Paluu Joelle
2. Crash Of Rhinos - Big Sea
3. Gang Gang Dance - Glass Jar
4. Robedoor - Parallel Wanderer
5. Wolves In The Throne Room - Astral Blood

MIGLIOR ESORDIO [TOP 3]

1. Implodes – Black Earth
2. Crash of Rhinos - Distal
3. Terra Tenebrosa - Tunnels

MIGLIOR VIDEOCLIP [TOP 3]

1. Low - Especially Me
2. Tim Hecker - The Piano Drop
3. J Mascis - Not Enough

DELUSIONE DELL'ANNO [TOP 3]

1. Ulver - Wars Of The Roses
2. Today Is The Day – Pain Is A Warning
3. Mastodon - The Hunter

COPERTINA DELL'ANNO [TOP 3]

1. Implodes - Black Earth
2. Sepalcure - S/t
3. Tim Hecker - Ravedeath, 1972

CONCERTO DELL'ANNO [TOP 3]

1. Neurosis @ Spaziale Festival, Torino
2. Swans
3. Sunn O)))

UTENTE DELL'ANNO [TOP 3]

1. er T. alias Uao!
2. This is forever
3. Birsa

Blood, Sweat + Vinyl: DIY in the 21st Century / Report + Interview

2012-01-18T16:19:00.003+01:00

Quanto segue non ha la presunzione di essere ne un live report ne un’intervista di quelle che si leggono comunemente sulle riviste o sui siti di settore. Vuole essere solo un contributo portato all’attenzione di lettori italiani su una gran bella realta’ che chi scrive ha conosciuto durante un soggiorno in California, nella citta’ di San Francisco. Non essendo un giornalista e non avendo mai fatto un lavoro del genere, mi limito a raccontare brevemente un concerto e a trascrivere parola per parola quanto emerso da una lunga chiacchierata con il regista di questo splendido documentario

Il 15 Ottobre 2011 ero all’Oakland Metro Operahouse, a due passi da San Francisco per la premiere del documentario realizzato da Kenneth Thomas intitolato “Blood, sweat + vinyl: the DIY in the 21st Century”. Mi presento al locale con largo anticipo dal momento che la protesta “Occupy Oakland” mi aveva fatto allontanare da downtown con una certa rapidita’. Dopo un’oretta di chiacchiere con dei ragazzi provenienti dall’Oregon, entriamo e ci troviamo davanti il merch desk piu’ ricco e appetitoso che abbia mai visto! Le tre etichette coinvolte nel documentario (Neurot, Hydea Head e Costellation) mettevano in mostra tutti i loro lavori piu’ belli e interessanti, perdersi in quel mare di dischi non e’ stato assolutamente difficile.

Aprono la serata gli Ides of Gemini, freschi di firma per Neurot recordings. Tempi dilatatissimi, voce etera femminile, atmosfere rarefatte per un set davvero molto intenso e coinvolgente. Seconda band: Oxbow. Autori di un set acustico al centro del locale prima di un concerto memorabile, me li avevano sempre descritti come una live band di altissimo livello, ma mai mi sarei aspettato una cosa del genere. La loro idea di musica, trasmessa dal vivo, e’ qualcosa di unico e indescrivibile. La serata si conclude con il set dei canadesi Evangelista che purtroppo non sono riuscito a vedere data l’ora tarda e la necessita’ di trovare un mezzo per poter tornare a casa.

Fra una band e l’altra, proiezione di ognuna delle tre parti del documentario. Tutti seduti in silenzio ad ascoltare interviste, report e stralci di concerti di band che hanno segnato (e stanno segnando) un epoca.
Nei giorni successivi ho incontrato Kenneth in citta’ e ci siamo fermata a parlare a lungo del suo progetto, quanto segue e’ cio’ che e’ emerso dalla chiacchierata....

Hi Kenneth! Whose was the idea of this project, how many people are involved into. How much time did it take you to have all these interviews and how long was to put everything together.

Basically I came out with the idea, it came to me because between 2000 and 2005 there were a lot of music documentaries being made mostly about music of the past like Punk rock music, or film about music from the seventies or the eighties made for band such as Black Flag, Ramones and about al the people involved in that kind of movements, and for me it’s very inspirational but at the same time nobody in the documentary was talking about how they had inspired people today. This punk rock idea of starting your own record label and not trying to be signed by a major label basically doing everything yourself otherwise is not called DIY people like Neurosis stuck doing that, people like Isis were doing that, people like Godspeed you, Black Emperor! are doing that and I basically felt like something needed to be made to talk about what was happening today with those punk and DIY ideals. In my opinion bands like Neurosis, Isis and Godspeed you black Emperor! and the bands under their labels are just as important to the evolution of the music as band such as Black Flag and Circle Jerks, all these bands of the past of which have talked about, left and right, and now it was time that someone talks about Neurosis and the others, I should be the one to do it! (laughts...) Things change and I hate the idea that people forget about all these awesome bands.
I got the idea in October 2005, I was looking at my records and I thought “Wow I have so many releases of Neurot, Hydrahead and Costellation.” Each of these three labels has his specific aesthetic, look, and there are a lot of differences as far as like the music that they put out, but they all operate under the same sort of philosophy. It just happened to be that the band Pelican was playing in Los Angeles that night and I was living in LA too. I run down to this tiny, dark, smoky little bar called The Mountain Bar in Downtown Los Angeles and I met Larry, the drummer of Pelican and I just pitched the idea of the documentary, and he answered me that Aaron Turner was there, so I could talk directly to him, I mailed him the idea and he reply me “Great!” I purposes him to shoot a footage of the Isis concert in Los Angeles the week later, and he agreed. I told him: “I will film your next show on November 5th 2005 with 3 cameras and a soundboard recording and you guys can use the footage for whatever you want as long as I’ll use it for the documentary and you agree to an interview. And he said “Yes”. Then Isis used that footage for a DVD released the next year called Clearing the eye which is basically a bunch of concert footage, and then I sat down with Aaron and the whole thing started from there.

The subtitle of your documentary is “The DIY in the 21st century”. We all know that these three labels keep their jobs under the DIY philosophy but we know that they became landmarks for this kind of music in the latest years as well. How can they combine these two aspects and how did they relate themselves to you?

Everybody was extremely accommodating and I think part of it is because these labels are very tight communities, there’s a high degree of trust and integrity and once I interviewed Aaron Turner from Isis then I was able to contact the guys from the band Cave In, because they were in town a couple of months after I interviewed Aaron and because I interviewed Aaron they said “Oh, well we heard about this thing, we’re cool with that!” Once I did that, I was able to contact Pelican and they remembered, and from there I was able to contact Steve Von Till just through email but because I’d already interviewed people who he knew personally and respected. They’re all really nice but they all have very busy schedules and I was able to show them some video samples and some interview samples as a way of saying this is my idea. I’m really serious about it and this is my proof; look at this samples there is Aaron Turner talking there is Isis play, shots of Pelican play. It was important for me to shoot everything as professional as possible just because my background is being a documentary camera person in general, so that’s just how I shoot and so I think that what I was doing was gonna be professional. Moreover because I had already talked to people that they respected and so it was easier for them basically to give me a chance and everyone makes very heavy and intense music. They’re all very nice and accommodating and there’s no ultimate personalities, so what you see is what you get, they’re not trying to hide anything. Because my philosophy was: “This is my documentary but this is your music so as far as who owns the footage I say we both can use the footage for whatever we want”, so letting them know that is what I felt about the project from the beginning developed a mutual respect and trust and I also let them know every step of the way what was going on. I wanted to make sure that everything was alright and I treated it as a cooperative effort; the whole way through and because of that I was able to get some exclusive access to things I wouldn’t have gotten otherwise. I interviewed Steve Von Till up in Idaho where he lives, got to go inside his recording studio, he plays some Harvest Man stuff and he let me just videotape, it was cool because it was stuff that will soon be on the album “In the dark tongue” so that was really exciting.

Keep talking about DIY…

It’s interesting because a lot of these bands who choose to live and play under the DIY philosophy who make this choice basically don’t make a full living at this kind of work. All these bands have to have other jobs besides the musicians and there’s a Steve Von Till quote in the documentary where he says that the most important thing for them is the legacy they leave behind and I think that is the common idea behind people who subscribe to the DIY philosophy is because if you wanted to make music that became popular you’d be operating under a different idea of how to create music and that different idea would be somebody else’s idea like that would be a decision coming from a corporate media head saying this is the type of music that sells records this is the type of music that you’ll hear on the radio and if you are concerned with looking back at your life when you get older and saying “Wow, I really made something worthwhile” it’s hard to imagine people who made music specifically to be popular and specifically to be on the radio looking back and saying “Wow I did something that really had a lot of integrity and really came from my soul” and I think as Steve Von Till said the most important thing is the legacy. The thing that was confusing to me is that there are bands like Flaming Lips and bands like Tool and Mastodon that are very rare because they’re bands that are pretty much in full control of their artistic direction and whatever music they want to make and their music is not played on popular radio because their songs are too long or too weird but for some reasons they’re on major labels. What I don’t understand is how can more major labels don’t see that Mastodon Tool and Flaming Lips sell a shit load of albums, if major labels give the artists a little more freedom to control and with these examples it can totally benefit the labels but for some reasons major labels still operate under the idea this is the music formula that works, these are the bands that we want to sign because they’ll write the music that will sell records, make us money.

I noticed that there is a lot of stuff inside the box set for the limited edition. There’s some particular reason? Why did you decide to put everything together?

So much of this documentary was made inside live music venues, inside rock clubs and I wanted to give people who bought the limited edition box set some special items that reminded them of the merchandise table at the rock club because when you go to see a band like Pelican or Neurosis or Isis you go to their merchandise table they’ve got t-shirts and goodies but Isis for a while had a limited edition toy, Neurosis had … all these bands had weird little items that they sell that are really cool and really rare because you don’t see it all the time and I wanted to do that: take that idea and put it into the limited edition box set so when it sells out and then more are made you still have the CDs and probably the booklet and the other stuff was specific for the limited edition. It’s like vinyl, there’s always a limited of colored records. We wanted to do the same thing for here because this is all about the music.

Have you already had any European screening yet? How are the first screening going here in US? Any plans to come to Italy to promote your documentary?

Portugal is happening a week from now (October ndr…) but the promoter of that festival is really excited about showing this movie so I’m assuming that it’s gonna be great and Supersonic (UK) happened last night and unfortunately I could not make it but I saw a couple of Twitter feeds where people were really excited about it which is the response I was looking for that people see it as something important that needed to be made. The festival that we just did in Oakland we did a lot of advertising, a lot of posters all over town, postcards, every bar and coffee shop that we could think of where people who like this kind of music would go, we got an interview in the East Bay express which is a local newspaper and that all helped a lot and people were there to see the bands, which were Evangelista, Ides of Gemini and Oxbow but they were also there equally to see the film. I wanted people to come and see the music and it’d be great if they paid attention to the film but when we played the film everybody was dead quite and was paying a lot of close attention and I was very excited about that because I realized that was the best way to show the film, in a rock venue with other bands that inspired the making of this film, and everyone was appreciating the bands and the film at the same time. So we’re hoping to continue that next spring. In April we’re planning on doing a tour that involves multiple cities in France, in Germany, and we’re hoping to get to Italy, we’re working on that as well so like I said what we’re planning in France is similar to what we’ve done here, but it’ll also be great to see the movie screened in cinemas and as long as the fans of this music know that this movie has been made I think that people will really dig seeing it so we’re gonna be in the neighborhood, so if people in Italy want to see it we can set something up.

-Alessio Corsini

GOTTESMORDER - Ep

2011-12-12T16:16:00.001+01:00

Tracklist:

1. Winternight
2. Abyss of Throats
3. Grim At Heart*

*bonus track from Tokyo Jupiter Records exclusive CDR series vol III.

Un pensiero alla Toscana e già la mente corre al seminale patrimonio letterale, terra dai gusti delicati in arte e gastronomia, una miriade di pensieri così dolci e bucolici che la carie è dietro l'angolo. Il fermento musicale riproposto in quest'ultimo periodo si oppone con fermezza a ogni orpello di delicatezza e alza il volume, esaspera i patterns, si sporca le mani nel quotidiano. I Gottesmorder non fanno eccezione. Difficile chiamarli giovani se l'anagrafe diviene un fastidio burocratico ma si guarda alla provenienza sonora, le radici affondano nel passato dei Violent Breakfast, dei Magdalene, dei Seicentodiciotto per citarne alcuni ma lista sarebbe generosamente lunga, tutto ciò per dire che non sono gli ultimi arrivati a strimpellare gli strumenti in cerca di due minuti di notorietà seguendo il trend del momento.
E ciò nonostante la loro proposta si inserisce a piedi fermi tra le maglie di quei suoni che negli ultimi tempi hanno trovato sintesi dal passato solo accennato e ora riscoperto, dove il nichilismo black-metal incontra l'irruenza hardcore, tanto da rendere difficile la vicinanza di sostantivo e aggettivo vista l'innegabile vicinanza di intenti.

Innegabilmente gli Wolves in the Throne Room hanno tirato le fila di questo processo archeologico, ma i Gottesmorder ne condividono contorno già di per sé vasti, ogni sfumatura ulteriore è merito di un processo indipendente. Un particolare su tutti, il carattere aulico dei lupi nel trio toscano viene a mancare, non c'è spazio per suggestioni di foreste o mistici landscapes, ci sono urbani paesaggi notturni in decadenza, c'è la furia degli His Hero is Gone nell'accelerazione di Winternight e un organo -ad opera di Pietro Riparbelli- che si accosta alla virulenza dei Neurosis di Given to the Rising, un suono che ha perso ogni tono di luminosità per giocare con le varianti del grigio.

Le melodie si affacciano sofferenti, ancora nelle orecchie le grida imploranti dei Fall of Efrafa, Abyss of Throats come Republic of Heaven, la grezza furia che scalcia il bastone di Justin Broadrick e lo accelera allo spasmo, dimenticando per un attimo la litania alla morfina targata Jesu.

Una delle prime descrizioni riferite ai Gottesmorder recitava: Black Sabbath, Black Flag, Black-metal. Difficile aggiungere altro, che siano le note a trascinare nella palude toscana. Il resto è presente http://gottesmorder.bandcamp.com/.

Neuros

BARONE DEL MALE FEST Vol. IV

2011-11-07T15:46:00.000+01:00

Quattro come le dita del mio falegname*, quattro come le punte dell'Ungheria di Puskàs, quattro come gli
eventi della quarta edizione del Barone del Male fest; un menu pantagruelico, una grande abbuffata di disagio
che si apre con un antipasto, servito venerdì 25 novembre al CSOA Ex Mattatoio, a base di SANTOS
LAVEY, IL CAPRO e THE ORANGE MAN THEORY.

Il pasto vero e proprio inizierà il 1 dicembre al LOOP CAFE' con JOHNNY MOX, un folle costruttore /
manipolatore di loops ed innesti elettronici col solo utilizzo di bocca e pedali; continuerà il 2 dicembre al
KANDINSKY PUB con MR. OCCHIO, one man band che mescola selvaggia attitudine garage - punk con il
suono blues tradizionale ed alta gradazione alcolica.

Il 3 dicembre al CSOA EX MATTATOIO faranno gli onori di casa i redivivi (A)TOLL, che in versione power trio
disintegreranno palazzi interi con rumori molesti e noise rock a la Big Black / Helmet / Cherubs.

(A)toll su facebook

Di seguito faranno incetta di carboidrati, rock'n'roll, flessioni, Elvis al vetriolo e panze al vento i DISQUIETED
BY, senza dubbio la migliore live (rock) band a livello interplanetario dopo il Baldazzi ("Scream Bloody Gore"
era).

www.myspace.com/disquietedbyheavyweights

I toscani DEVOGGOL (con tizi ed ex-tizi di Stoner Kebab, By The Grief e Ghost Empire) si presenteranno sul
palco con due chitarre, un'ugola tuttofare ed una batteria: bassless sludge 'n' roll. Gli Entombed di "Uprising", i
Motörhead e l'Amphetamine Reptile tutti assieme a lodare il Dio Riff.

www.myspace.com/devoggol

I DISTANTI proporranno la loro musica urlata, viscerale, (post) punk-hardcore, eppure dannatamente fragile.
Date ad Hüsker Dü, Rites Of Spring o Fugazi una penna tra Negazione e Fiumani (Diaframma), ed ecco il
tutto (e-scusa-se-è-poco).

http://distanti.bandcamp.com/

Tornano inoltre i vecchi amici barbuto-baronali ZEUS!; il duo basso distorto - batteria distorta composto da
Luca Cavina (Calibro 35) e Paolo Mongardi (Il Genio, Jennifer Gentle) crea un indomabile mix tra grind, math
rock, rock in opposition, NoMeansNo, gran bordello e malattie assortite.

www.myspace.com/zeuspower

A chiudere la kermesse baronale intervengono i DEAD ELEPHANT, pachiderma a tre teste capace di
fondere, in "Thanatology", ultimo enorme disco della band uscito per Riot Season (UK), atmosfere
Morriconiane, rallentamenti sludge / doom a la Neurosis, psichedelia, velenosi assalti noise-rock e rivisitazioni
di marce funebri della tradizione italiana. Perché morto è bello.

www.deadelephantband.com/

Ci sarà inoltre un ottimo pasto del male: diqua vegan cuisine squad ai fornelli, dilà braciolata infernale.

Come sempre le distro sono molto ben accette, ma fatevi vivi prima così organizziamo per bene i banchetti
per farvi trovare a vostro (dis)agio.

Se avete problemi di trasporto da Perugia chiamateci, la navetta è viva e lotta insieme a noi.
Il CSOA EX-Mattatoio è situato in via della Valtiera 23, Ponte S. Giovanni (uscita E45 Torgiano / Perugia). Il
Loop Cafè è situato in via della Viola 19, il Kandinksy Pub è situato in via Enrico dal Pozzo 22.
Se non trovate il CSOA, il Loop o il Kandinsky chiamateci lo stesso, vi indicheremo con piacere la via della
perdizione.

Dopo i concerti è prevista la serata danzante con gli Sheeleepoty e la loro mazurka responsabile, mentre Er
Pelliccia lancia estintori di birra e Bruno Vespa intervista Lorenzo Bini Smaghi al suono della migliore Polka
Madonna.

Ringraziamo per la collaborazione:

CSOA Ex Mattatoio
Prinz e LOOP CAFE'
KANDINSKI PUB
Marco M. per le grafiche
Luca Benni e TO LOSE LA TRACK www.toloselatrack.org/
Michele e AUDIODROME www.audiodrome.it/
PERKELE www.perkele.it/
MUSIC EXCHANGE di Nicoletti Francesco
MOTHER SHIP RECORDS
NEUROPRISON http://neuroprison.forumfree.it/
Nik L'assessore
Last but not least: Satana

Info:
rizzodamiano@gmail.com
3206461081 Damiano
3294777425 Daniele
3406787238 Federico

ORBE - Albedo

2011-10-12T17:00:00.004+02:00

Tracklist:

Liliith
Xbalanque
Amaterasu
Sisifo
Arjuna

A distanza di ben 4 anni dal demo d'esordio "Opera Al Nero" torna a farsi sentire il quintetto piemontese degli Orbe, promettente act dedito ad un ibrido strumentale dalle forti tinte psichedeliche, con un nuovo lavoro che vede espandere e migliorare sensibilmente il proprio percorso sonoro.

"Albedo", questo è il titolo del nuovo parto, è un full-lenght composto da 5 episodi altamente cerebrali ove influenze quali Tool, Isis, Slint, Mogwai, June of '44, Shellac, (ma lungo le intricate e sfaccettate tracce se ne possono individuare molte altre) vengono coerentemente inglobate in un discorso di non facile ed immediata lettura, ma in grado dopo un'attenta immersione di convincere e regalare momenti di preziosa indagine interiore.

La band si dimostra più che mai attenta al lato concettuale della proposta musicale, in questo caso i 5 episodi che compongono "Albedo" ruotano intorno agli studi dello storico delle religioni e mitologie Joseph Campbell, ed in particolare al saggio "L'eroe dai mille volti", ove vengono suggerite importanti connessioni tra mitologia e psicologia analitica. Ecco così che vengono comparate ed accomunate dalle medesime figure archetipiche mitologie di tutte le culture del mondo....mesopotamiche nella sferzante apertura di "Lilith" (l'episodio di maggior impatto all'interno del disco), maya in "Xbalanque", shintoista con "Amaterasu", greca in "Sisifo" ed infine induista in "Arjuna", forse il momento più esaltante e riuscito in assoluto.

"Albedo" è stato pubblicato con licemza Creative Commons ed è scaricabile gratuitamente insieme all'ottimo artwork collegandosi al loro sito: www.orbe.it

-Edvard-

LA QUIETE @ Fame Festival, Grottaglie (Ta)

2011-09-26T15:30:00.003+02:00

24.09.2011

I La Quiete sono una delle più importanti band del panorama screamo/emoviolence, una di quelle poche realtà italiane il cui seguito di fan e la cui influenza hanno travalicato gli angusti confini nazionali. La loro venuta in Puglia diventa quindi un evento imperdibile nonchè un'occasione irrinunciabile per testare di persona la resa live della loro musica.
La cornice è il Fame Festival di Grottaglie (Ta), uno dei più rilevanti raduni di street art a livello internazionale, di cui gli stessi membri della band sono dei grandi estimatori. Particolarmente suggestiva è la location in cui si svolge l'evento: il Quartiere delle Ceramiche del paese tarantino, un posto bellissimo che emana un profumo antico di arte e passione.

Il concerto vero e proprio, però, si svolge a circa 2 km di distanza, in una piccola casa di periferia. Arrivo qui e dopo qualche minuto incontro Michele (batterista dei La Quiete e dei Raein), col quale mi intrattengo per un pò. Vengo a sapere, ad esempio, che lui e Angelino (bassista della band, originario di Grottaglie) si conobbero nel 1998 al mitico Rumble Fish Festival di Fasano (Br), uno dei più importanti raduni della scena hardcore italiana degli anni '90. I conti tornano...

Il set dei La Quiete è breve, intenso e tirato, come nella migliore tradizione screamo. L'atmosfera è amichevole, non esistono barriere tra il gruppo e gli spettatori e il pubblico delle prime file si dimena cantando a squarciagola le canzoni. Super Omega, Cosa Sei Disposto A Perdere e Metempsicosi Del Fine Ultimo Nevrastenica Oscillazione Fra Poli Estremi sono i momenti migliori di un concerto quasi perfetto, penalizzato solo dai volumi un pò troppo bassi degli strumenti e dall'esclusione dalla set list, nonostante le richieste del pubblico, di La Fine Non E' La Fine, uno dei loro brani più memorabili (nel dopo-concerto Michele mi spiega che non ha più "il tiro di un tempo").
Sebbene sia su disco che dal vivo gli preferisca i cugini Raein , devo dire che anche i La Quiete hanno dimostrato di essere un'ottima live band.

Bella serata, tanto divertimento, tanta arte e ottima musica: questa è la Puglia migliore, quella che vorremmo sempre vedere.

PS:
Un ringraziamento particolare a Emilio Antonini per la bella foto.

-Marcello Semeraro

NEUROSIS Live @ Spaziale Festival - 20/07/2011

2011-07-29T14:41:00.003+02:00

Per impressioni, commenti e contributi andate pure QUI sul nostro forum.

PS: Sì lo sappiamo, siamo troppo pigri per un live-report come si deve....ma forse è anche perchè siamo rimasti semplicemente senza parole!

NEUROSIS CONTEST 2011

2011-06-16T13:50:00.005+02:00

Da molti etichettati come una delle bands piu' influenti degli ultimi vent'anni, sicuramente gli unici in grado di intrecciare hardcore, dark, ambient, doom, industrial, indie e folk in un unico, inebriante e indefinibile sound d'avanguardia. E' con grande orgoglio che Hellfire Booking e' fiera di presentarvi un'unica imperdibile data italiana dei maestri NEUROSIS! La Band di Scott Kelly e Steve Von Till toccherà il nostro Pease il prossimo 20 Luglio dove saranno ospiti di uno dei più prestigiosi Festival dell'Estate italiana: Spaziale Festival a Torino. Ciò che rende questo appuntamento ancora più interessante per i fans della band che verranno in Europa per presentare un nuovo lavoro. Se volete rimanere stregati dai sei di Oakland e dai loro spettacoli al limite della psichedelia, se volete scoprire o riscoprire dal vivo una delle creature più affascinanti della musica moderna, l'appuntamento è per il 20 Luglio!

In apertura ROSETTA e CITY OF SHIPS, entrambe giovani e valide realtà del panorama Post-Core e Post-Rock americano.

Una data che si preannuncia imperdibile per tutti gli amanti del genere.

Di seguito i dettagli della data:

NEUROSIS
UFOMAMMUT
ROSETTA
CITY OF SHIPS

20.07.11 - Spaziale Festival @ Spazio 211, Torino

Neuroprison in collaborazione con HellfireBooking mette in palio diversi ingressi omaggio per quest'imperdibile evento...basta al solito rispondere correttamente alla domanda seguente (inviandola all'indirizzo: neuroprison@hotmail.com) ed incrociare le dita, buona fortuna!

- La frase "My own god, my own jury, and my own executioner", che si sente in apertura di "The Web" è un sample tratto da quale film? -

THE CONFLITTO - Dusk Over the Nations

2011-05-02T15:21:00.000+02:00

Tracklist:
1. Dusk over the Nations
2. Scribbling on some Fears
3. Disinformatjia
4. Hero
5. Beautiful Machine
6. Teddy
7. Small Rooms / Colourless Sand
8. Useless
9. The Earth Trembles
10. The End that I Dream
11. Residual of a Dream

Sulla lunga distanza segnata da una demo e da un ep, arriva finalmente il primo full degli spezzini TheConflitto “Dusk Over the Nations”, e come il precedente “Kids Die, Music and Protest don't Kill”, appare subito in evidenza una vena pulsante sulla fronte pronta a riversare sull’ascoltatore una dose imponente di malcontento.
In un processo di divenire, ancora una volta il quartetto apporta dosate ma importanti modifiche all’apparato sonoro, e quello che una volta era un suono più cupo e quadrato, senza per questo centellinare spigoli e ripartenze, ora si apre perde massa, si fa più snello grazie anche alla produzione, tingendosi qua e là di accelerazioni vicine all’hc melodico inteso dai Propagandhi, mantenendo comunque lo spessore di fondo. Si può sentire un progressivo dai numi tutelari che emergevano in passato quali i Botch, maestri nel costruire labirinti sonori all’interno di opulenti mura ritmiche, a questo giro invece le briglie sono maggiormente sciolte nell’approccio che può essere quello dei primi Knut, ecco allora la gentile voce melodica che apre il disco e introduce alla violenza di Scribbling in Some Fears, dissonante e bastarda, oppure i the Dillinger Escape Plan di Calculating Infinity la cui ombra appare anche fin troppo invadente in Disinformatjia.
Uno dei punti più alti del disco è sicuramente Beautiful Machine, che racchiude tutti gli elementi finora citati in una veste sicuramente personale e convincente, con un finale ossessivo che contrasta in maniera netta con le scorribande dei minuti iniziali.
E la menzione particolare la meritano anche Small Rooms / Colourless Sand che tra singhiozzi di chitarra e una batteria quadrata portano all’orecchio le storiche gesta dei Deadguy, così come la conclusiva Residual of a Dream, già contenuta nel precedente ep, preziosa nel suo finale a tinte fosche.
Ecco, da ciò si può evincere che forse i TheConflitto riescono a dare il meglio di sé quando il minutaggio si alza rispetto ai canoni tipici della proposta in cui si inseriscono, e questo è sicuramente un punto a loro favore. Qualche fantasma c’è ed evidente e qualche pezzo sottotono rispetto agli altri lo si può udire, ma nel complesso il risultato è positivo. Gli occhi e le orecchie sono quindi puntati su di loro e sul loro futuro come le telecamere dell’artwork, pronte a rilevare le nuove tracce di protesta degli spezzini.

Neuros

SQUADRA OMEGA - S/t

2011-03-05T14:57:00.001+01:00

Tracklist:
1. Murder in the Mountains
2. The Mistery of the Deep Blue Sea
3. Hemen-Hetan! Hemen-Hetan!
4. Ermete
5. All the Words You Can Find

In passato le forze furono distribuite in singoli episodi, blocchi solo all’apparenza monolitici intarsiati su piani differenti, per questa nuova uscita cambia invece la forma di presentazione degli Squadra Omega, affidata alle movenze di più canzoni distribuite tra un “12 e un “7 per Holidays Records, già casa del precedente Tenebroso del 2009.
Il combo, che come ormai tutti sanno –ma è giusto ricordare- può vantare la presenza di membri pescati tra Movie Stark Junkies, With Love, Be Maledetto Now!, Mojomatics e di più, a questo giro non pone freno alcuno alla fantasia e con il beneplacito di Marty McFly salta a piedi uniti nella Germania dei primi ann’70, quella delle comuni e della psichedelia, in passato già toccata ma mai come questa volta evocata fino a renderla viva. E soprattutto, piazzare un filotto di canzoni che brillano di luce propria nonostante le radici ben in evidenza.
Accogliere l’ascolto con un componimento di sedici e più minuti è sberleffo, sfida, montagna già evocata nel nome e tutta da scalare, ma l’impresa è agevolata dalla bontà della proposta che va ad esplorare quei territori kraut-jazz così poco considerati nella nuova riscoperta di questo sonorità tanto palpabile di questi tempi, e allora ecco scorgere gli arabeschi degli Ibliss e dei Kollektiv, dando nuova vita a un’anima così poco rievocata e qui invece cangiante di tocchi eleganti dal suono moderno, solenni rintocchi e vortici appena accennati. Si balla il valzer sbilenco dei Can in the Mistery of the Deep Blue Sea, dalle ritmiche impazzite e ingolfate di afrobeat omaggiate di recente dai Mi Ami, mettendo un dito tra gli ingranaggi quadrati dei Neu! in All the Words You Can Find, scandita da un ritmo che fa venire in mente quelle scimmiette giocattolo dai piatti tra le mani.
E poi la sorpresa di Ermete che nasconde tra le notte il baffo ispido di Tony Iommi, con un rifacimento –omaggio- che non può non ricordare War Pigs, che con il passare dei secondi si trasforma in una marcia ossessiva a tinte fuzz.
Non una sterile opera a la History Channel, dentro questo disco c’è tutta la maestria di un gruppo che sa giocare con la psichedelia krauta come pochi altri di questi tempi, in un’elegante danza che è tutta loro, capace di far muovere i cervelli più pigri, gettarli dentro una tazza di perdizione e annegarli che ci si può fare colazione. Ne vogliamo ancora, e già sappiamo che a breve saremo accontentati.

Neuros

Stearica + Acid Mothers Temple & Melting Paraiso U.F.O

2011-03-02T13:38:00.002+01:00

Tracklist:
01 - Vulture Chiama Fujiyama
02 - Queen Kong
03 - Warp Lag
04 - Noodles + Peperoncino
05 - I Nani
06 - Inan I
07 - 7 Alieni al di sopra di ogni Sospetto

Ritornano per la benemerita Homepathic records i torinesi Stearica, trio basso-chitarra-batteria che è già una garanzia, grazie ad una solida (ed ormai decennale) attività live nonché all'eccellente debutto discografico, Oltre.
Il sopracitato dischetto (che è bene recuperare prima di subito) già conteneva collaborazioni di un certo calibro: Amy Deino, Jessica Lurie, Nick Storring e Dalek (che insieme agli Stearica hanno realizzato uno dei loro brani più incredibili, secondo chi scrive).
E per il loro secondo appuntamento discografico i nostri non si sono fatti mancare niente.
Questo disco infatti è una collaborazione ad ampio spettro con gli Acid Mothers Temple & Melting Paraiso U.F.O., collettivo giapponese non bisognoso di presentazioni, con un'attività discografica e live monolitica ed una personalità decisamente sopra le righe, innestata su una psichedelia ed un folk assolutamente freak sposati a colossali ambizioni rumoriste.

Il disco documenta con precisione una jam session di meno di un'ora tra le due compagini. La musica scorre in libertà senza imporsi nessuna codifica, nessun marchio di genere o di stile; è semplicemente (si fa per dire) la personalità delle due band a miscelarsi e sincronizzarsi in un meraviglioso elogio alla pura qualità e goduria sonica.

Terminato un inizio esplicativo-medico-rituale, il disco inizia subito senza indugi in un'irrompenza sonora impetuosa, capace di divellere le orecchie e alzare immediatamente il livello d'attenzione.
Benché tanto Stearica e AMT possano dirsi delle band di rock psichedelico (almeno in partenza), qualcosa di totalmente nuovo scaturisce dalle loro combinate visioni musicali, arrivando ad una marzialità quasi industriale per poi muoversi in territori che si direbbero quasi jazz, andando poi ad esplorare texture ambientali e/o rumoriste, che pur senza tante sofisticazioni colpiscono dritte all'orecchio, la mente, il cuore.

Si consiglia vivamente di ritagliarsi quarantadue minuti di tempo per assaporare dall'inizio alla fine questo disco, compiuto, solido e oserei dire perfetto, nonostante la caratteristica improvvisata ed autogenerata di ciò che si ascolta.

Pensando alle definizioni musicali, ai "generi", alla classificazione in musica, sono sempre arrivato alla domanda: è davvero impossibile suonare veramente Liberi? Questo disco ci dimostra che potrà anche essere difficile, ma di sicuro impossibile non è.

-Godspeed you!-

DEATH MANTRA FOR LAZARUS – Mu

2011-02-16T16:55:00.006+01:00

2010, Grammofono al Nitro

Tracklist:

01. Atlantide
02. Carousell
03. Mu
04. Oppinion is not math
05. Maria callas
06. Boreale

Che significato ha fare post-rock nel 2010? Non certo quello di inventare, cambiare, sovvertire...probabilmente semplicemente esprimersi. Se poi si considera che i componenti della band in questione vengono da altri progetti ben più avviati non ci sono dubbi: urgenza espressiva, emozionalità viscerale adagiata su di un canovaccio stilistico preesistente.
I Death Mantra For Lazarus vengono da Zippo, Negative Trip, Keep Out, non hanno pretese, amano suonare e vogliono suonare, punto. Le coordinate sono chiare e semplici: post-rock (a tratti heavy, a tratti intimista e da camera), un velo di math ed una bella attitudine live che spesso rasenta il noise.
I quarantacinque minuti secchi di MU si perdono fra delicatissime suite chitarristiche echeggianti gli Explosions In The Sky, intrecci dinamici dove i tempi odorano di June Of 44 ( Four Great Points docet), assalti post-metal dalle sempre care movenze di un pellicano, ricordi di Massimo Volume, paesaggi catartici e minimali: un telaio di sensazioni e sapori, impressioni, pensieri, più che un disco un moleskine.

L'album si apre con quello che potrebbe definirsi il primo singolo del quartetto pescarese: Atlantide, di sicuro fra i pezzi più riusciti ed efficaci del lotto, cuore e sicurezza. Carousel mischia poi le carte, tanta sinfonia quanta frammentazione, crescendi e rarefazioni si muovono negli oscuri antri della mente umana: la tagliano, l'accarezzano, la mordono.
La titletrack prosegue il discorso della song precedente e di tanto in tanto, fra le aritmie, ci fischietta all'orecchio qualche volo pindarico su “australasiatiche città degli echi”. Lazzaro a questo punto è in piedi, si muove con noncuranza e tenera maldestria, a tratti incantato da qualche arco, cammina barcollando come fosse in estasi mistica. Opinion Is Not Math è il momento più alto, un reticolato (vedasi Paul Klee) dove basso e batteria solcano il tracciato e le due chitarre seminano germogli; il doppio binario si evolve, si attorciglia su se stesso, si compone e scompone arrivando ad esplosioni liberatorie, poi si riarrotola, si confonde e s'impenna, fino a ruggire ed impazzire come avesse scoperto di non aver alcuna via di fuga dal proprio ego. Quando il tormento passa arriva la rassegnata voce di Umberto Palazzo (storico cantante dei Santo Niente), il suo esperto raccontare ci parla di sconforto, dimenticanza, tristezza, decadenza, di Maria Callas, riscoprendo le lezioni di Emidio Clementi e demolendo gli ultimi strumentali minuti del pezzo, che, a questo punto, possono anche passare inosservati. Boreale è la pietra tombale di MU, nulla di nuovo, appendice “postqualcosannidoppiozero” che chiuede il lavoro senza allontanarsi dal suo contenuto, recuperando le iniziali note di violino e spegnendosi sul suolo come una lucciola che cade esanime.
Trequarti d'ora di buoni suoni, nessun miracolo, nessun esperimento alchemico, nessuna prospettiva, nessuna speranza: musica come se non esistesse alcun futuro.
I Death Mantra For Lazarus non son altro che un petalo di quell'italico fiore spontaneo dove giacciono anche Neil On Impression e Fog In The Shell. Forse ancora acerbi, ma dalle indiscutibili capacità compositive e tecniche.

www.myspace.com/deathmantraforlazarus

Mario Bava

QUARANTADUE - L'Estinzione E' Un Gioco Di Squadra

2011-02-16T16:51:00.002+01:00

Tracklist:
1. Babel
2. Il Grido
3. Vi siete persi nella neve
4. Nel Buio
5. Vogon

Arriva il primo ep per i Quarantadue, band di Milano. Cinque pezzi in digisleeve di cartone ruvido, semplice ma efficace. Cinque pezzi che si posizionano in quel vasto territorio tra Deftones e Tool, anche se qua e là fanno capolino altri numi tutelari, come Nine Inch Nails e Isis ultima maniera. Nulla di particolarmente nuovo nè ricercato quindi, ma tutto sommato fatto benino, i pezzi funzionano e la voce alterna scream e melodico in scioltezza. A pelle mi piace un sacco il timbro dello scream e mi piace meno quello del cantato melodico, ma sticazzi. Mi piace molto anche la scelta dell'italiano: è sincero, troppo spesso l'inglese diventa un cliche dietro il quale nascondersi quando si ha niente da dire.

Detto questo, è inevitabile che qualche ingenuità ci sia, i ragazzi con gli strumenti ci sanno fare (anche se la voce melodica qua e là stona) ma le infuenze si sentono un pelo troppo, manca un po' di carattere. Dopodichè è il primo ep, ci sta tutto, se è vero che ho sentito esordi migliori è altrettanto vero che ne ho sentiti di nettamente peggiori.

Last but not least: i pezzi sono rilasciati sotto licenza Creative Commons. E' bello vedere che sempre più gente si stia rendendo conto che il futuro è adesso.

Nitraus

SCOTT KELLY Live in Italia - CONTEST online!

2011-02-07T14:33:00.008+01:00

Siamo orgogliosi di annunciare che SCOTT KELLY sarà di ritorno in Italia il prossimo Febbraio! Meglio noto come essere niente di meno che il cantante e chitarrista dei Neurosis, SCOTT KELLY ha intrapeso oramai da anni anche una carriera solista, con un progetto acustico che lo vede impegnato in una sorta di Folk-Country dalle tinte molto cupe, che hanno da sempre caratterizzato la carriera artistica del musicista statunitense. Un'occasione imperdibile per tutti i fans dei Neurosis e non solo, di vedere all'opera un grande artista, che già lo scorso Gennaio ha dato prova delle sue grandissime doti artistiche.

Giovedì Feb 24, 2011 - Conegliano - Appartamento Hoffmann
Venerdì Feb 25, 2011 - Torino- Spazio 211
Sabato Feb 26, 2011 - Bologna - Lazzaretto

HellFire Booking in collaborazione con NeuroPrison mette in palio 3 ingressi, uno per ciascuna data, basta rispondere correttamente alla seguente domanda mandando una mail all'indirizzo neuroprison@hotmail.com specificando la data alla quale si intende presenziare......buona fortuna!

Come si intitola l'ultimo disco da solista di Scott Kelly?

EARTH - Angels of Darkness, Demons of Light I

2011-02-01T16:33:00.003+01:00

Siediti nella penombra di una stanza di notte, accenditi una sigaretta e schiaccia play.
Se hai inserito nello stereo “Angels of Darkness, Demons of Light I” degli Earth ti stai per fare il più bel viaggio extrasensoriale della tua vita.
Questo è in breve il resoconto di cosa può essere l’ultimo capolavoro della band di Dylan Carlson, uno che era partito dall’eroina degli anni 90 e che arriva in questo 2011 a raccontarci con linee melodiche morbide, sussurrate ed estasianti cosa si può fare con una chitarra e ben poco altro.
Batteria, basso, chitarra e violoncello, chi l’avrebbe mai detto che il confuso caos magmatico di “Earth2 : Special Low Frequency Version” si sarebbe evoluto in questo paesaggio notturno, dolce e malinconico come non mai.
Gli Earth arrivano in questo freddo inverno del 2011 con una perla a dir poco meravigliosa.
La dilatazione totale e angusta del passato, viene ora riorganizzata in un cammino oramai iniziato nel 2005 con “Hex Or Printing In The Infernal Method” e proseguito fino al 2008 dove “The Bees Made Honey in the Lion’s Skul” dievenne la rappresentazione dello sboccio finale della musica degli Earth.
Invece quello che non ti aspetti è che a distanza di tre anni i padri del Drone escano dal loro mondo con una nuova sbocciatura, forse anche più completa e matura di quella passata.
“Angels of Darkness, Demons of Light I” è oltretutto solamente l’inizio, come si evince dal titolo esiste una seconda parte già pronta e registrata che prima o poi vedrà la luce e solo allora forse la maturazione di questo gruppo sarà portata a termine.
Difficile dirlo, già dopo “The Bees...” nessuno avrebbe pensato che gli Earth sarebbero stati capaci di superarsi, ma ormai non poniamo limiti a quello che Carlson & soci possono e sanno fare.
“Old Black” apre questa “piece” riagganciandosi li dove, la titletrack dell’album precedente chiudeva quel capolavoro di cui abbiamo già accennato. Chitarre eteree, evaporazione di suono dove una batteria e un basso ritmicissimi creano quelle cadenze atte a rallentare la vita intorno durante l’ascolto, con l’aggiunta di un violoncello magico e sognante, triste per definizione, che sa dare al suono degli Earth quella profondità che a volte solo l’uso di sostanze proibite riesce a creare.
Con questo album nuovo, gli Earth stessi diventano una sostanza proibita, meravigliosi, sognanti, creano psichedelia nera in un modo che nessuno riesce a fare oggigiorno.
“Father Midnight” è la colonna sonora di un film muto dove il lento cadenzare della batteria ci fa camminare con il protagonista lungo queste strade deserte e notturne alla ricerca di un qualcosa, forse se stessi che però in realtà non troveremo mai.
Hanno questa capacità gli Earth, non lanciano messaggi definiti, loro creano l’idea poi sta a te farti strada fra i fumi e le nebbie che le note spandono lungo il loro cammino.
Pregevolissimo esempio di questo cammino è “Descent to the Zenith” che con il suo incedere ci accompagna dove vogliamo essere accompagnati e via scivolare lungo sentieri misteriosi.
Approdando alla titletrack, ormai consuetudine per loro quella di chiudere i loro dischi con la titletrack, dove per 20 minuti veniamo risucchiati in vortici spazio temporali memorabili e solo alla fine ci accorgiamo che ormai la sigaretta è finita e che il disco con lei. Apri gli occhi e ti ritrovi li dove eri partito nella tua poltrona nella penombra.
Che fare ora? accenditi un’altra sigaretta e schiaccia nuovamente play, ci saranno altri nuovi mondi dove il nuovo album degli Earth ti potrà portare.

Signori questo è un capolavoro.

PostNero.

NEUROPRISON AWARDS 2010

2011-01-31T15:49:00.002+01:00

MIGLIOR DISCO [TOP 20]

1. Swans - My Father Will Guide Me Up A Rope To The Sky
2. Locrian - The crystal world
3. Deathspell Omega - Paracletus
4. Barn Owl - Ancestral Star (
5. Celeste - Morte(s) Nee(s)
6. Flying Lotus - Cosmogramma
7. Gnaw Their Tongues - L'Arrivée De La Tern Mort Triomphante
8. Gonjasufi - A sufi And A Killer
9. Shearwater - The Golden Archipelago
10. US Christmas - Run Thick in the Night
11. The Black Angels - Phosphene Dream
12. Deftones - Diamond eyes
13. Pansonic - Gravitoni
14. The Secret - Solve et coagula
15. The National - High Violet
16. Brendan Perry - Ark
17. Alpinist - Lichtlærm
18. Four Tet - There Is Love in You
19. Daughters - S/t
20. Massimo Volume - Cattive abitudini

MIGLIOR DISCO ITALIANO [TOP 5]

1. The secret - Solve et Coagula
2. Massimo volume - Cattive abitudini
3. Ufomammut - Eve
4. Ruggine - Estrazione Matematica di Cellule
5. Uochi Toki - Cuore Amore Errore Disintegrazione / Verme - Vai Verme Vai (ad ex aequo)

MIGLIOR EP [TOP 5]

1. Altar of plagues - Tides
2. Orthodox - Matse Avatar
3. Raime - S/t
4. White Hills - Stolen Stars Left for No One
5. All Pigs Must Die - S/t

MIGLIOR BRANO [TOP 5]

1. Locrian - Obsidian Facades
2. Swans - Jim
3. Thee Silver mt.Zion - There is a light
4. Deathspell Omega - Apokatastasis panton
5. Locrian - Elevation and dephts

MIGLIOR DISCO D'ESORDIO [TOP 3]

1. Murmuüre - S/t
2. White Noise Sound - S/t
3. Cold Body Radiation - The Great White Emptiness

MIGLIOR VIDEOCLIP [TOP 3]

1. M.I.A. - Born Free
2. Yoga - Reptoids
3. Flying Lotus - Kill Your Co-Workers

DELUSIONE DELL'ANNO [TOP 3]

1. The Ocean - Heliocentric
2. Massive Attack - Heligoland
3. Intronaut - Valley of Smoke

COPERTINA DELL'ANNO [TOP 3]

1. Celeste - Morte(s) Nee(s)
2. Locrian - The Crystal World
3. Swans - My Father Will Guide Me Up A Rope To The Sky / Deathspell Omega - Paracletus (ad ex aequo)

MIGLIOR LIVE [TOP 3]

1. Swans @ Torino, Sala Espace
2. Dead Meadow @ Brescia, Vinile 45
3. Converge @ Rimini, Velvet

RISCOPERTA DELL'ANNO [TOP 3]

1. Godflesh - Streetcleaner
2. Bohren & Der Club Of Gore - Black Earth
3. Cop Shoot Cop - White Noise + Ask Questions Later

UTENTE DELL'ANNO [TOP 3]

1. Dolph Lundgren
2. bobafett
3. er T. alias Uao!

HUNGRY LIKE RAKOVITZ / O - Split

2011-01-24T17:50:00.004+01:00

Tracklist:

HLR side
A1. Stop Walking, You're Dead
A2. There Hands Aren't Made for Pray
A3. Mombious Hibachi (The Melvins)
A4. Nice to Kill You
A5. Stammen Fra Taarnet (Burzum)
O side
B1. Inestinto
B2. Come il Buio

Lo split che vede gli Hungry Like Rakovitz dividere con gli O un bellissimo 7” dorato è in questo inizio di 2011 una vera e propria fucilata in faccia.
Andiamo con ordine, gli O ci propongono 2 tracce a dir poco tirate e violente, grind strisciante con un cantato in italiano che rende decisamente più agevole la comprensione del messaggio.
Violenza e stile si mischiano benissimo in questa band che esordisce con questo split lasciando intravedere potenzialità ben notevoli.
I testi, sui quali voglio soffermarmi un attimo proprio perchè in italiano, ci raccontano di solitudine, rabbia e disperazione, ma con un che di ragionato che li rende decisamente parte integrante del messaggio, che spesso, anzi troppo spesso, causa l’uso di una lingua straniera viene poco colto, quindi applausi agli O per questa scelta.

Veniamo ora al secondo lato, quello degli Hungry Like Rakovitz, bergamaschi con il grind al posto del sangue. LA violenza in Italia per me porta il loro nome tatuato sulla schiena. Cinque tracce fra cui due cover, “Mombious Hibachi” dei The Melvins e “Stammen Fra Taarnet” di Burzum, entrambe eseguite in maniera personalissima e decisamente riuscite.
Gli altri tre pezzi come indicato poco fa sono LA violenza fatta musica, spietati, non lasciano respirare e ti stringono le mani al collo facendoti morire in un mare di cazzi tuoi.
Non c’è una benchè minima speranza di sopravvivenza nel mondo narrato dagli Hungry Like Rakovitz.
 Accoppiare queste due band è stata una scelta azzeccatissima, riescono ad amalgamarsi benissimo dando al 7” un sapore malvagio e mefitico che poche volte il “made in italy” riesce a dare senza risultare sdegnoso e fin troppo derivativo (n.d.r. questo termine fa cagare!).

Menzione a parte è per l’artwork, un vero e proprio gioiello.
Chi, come me, ha avuto o avrà l’occasione di accaparrarsi una delle 100 copie numerate a mano (da satana) dell’edizione speciale si troverà un vero e proprio gioiello fra le mani con tanto di 7” dorato e racchiuso in un packaging veramente curato, dove uno splendido cervo campeggia in copertina il tutto a firma di “Clementine” a cui vanno i miei personali complimenti.
Piccolissima nota sempre sull’artwork il laccio che chiude il packaging rende il tutto ancora più misterioso e affascinante, ottima scelta.
Brave anche tutte le etichette che hanno supportato quest’uscita. DIY italiano, quando lo facciamo sul serio, lo sappiamo fare bene.

PostNero.

BARONE DEL MALE FEST 3 @ Perugia

2011-01-22T17:06:00.004+01:00

(13.15.16/01/2011 @Perugia)

La paura fa 90.
Il Male fa 3.

Il Barone del Male è andato in pensione, ma il festival organizzato dai ragazzi della 'zine continua la sua corsa e arriva quest'anno alla terza edizione. E ancora una volta si è fatto centro.
Per chi ormai presenzia in maniera costante all'evento, l'utilizzo della parola festival sta stretto, strettissimo, perchè ogni edizione è una festa, addirittura c'è chi la chiama sagra per il clima di convivio che si respira, talmente convivio che ogni volta si chiude in un baccanale guidato dalla spoken beer. La tre giorni si apre giovedì al Loop Cafè con l'esibizione dei Blues Against Youth, performance acustica di Gianni degli Orange Man Theory.
Ma location del sabato è quella classica, il CSOA Ex-Mattatoio, che si riempie di più a ogni edizione, e mettendo le cose in chiaro, a questo giro di gente ce n'era molta, rimasta in gran numero fino alle prime luci dell'alba, merito di una scaletta come sempre eterogenea che vuole creare ponti piuttosto che compartimenti stagni. "Consapevolezza attraverso l'allegria", come lo slogan dell'Ex-Mattatoio.
Ad aprire le danze (del Male) è toccato ai Gottesmorder, il trio toscano che si aggiudica quest'anno lo scettro del Male appartenuto la scorsa edizione ai francesi Celeste. Un muro di suono che prende per il bavero i Wolves in the Throne Room e li tira fuori da foreste e cieli stellati, scaraventandoli in ossai appartenuti un tempo ai Cursed, aggressione quindi, ma senza trascurare momenti meno tirati e arredati di atmosfere venefiche. Tre canzoni per poco meno di mezz'ora a reiterare il carattere monolitico della loro proposta, che è già da ora un gran sentire e possiede grandi margini di miglioramento conoscendo le teste del progetto.

(Foto di Valeria Pierini)

Cambio di registro, cambio d'atmosfera, arriva Lili Refrain, e per chi scrive è la sorpresa della serata.
Sorpresa perchè sul disco è difficile cogliere i collage di suoni imbastiti dalla semplicità di una chitarra e una voce multiformi, che si accavallano e combattono, si guardano negli occhi e fuggono all'improvviso, a volte corrono altre si adagiano. Difficile descrivere una proposta che attinge a piene mani dal metal quanto dall'ambient, dai Sepultura a Diamanda Galas con le miriadi di sfumature rintracciabili nel mezzo.
Troppo dite? E invece no, tutto è al suo posto traboccante di emotività, a volte pare di trovarsi al teatro, uno spettacolo a 360° che non può lasciare indifferenti. E gli omaggi al Male e Jerry Calà (mattatore del sabato perugino in un altro locale), chiudono in maniera goliardica una performance entusiasmante.

(Foto di Valeria Pierini)

Si ritorna a giocare pesante con i romani Doomraiser, ed è doom. Un'ora di esibizione pachidermica che ruota prevalentemente intorno all'ultimo full Erasing the Remebrance, una vera goduria per le orecchie. Non c'è chissà quale spirito innovativo nella loro proposta ed è fuori luogo anche cercarlo, perchè i piedi dei Doomraiser affondano nel passato e nei suoi figli più recenti, dai Candlemass passando per gli Sleep, quel doom più sporco e dinamico lontano dall'asfissia degli Electric Wizard. Una cascata di riff nemici del collo dei presenti, che come un mantra non può far altro che muoversi e muoversi ancora, fino al dilatatissimo finale che chiude un'esibizione con i fiocchi.

(Foto di Valeria Pierini)

I Cayman the Animal giocano in casa e si vede dalla partecipazione del pubblico, che risponde in maniera esaltante alla loro esibizione, con tanto di stage diving su una cyclette (del Male). Mezz'ora di aggressiva semplicità, un suono che rimane in bilico tra le quadrate soluzioni dei Quicksand, che quando accelera tira fuori radici di hc melodico che ha nella semplicità la sua bellezza, arrivando a toccare lidi più ricercati che furono degli Snapcase.
Divertimento e sudore nel cuore della notte, si può chiedere di più?

(Foto di Valeria Pierini)

A chiudere la serata, forse il gruppo più atteso, quei Raein che di recente con "Ogni nuovo inizio" hanno fatto scendere più di una lacrima ai cuori teneri (perchè in fondo siamo del Bene), e l'assioma si è ripetuto pure dal vivo.
Un impatto sonoro ed emotivo tra i più intensi che si possano trovare al giorno d'oggi, schegge impazzite pregne di melodia, da sempre il loro punto di forza, da cantare a squarciagola mentre fuori albeggia, sugli scudi in particolar modo le riproposizioni del loro ultimo ep, meno diretto rispetto ai dischi passati, ma non meno impressionante.
Screamo è un nome odioso, sta di fatto che come loro pochi al giorno d'oggi, con buona pace di tutti.
Ancora una volta la serata si è poi conclusa nella Balera del Male come da tradizione, e tra gli highlights della serata, sicuramente il monologo del Barone in persona, pura essenza del Male con la pubblicità per un benefit a Burzum.
Momenti che rimangono dentro.
E a chiudere la tre-giorni del Male, ci pensa Adamennon con il suo progetto Habitantibus in Terra, coadiuvato in questa sede da Null, recente compagno di split. Una bella mezz'ora di fruscìo elettronico e profondo che ha accompagnato perfettamente i postumi del giorno precedente, un'atmosfera intima e buia.

(Foto di Valeria Pierini)

Un ringraziamento per le foto a Valeria Pierini (www.valeriapierini.it/ e SUONA VISIONI su facebook)

Neuros.

NEUROPRISON GUESTS TOPLIST 2010

2011-01-17T17:23:00.005+01:00

Michael Bertoldini (THE SECRET)

1) Burzum - Belus
2) The Black Angels - Phosphene Dreams
3) Ealy Graves - Goner
4) Horseback - The Invisible Mountain (reissue 2010)
5) Locrian - The Crystal World
6) Nails - Unsilent Death
7) Swans - My Father Will Guide Me Up a Rope to the Sky

Fabrizio Palumbo (LARSEN)

CINDYTALK Up Here In The Clouds
BABY DEE A Book Of Songs For Anne Marie
BLUE WATER WHITE DEATH s/t
BOYS OF SUMMER Future Ancient
BRIAN MC BRIDE The Effective Disconnect
BURZUM Belus
CYCLOBE Wounded Galaxies Tap At The Window
FABULOUS DIAMONDS II
GREIE GUT FRAKTION Baustelle
LOSCIL Endless Fall
MASTERS MUSICIANS OF BUKKAKE Totem 2
NEU! '86
ROKY ERIKSON & OKKERVIL RIVER True Love Cast Out All Evil
SWANS My Father Will Guide You ...
THE FALL Your Future Our Clutter

Lan (MORKOBOT)

1) Uohi Toki - Cuore Amore Errore Disintegrazione
2) Autechre - Move of Ten
3) Shining - Black Jazz
4) Sightings - City of Straw
5) Jimi Hendrix - Valleys of Neptune
6) Lucertulas - The Brawl
7) Zach Hill - Face Tat

Andrea Violante (AT THE SOUNDAWN)

Unkle "Where did the night fall"
The Villagers "Becoming a jackal"
The Hundred In The Hands "The Hundred In The Hands"
Four Tet "There is love in you"
Janelle Monáe "The archandroid"
Joanna Newsom "Have one on me"
Constants "If tomorrow the war"
Brian Eno "Small craft on a milk see"

Alessio Corsini (INCOMING CEREBRAL OVERDRIVE)

1. Shining - Black Jazz
2. Ufomammut - Eve
3. Intronaut - Valley of Smoke
4. Viscera /// - 2: As Zeitgeist Becomes Profusion of the I
5. Knut - Wonder
6. The Secret - Solve et coagula
7. Mose Giganticus - Gift Horse
8. Melvins - The Bride Screamed Murder
9. Ghost Empire - S/t
10. K 11 / Pietro Riparbelli - METAPHONIC PORTRAIT: 1230 A.D. / The sacred wood

NEUROPRISON STAFF TOPLIST 2010

2011-01-17T16:43:00.004+01:00

ENOCH

01. Locrian - The Crystal World
02. Swans - My Father Will Guide Me Up a Rope to the Sky
03. Deathspell Omega - Paracletus
04. Barn Owl - Ancestral Star
05. Midlake - The Courage of Others
06. Flying Lotus - Cosmogramma
07. Gnaw Their Tongues - L'arrivée de la terne mort triomphante
08. A Silver Mt. Zion - Kollaps Tradixionales
09. Shearwater - The Golden Archipelago
10. Liars - Sisterworld
11. Clubroot - II:MMX
12. Clipd Beaks - To Realize
13. Nightbringer - Apocalypse Sun
14. Gonjasufi - A Sufi and a Killer
15. Foals - Total Life Forever
16. Brendan Perry - Ark
17. Bardo Pond - Bardo Pond
18. Demdike Stare - Liberation Through Hearing
19. Theologian - The Further I Get From Your Star, The Less Light I Feel On My Face
20. Tame Impala - Innerspeaker

EDVARD

01. Flyng Lotus -- Cosmogramma
02. Canaan - Contro.Luce
03. Deathspell Omega - Paracletus
04. Swans - My Father Will Guide Me A Rope To The Sky
05. Shearwater - The Golden Archipelago
06. The National - High Violet
07. Brendan Perry - Ark
08. Locrian - The Crystal World
09. Gonjasufi - A Sufi And A Killer
10. Deftones - Diamond Eyes
11. Massimo Volume - Cattive Abitudini
12. The Secret - Solve Et Coagula
13. White Noise Sound - S/t
14. The Soft Moon - S/t
15. Crystal Castles - S/t
16. Caribou - Swim
17. US Christmas - Run Thick In The Night
18. Void Of Silence - The Grave Of Civilization
19. Foals - Total Life Forever
20. The Black Angels - Phosphene Dream

NEUROS

01. U.S. Christmas – Run Thick in the Night
02. Massimo Volume – Cattive Abitudini
03. One Starving Day – Atlas Coelestis
04. Shearwater – the Golden Arcipelago
05. Ruggine – Estrazione Matematica di Cellule
06. White Hills – White Hills
07. Murmuüre - Murmuüre
08. Barn Owl – Ancestral Star
09. Brendan Perry – Ark
10. Wooden Shjips – Vol.2
11. Aidan Baker – Liminoid /Lifeforms
12. Rosetta – A Determinism of Morality
13. Balmorhea – Constellations
14. Viscera/// - As Zeitgeist Becomes Profusion of the I
15. Rose Kemp – Golden Shroud
16. Woven Hand – the Threshingfloor
17. Moon Duo – Escape
18. The Sword – Warp Riders
19. These New Puritans – Hidden
20. Emeralds – Does it look like I’m here

VORTEX SURFER

1. Foetus - Hide
2. Crystal Castles - Crystal Castles
3. Swans - My Father Will Guide Me Up a Rope to the Sky
4. Shearwater - The Golden Archipelago
5. A Silver Mt. Zion - Kollaps Tradixionales
6. Ruggine - Estrazione Matematica di Cellule
7. Locrian - The Crystal World
8. Gonjasufi - A Sufi and a Killer
9. Wild Nothing - Gemini
10. Flying Lotus - Cosmogramma
11. Ättestupa - Begraven Mot Norr
12. Foals - Total Life Forever
13. The Soft Moon - The Soft Moon
14. Everyone Everywhere - Everyone Everywhere
15. Xiu Xiu - Dear God, I Hate Myself
16. A Forest of Stars - Opportunistic Thieves of Spring
17. Demdike Stare - Liberation Through Hearing
18. Perturbazione - Del nostro tempo rubato
19. Burzum - Belus
20. Massimo Volume - Cattive abitudini

JAMES "SAWYER" FORD

1) The Secret - Solve Et Coagula
2) Twilight - Monument To Time End
3) The National - High Violet
4) Urfaust - Der Freiwillige Bettler
5) Locrian - The Crystal World
6) Barn Owl - Ancestral Star
7) Fell Voices - S/T (Tour CD-R)
8) Foals - Total Life Forever
9) Agalloch - Marrow Of The Spirit
10) Black Breath - Heavy Breathing
11) Thou - Summit
12) Sailors With Wax Wings - Sailors With Wax Wings
13) Lesbian - Stratospheria Cubensis
14) Rorcal - Heliogabalus
15) Salome - Terminal
16) Celeste - Morte(s)Nee(s)
17) Alpinist - Lichtlaerm
18) Unearthly Trance - V
19) US Christmas - Run Thick In The Night
20) Nachtmystium - Addicts Black Meddle Pt II

SALVATION COMES IN THE END

01. Locrian - The Crystal World
02. Celeste - Morte(s) Nee(s)
03. Midlake - The Courage Of Others
04. Year Of No Light - Ausserwelt
05. Black Breath - Heavy Breathing
06. Masakari - The Prophet Feeds
07. Unearthly Trance - V
08. Alpinist - Lichtlaerm
09. White Hills - White Hills
10. Unkind - Yhteiskunnan Pikkuvikoja
11. Ufomammut - Eve
12. The Secret - Solve Et Coagula
13. Rosetta - A Determinism Of Morality
14. Master Musicians Of Bukkake - Totem 2
15. Panopticon - On The Subject Of Morality
16. The Black Angels - Phosphene Dream
17. Envy - Recitations
18. Sed Non Satiata - Sed Non Satiata
19. Coliseum - House With A Curse
20. Rorcal - Heliogabalus

ER T. ALIAS UAO!

1. Swans - My Father Will Guide Me Up A Rope To The Sky
2. Big Blood - Dark Country Magic
3. Glenn Branca - The Ascension: The Sequel
4. Demdike Stare - Liberation Through Hearing
5. Gnaw Their Tongues - L'Arrivée De La Tern Mort Triomphante
6. Golden Retriever - S/T
7. Vibracathedral Orchestra - Smoke Songs
8. Sylvester Anfang II - Live At Utmarken (tape)
9. Peeessye & Talibam! - S/T
10. White Hills & Gnod - Gnod Drop Out With White Hills
11. Urfaust - Der Freiwillige Bettler
12. Garden Sound - Black Summit
13. Harvey Milk - A Small Turn Of Human Kindness
14. Lloyd Miller & The Heliocentrics - S/T
15. Flower Corsano Duo - You'll Never Work In This Town Again
16. Sight Below - It All Falls Apart
17. Thee Oh Sees - Warm Slime
18. Vex'd - Cloud Seed
19. Aboombong - Asynchronic
20. Barn Owl - Ancestral Star

CELESTOPOLI

1. Flying Lotus - Cosmogramma
2. Gonjasufi - A Sufi and a Killer
3. Locrian - The Crystal World
4. US Christmas - Run Thick in the Night
5. Gnaw their tongues - L'arrivée de la terne mort triomphante
6. Vampire Weekend - Contra
7. Shearwater - The Golden Archipelago
8. Master Musicians of Bukkake - Totem Two
9. Ariel Pink’s Haunted Graffiti - Before Today
10. The Black Angels - Phosphene Dream
11. A Forest of Stars - Opportunistic Thieves of Spring
12. Caribou - Swim
13. Pansonic - Gravitoni
14. Alpinist - Lichtlærm
15. Daughters - S/T
16. Toro Y Moi - Causers of this
17. The National - High Violet
18. Sylvester Anfang II - Commune Cassetten
19. Foals - Total Live Forever
20. The Paradise Motel - Australian Ghost Story

ARIANRHOD

1. Flying Lotus - Cosmogramma
2.Gonjasufi - A Sufi and a Killer
3. Swans - My Father Will Guide Me Up a Rope to the Sky
4. Barn Owl – Ancestral Star
5. Clubroot – II:MMX
6. Locrian - The Crystal World
7. Midlake – The Courage of the Others
8. Clip Beaks – To Realize
9. Brian Eno – Small Craft to a Milk Sea
10. Deathspell Omega – Paracletus
11. A Silver Mt. Zion – Kollaps Tradixionales
12. Brendan Perry – Ark
13. Four Tet – There is love in you
14. Foals – Total Life forever
15. Shearwater – The Golden Archipelago
16. Toro y Moi – Causers of This
17. US Christmas - Run Thick in the Night
18. Demdike Stare – Liberation Through Hearing
19. These New Puritans – Hidden
20. Akira Rebelas - Caduceus

UNANOTA

01. Swans - My Father Will Guide Me Up A Rope To The Sky
02. Pan Sonic - Gravitoni
03. Belfi / Grubbs / Pilia - Onrushing Cloud
04. 3/4HadBeenEliminated - Oblivion
05. Yellow Swans - Going Places
06. Barn Owl - Ancestral Star
07. Oneohtrix Point Never - Returnal
08. Tame Impala - Innerspeaker
09. Akira Rabelais - Caduceus
10. Emeralds - Does it look I'm here?
11. Caribou - Swim
12. Exploding Star Orchestra - Stars Have Shapes
13. Jason Simon - Jason Simon
14. Julian Lynch - Mare
15. Sun Araw - On Patrol
16. Nadja / Ovo - The Life & Death of a Wasp
17. Mount Kimbie - Crooks and Lovers
18. Shearwater - Shearwater is Enron
19. Deathspell Omega - Paracletus
20. Flying Lotus - Cosmogramma

NITRAUS

1. Electric Wizard - Black Masses
2. Swans - My Father Will Guide Me Up A Rope To The Sky
3. The Secret - Solve Et Coagula
4. Ufomammut - Eve
5. Burzum - Belus
6. Celeste - Mortes Nees
7. Alpinist - Lichtlaerm
8. Deftones - Diamond Eyes
9. Kvelertak - Kvelertak
10. US Christmas - Run Thick In The Night

AMIA VENERA LANDSCAPE - The Long Procession

2011-01-11T17:27:00.004+01:00

Tracklist:
01. Empire
02. A New Aurora
03. My Hands Will Burn First
04. Ascending
05. Glances pt.1
06. Glances pt.2
07. Marasm
08. Nicholas
09. Infinite Sunset Of The Sleepless
10. The Traitor's March

Eccoci finalmente pronti ad occuparci di uno dei debut album più attesi e di una della band più discusse dell'underground musicale italiano (e non solo) legato alla scena metal/hardcore, visto che la giovane band veneta tra live di supporto a nomi del calibro di Underoath e Dillinger Escape Plan ma soprattutto un massiccio passaparola online è riuscita a conquistarsi una certa notorietà pur essendo attualmente senza contratto ed avendo per ora pubblicato solamente un breve Ep autoprodotto.
L'attesa per questo full-lenght si è fatta notare ma è anche diretta conseguenza dell'alta professionalità della band, attenta a curare ogni minimo dettaglio della propria sfaccettata proposta artistica.

The Long Procession è un concept album diviso in dieci tracce che sfociano una nell'altra, alternando momenti di raro impatto frontale con vorticosi cambi di tempo, ad altri più melodici e soffusi, intervallando il tutto con stacchi ambientali e progressioni strumentali di chiaro stampo post-metal.
Ai primi ascolti l'album con i suoi 68 minuti di durata può facilmente apparire piuttosto pesante da digerire, ma in definitiva direi che una volta metabolizzato tutto torna e le varie tracce si rivelano ben collegate tra loro, detto questo è innegabile il fatto che alcuni intermezzi ambientali e strumentali facciano perdere un pò d'impatto e fluidità alla tracklist.
Il trittico d'apertura composto da Empire, A New Aurora e My Hands Will Burn First è assolutamente perfetto nel proprio debordante incidere, reso da una sezione ritmica micidiale (in particolare impressiona il drumming di Simone Pellegrini) che in combinazione con un dissonante wall of sound chitarristico ed il possente growling di Alessandro Brun rivela tutto il potenziale tecnico/compositivo del giovane sestetto, magnificamente supportato poi da una produzione che definire scintillante è riduttivo.
Con il lungo episodio ambientale Ascending l'album vira verso atmosfere decisamente più rarefatte e melodiche, sublimate nell'accattivante singolo Glances. A questo punto la band si spinge ancora oltre con i 14 minuti di un'altra strumentale, Marasm, eccellente composizione dai tratti progressive che miscela con sorprendente maturità tecnicismo ed epicità.
E' la volta poi di Nicholas, a mio parere il punto centrale dell'album nonchè pezzo maggiormente riuscito ed in grado di sintetizzare in un solo colpo tutte le sfaccettature del sound della band.
Il breve intermezzo ambientale Infinite Sunset Of The Sleepless introduce The Traitor's March, perfetto tassello di chiusura dell'album, impreziosito dalle sempre ottime melodie vocali del chitarrista Marco Berton, in questo episodio particolarmente efficaci e decisive per la perfetta resa del mood del brano.

In conclusione non possiamo che dirci colpiti e soddisfatti del risultati raggiunti dalla band con The Long Procession, un debut album in grado di mettere in chiaroscuro moltissime band dai nomi altisonanti e con già molti anni di esperienza alle spalle anche se, a mio parere, la band in futuro potrebbe rendere il proprio lavoro sulla lunga distanza magari un pelo meno ambizioso ma senza dubbio maggiormente compatto, tagliando qualche intermezzo strumentale/ambientale di troppo.

Amia Venera Landscape

-Edvard-

GHOST EMPIRE - S/t

2011-01-11T15:32:00.003+01:00

Tracklist:

1. Omega Glory
2. Gukurahundi
3. Gnosticism
4. Scalar Beams
5. Resurrection
6. Blood Harvest
7. Dialectic
8. Ghost Empire

I Ghost Empire, super gruppo che nasce dall’unione tra diversi membri della scena sludge italiana ed in particolare toscana, tra cui Stoner Kebab, Cosmotron, Devoggol, sono punto di riferimento assoluto che per chi ha a cuore tali sonorità e finalmente nel 2010 ci regalano la loro prima uscita ufficiale, un doppio Lp da ben 60 minuti di puro magma nero, una grossa colata di pece sui sentimenti.
Riff di chitarra schiacciasassi e bassi spacca ossa, non c’è un attimo di tregua in questo marasma di dolore e soffocamento, a cui va poi fatta una doversosa menzione ai suoni, a dir poco eccellenti e per certi versi inebrianti attraverso richiami alla più classica psichedelia anni '70, mischiata al doom più nero che vi venga in mente.
Dolore e frustrazione, argomenti ormai forse iper abusati in un mondo come quello dello Sludge/Doom, ma questi ragazzi ci sanno fare tanto che è difficile non alzare le corna al cielo e applicarsi nella sana arte dell’headbanging.
Spiccano decisamente i vari brani all'interno dell'album, che non diventano mai banali e non stancano nonostante la consistente durata, con la band che cerca e riesce nel rendere il suono particolarmente ricercato, che eviti di mescolarli alla tradizionale gran matassa di queste sonorità.

Applausi quindi ai Ghost Empire, che si rivelano un gran gruppo su cui poter sicuramente puntare e dal vivo poi devono essere una vera e propria esperienza sonora, per il momento in questa sede vanno promossi a pieni voti essendo autori di un debut album tra i migliori in assoluto dell'annata appena trascorsa.

Ghost Empire

PostNero.

HIEROPHANT - S/t

2011-01-09T17:42:00.003+01:00

Tracklist:
01. Hermetic Sermon Pt.1
02. I Am I, You Nobody
03. As Kalki
04. Mother Tiamat
05. Hermetic Sermon Pt.2
06. Lambgoat
07. We Know Love
08. Abissus Abissum Invocat
09. 1000 Winters
10. Hermetic Sermon Pt.3

Il connubio tra elementi black metal ed hardcore sembra stia ormai per divenire la tendenza del momento, con diverse proposte interessanti uscite negli ultimi anni tra cui sugli scudi abbiamo band quali i francesi Celeste o ancor meglio i nostrani The Secret, ed il debutto degli Hierophant si inserisce appunto su queste coordinate stilistiche.
Il quintetto della provincia di Ravenna è di recente formazione, essendosi affacciato sulla scena solamente nel 2009, ma si è da subito mostrato particolarmente attivo in sede live suonando addirittura in supporto di band del calibro dei Poison The Well.
Il gruppo si è poi focalizzato principalmente sulla scrittura di nuovo materiale per arrivare a registrare il debut album omonimo oggetto di questa recensione.
Il sound degli Hierophant è violento, cupo e malsano, ben reso dal lavoro in fase di produzione ed in perfetta sintesi tra old school (Imtegrity tanto per fare un nome, e guarda caso proprio David Hellion compare come guest) e le nuove tendenza post-hardcore, ma ciò che impressiona positivamente al di là di chiari rimandi a questa o quell'altra band, è la capacità di scrivere pezzi semplici ma affatto banali, diretti e d'impatto ma assolutamente pregni di carattere e pathos.
L'album, incorniciato da un intro ed un outro davvero azzeccate, si presenta anche alquanto vario, passando da episiodi dai ritmi più sostenuti (I Am I, Lambgoat, We Know Love) ad altri più cadenzati e particolarmente sulfurei (As Kalki, Mother Tiamat, 1000 Winters), anche se è con Abissus Abissum Invocat che ha mio parere vengono raggiunti i migliori risultati, miscelando e sintetizzando mirabilmente i due approcci.
In conclusione non possiamo che trovare complessivamemte riuscito questo lavoro che, se da una parte certamente non brilla per originalità, dall'altra denota carattere ed incisività, non cosa da poco per un debut e soprattutto per una band nata da così poco tempo. Avanti così.

Hierophant

-Edvard-

VISCERA/// - 2: As Zeitgeist Becomes Profusion of the I

2011-01-07T15:01:00.003+01:00

Tracklist:
1. Ballad Of Barry L.
2. Hands In Gold
3. Um ad-dunia
4. They Feel Like Co2

Due anni fa e qualcosa più, Cyclops faceva naufragare in maniera decisa i Viscera/// lontano dai territori grind degli esordi, e se qualche occhiata alla terra ferma era ancora riscontrabile, con il nuovo album sono stati volutamente tirati i remi in barca per prendere il largo.
2: As Zeitgeist Becomes Profusion of the I, è un album ambizioso già dal titolo, atto a celare la prosecuzione del focus iniziato con il disco precedente, un viaggio sul riconoscimento della propria esistenza che in questo episodio trova la sua pausa di riflessione, come una sosta obbligatoria in un percorso tortuoso iniziato da tempo.
Per questo motivo i tempi rallentano e le atmosfere si dilatano, con quattro composizioni diluite in circa quaranta minuti di musica, che hanno le proprie radici nelle passate Iris Overburden o Titan, ma con una coesione di fondo che è evidente soprattutto nelle chitarre che si adagiano in maniera uniforme a riempire qualsiasi spazio, mentre frammenti solisti disegnano melodie liquide come in Ballad of Barry L., una ballata appunto, e per quanto atipica possa essere il nome non è fuorviante, ma rende palpabile l’essenza dell’introspezione. L’approccio può essere definito come doom, ma come a livello concettuale, anche la musica ha ben poco a che spartire con il passato e con tonalità terrene, cosicché anche i richiami allo space-rock appaiono trasfigurati e riletti in una chiave nuova, che per comodità non si può definire che moderna, affiancati da voci che si affacciano dietro un riverbero ovattato e dal piglio rock, semplicemente.
Canzoni come Hands in Gold e They Feel Like Co2 riescono nell’impresa –di questi tempi- sempre più difficile nel coniugare cambi di registro e generale senso dell’ordine, senza abbandonare la canzone a onanismi vari, ma mantenendola sempre su una rotta precisa nonostante le deviazioni, si chieda conferma a band come Intronaut o The Ocean quale sia il rischio ad allontanarsi dalla rotta: naufragio e conseguente saluto ai pesci. La tavolozza pesca tanti colori dalle tonalità calde, e un paragone calzante potrebbe essere quello con Discipline dei King Crimson, un’influenza sicuramente riscontrabile, elaborata però in un contesto estremo e visionario come quello del gruppo cremonese.
E allora è impossibile non stupirsi dinanzi alla progressione di Um ad-Dunia, la più avvincente del disco, con passaggi di registro dall’epico al sinistro, come nel finale tirato allo spasmo e poi nuovamente concretizzato in muraglioni sonori, che nonostante la mole si mantengono eleganti e precisi, vivi insomma.
I Viscera/// quindi non pongono freno alla loro sperimentazione, in un ambito dove la commistione tra metal, derivazioni hardcore e passaggi ambientali pare vicina alla saturazione, loro riescono comunque a sorprendere, come sono riusciti di recente a fare solo i Juggernaut.
E allora se di trilogia si può parlare, questo secondo capitolo bissa la qualità di Cyclops e mantiene ancora aperte numerose strade per l’evoluzione sempre perseguita dal gruppo, senza donare alcun punto di riferimento sui futuri sviluppi, e questo in un periodo dove tutto è scontato e prevedibile, è forse tra le più grandi qualità.

Viscera///

Neuros

BARONE DEL MALE FEST 3

2010-12-15T19:33:00.000+01:00

La webzine Barone del Male ha deciso di porre fine alla sua esistenza, ma il festival non muore
mai, o si ripresenta come zombie, fate voi. Dopo le riuscitissime prime due edizioni, che hanno
portato sul palco del CSOA Ex Mattatoio band del calibro di Lento, Celeste, The Orange Man
Theory, At The Soundawn e tanti altri amici del Barone, la kermesse giunge al vol.III e ritorna
ad una line-up tutta italica. Siamo noi l'Italia del fare.

Edizione particolare che si svolgerà in tre tappe, e sbarcherà per la prima volta nel centro di
Perugia, precisamente al Loop cafè, che ospiterà il warm-up giovedì 13 con THE BLUES
AGAINST YOUTH, progetto solista blues/rock/country di Gianni dei The Orange Man Theory
(almeno uno di loro ci doveva essere, è tradizione) e la defaticante scossa d'assestamento
domenica 16 con HABITANTIBUS IN TERRA, alias Adamennon, dark-ambient maledetto.

Il programma di sabato 15 al CSOA Ex Mattatoio è il seguente:

Come headliner della serata arriveranno da Roma a spaccarci i timpani i DOOMRAISER,
un'istituzione, band di punta del panorama doom nazionale ed internazionale, per una delle
ultime esibizioni prima di rinchiudersi di nuovo in studio. Per l'occasione presenteranno
anche il materiale estratto dal fresco split con gli Earthride. Garanzia di quantità e qualità, i
Doomraiser sono macigni etilici senza tanti fronzoli, lo sa bene chi ha già assistito ad un loro
live.

www.myspace.com/doomraiser

Con magno gaudio annunziamo che da Forlì arriveranno a strizzare con violenza i nostri
cuoricini gli intensissimi RAEIN, screamo-emoviolence a cavallo fra Saetia, La Quiete (con cui
condividono un membro), Orchid e tanto altro. Anch'essi una realtà riconosciuta e affermata
in Italia e all'estero, vedere ad esempio la performance al Fluff Fest per credere.
Dannatamente profondi.

www.myspace.com/raein

Sempre dall'Urbe capitolina ci allieterà la serata LILI REFRAIN, one woman band molto
particolare che ha con piacere accettato il nostro invito a sposare la causa del Male. Ci faremo
volentieri ipnotizzare dalla sua voce penetrante, che spicca in un tappeto sonoro tra folk, psy e
blues, ma al contempo metalloso, anzi, "shippinghead ". Cattiva e maledetta pure lei.

www.myspace.com/lilirefrain

Ma non mancherà nemmeno l'amato tupa tupa, perché dulcis in fundo saliranno sul palco i
CAYMAN THE ANIMAL e il loro punk'n'roll chirurgico e cazzone, con membri di Ingegno,
Ouzo, Mithra e Carnage. I morti soccorreranno i feriti. E no, non ce líhanno il maispeis perché
non gli frega un cazzo.

Da Pisa un'altra new entry del festival baronale, i GOTTESMORDER, granitico trio che si
aggira nellíoscuro territorio tra black metal e hardcore, con membri di Violent Breakfast (ora
Chambers) e Magdalene. L'uscita del loro EP d'esordio è prevista per la prima metà del 2011 e
farà male, malissimo.

www.myspace.com/gottesmorder

E previsto un ottimo pasto vegano del Male, e la cucina sarà aperta tutta la notte. Cenare a
casa no, è del bene, cacca.

Gli adepti che parteciperanno a tutti gli eventi fruiranno di uno sconto fedeltà per gli ingressi
e riceveranno in omaggio un paio di scaldamuscoli con la firma di Claudia Schiffer o un
elmetto prussiano.

Se avete problemi di trasporto da Perugia chiamateci , la navetta è viva e lotta insieme a noi.
Se non trovate il CSOA chiamateci lo stesso, vi indicheremo con piacere la via della perdizione.

Come sempre le distro sono molto ben accette, ma fatevi vivi prima così organizziamo per
bene i banchetti.

Al solito la situazione sarà caratterizzata da goliardia, biliardino del Male ed ettolitri di birra.
Al termine dei concerti serata danzante con DJ set a cura dello staff baronale: brutal-polka,
black-mazurka, funeral-disco, grind-valzer , samba patè, soul-crust (da struscio). Il tutto si
chiuderà allíinsegna dello sport col lancio della Gelmini nel Tevere.

Sfiducia anche tu il Barone del Male!

Ringraziamo per la collaborazione Route 147, Neuroprison, Perkele, Audiodrome e Music
Exchange.

Info:

baronedelmale@hotmail.it
3206461081 Damiano
3294777425 Daniele
3271015880 Marco

RUGGINE (Intervista)

2010-11-11T16:36:00.002+01:00

Francesco Rossi (basso), Simone Rossi (chitarra e voce), Paolo Scalabrino (basso) e Davide Olivero (batteria) sono i Ruggine, vengono dalla provincia di Cuneo e sono autori di un disco-bomba dal titolo che è tutto un programma, Estrazione Matematica Di Cellule.
L’intervista che segue ci dà la possibilità di approfondire con tre di loro alcuni aspetti inerenti alla loro musica e al loro modo di intendere le cose…

Ciao ragazzi, benvenuti su Neuroprison. Per prima cosa vorrei sapere qualcosa di più sul monicker: perché proprio “Ruggine”?

Davide: Non ha un significato particolare…Anni fa ci siamo trovati a dover cercare urgentemente un nome al gruppo in vista di un concerto e "Ruggine" aveva un suono che ci piaceva. Sicuramente era migliore di altre soluzioni che avevamo trovato, con il tempo abbiamo iniziato a farci l'abitudine e non abbiamo più voluto cambiarlo. L'idea era venuta dal nome di un disco dei Gea (gruppo bergamasco), c'era la foto della copertina su un giornale di musica e ci piaceva la scritta "Ruggine", non so perchè ma ci aveva colpito.

Simone: Ruggine è stata una scelta dettata dall' esigenza di possedere un nome. Non ha un senso specifico ma ci piace per il "suono " che crea, oltre che alle sensazioni legate al tipo di musica che facciamo. Al giorno d' oggi non potrebbe esistre un altro nome per noi, RUGGINE e basta!

Estrazione Matematica Di Cellule è un debutto di una maturità e di una coesione notevoli. Siete riusciti ad ottenere un bilanciamento perfetto tra la complessità strumentale del rock matematico, la ferocia dell’hardcore e la spietatezza del noise-rock, senza mai perdere di vista le emozioni. Brani come "Cadillac", "Mangio Il Sole Con Gli Occhi", "Fujiko" e "Thallium III" sono ferite aperte che fanno male, chiodi conficcati nella pelle, il suono della provincia malata. Penso siate ampiamente soddisfatti del risultato ottenuto…

Davide: Ti ringraziamo, forse quello che hai detto non lo pensiamo neanche noi…
Quello che volevamo all'inizio era fare un bel disco tenendo conto anche dei tempi che avevamo a disposizione e della disponibilità economica che avevamo (poca). A lavoro finito possiamo dire di essere soddisfatti. Il risultato finale ci piace e quello che volevamo trasmettere penso si possa cogliere. E' la cosa più importante e non è affatto scontata.

Paolo: Siamo ampiamente soddisfatti del disco, e siamo ancora più soddisfatti di quello che siamo riusciti a creare in questi anni. Estrazione Matematica Di Cellule, il nostro primo disco a tutti gli effetti, è stato solo il culmine di un lavoro che racchiude in sè un bel pezzo della nostra storia. Penso sia come aver chiuso un cerchio dal quale eravamo partiti quasi per caso. L’aver registrato un disco è stato un “traguardo” che ci ha dato fiducia, ci ha fatto rendere conto delle nostre potenzialità.

Simone: Estrazione Matematca Di Cellule è stato il risultato di anni di ascolti, concerti ed esperienze che hanno forgiato una certa nostra personalità. Sono contento perchè, i nostri pezzi, hanno sempre avuto una linea ed una tematica costante nel corso degli anni. Quando riesci a crearti un suono ed una personalità musicale, crei un punto di riferimento in quell'ambito; in questo caso associabile ai Ruggine.

In sede di recensione ho scritto che la vostra musica è “costantemente in bilico tra rumore e melodia, tensione e raffinatezza, urgenza comunicativa e cerebralità”. Condividete questa analisi? Come nasce un brano dei Ruggine?

Davide: Il problema è che non lo sappiamo neanche noi di preciso. A volte i pezzi saltano fuori quasi per caso e li terminiamo in fretta. Nella maggior parte dei casi però il processo è piuttosto lungo, ci lavoriamo per molto tempo e facciamo diverse modifiche fino a trovare la soluzione che secondo noi è la migliore. Spesso l'afghano ci da una mano.

Simone: Un brano dei Ruggine nasce, il più delle volte, da situazioni inaspettate dove tutti e quattro riusciamo a creare un riff quasi immediato rispetto alla colonna portante del pezzo. Ci sono pezzi che nascono e terminano in un lasso di tempo relativamente breve, mentre invece per altri è già successo che ci andasse molto di più.

Paolo: Condivido la tua analisi, come condivido la risposta di Davide e Simone.
La stesura dei brani non è mai un processo “matematico”. Ci sono volte in cui sei alle prove e il tutto fila liscio come l’olio, i pezzi nascono in maniera naturale. Altre volte invece ci si dilunga e ci si perde dentro ad un riff senza riuscire a far quadrare il brano.

La produzione di Manuel Volpe presso il Redhouse Recordings di Senigallia è stata importantissima per la riuscita del disco. A livello strettamente sonoro, ad esempio, la differenza tra il full length e il precedente Ep omonimo (recensione) è notevole. Credo che Manuel abbia fotografato fedelmente ciò che sono i Ruggine oggi: una band potente, chirurgica e dall’ impatto tremendamente live. Com’è stato lavorare con lui? Vorreste rinnovare questo sodalizio in futuro?

Davide: E' stata sicuramente un'esperienza molto bella e formativa. Per l'aver lavorato con lui e per aver avuto la possibilità di farlo al Redhouse. Manuel è una persona che già avevamo conosciuto prima di registrare, avevamo fatto dei concerti con il gruppo con cui suona, i Bhava, e quindi era stato più facile lavorare poi con lui in studio. Soprattutto per il discorso dell'impatto live: è una cosa a cui noi tenevamo molto e Manuel è stato bravissimo in questo.

Paolo: Penso che Manuel abbia vissuto molto intensamente e seriamente i giorni delle registrazioni, come i giorni che la precedevano. Il suo interesse nei nostri confronti è sempre stato forte, tanto da proporci di registrare con lui al Redhouse.
Tutto questo è stato solo un vantaggio per noi, visto che avevamo voglia di registrare i brani nuovi ed allo stesso tempo registrare nuovamente i brani a cui più tenevamo dell’Ep. Prima di pensare a una nuova collaborazione dobbiamo mettere insieme i pezzi che andranno a comporre un nuovo disco, cosa sulla quale ci stiamo concentrando maggiormente.

Simone: Stiamo parlando di uno studio di registrazione professionale, che valorizza tutto ciò che riguarda il gruppo. Siamo stati fortunati ed entusiasti di lavorare con Manuel, in quanto lui ha colto in pieno il senso e quello che volevamo ottenere. Sicuramente in futuro, se ci sarà la possibilità, saremo lieti di poter lavorare ancora con lui.

Ai più attenti osservatori dell’underground italico non sarà sfuggita la vostra provenienza, la zona di Cuneo. Sembra proprio che quella provincia sia diventata l’epicentro del nuovo “noise-rock made in Italy”. Cosa sta succedendo lì? A cosa di deve tutto questo fermento?

Davide: Non saprei dirti, ci conosciamo tutti ed in generale ciò che ci accomuna è che ci crediamo davvero, indipendentemente da quello che facciamo. E' vero, ci sono tanti gruppi validi nella provincia di Cuneo. Penso ai Fuh, il gruppo al quale più di ogni altro ci sentiamo legati, agli Io Monade Stanca, ai Treehorn, ai Dogs For Breakfast, ai Fagetz, ai Three Light Noise.
In ambito meno "rumoroso" e più cantautoriale ci sono La Moncada e Matteo Castellano (una delle cose più belle che mi sia capitata di ascoltare in assoluto). Presto si faranno conoscere anche i La Malora e gli HuB.
Ed infine ci sono i Cani Sciorrì ed i Dead Elephant, i gruppi dai quali in provincia è partito un pò tutto. Sì, alla fine siamo giusto in due o tre.

Paolo: Questa domanda non può che farmi davvero piacere. A mio avviso è molto importante che al di fuori della “granda”ci sia gente davvero interessata a quello che succede qui, è davvero gratificante.
In realtà qui in provincia, a parte i gruppi, non c’è un gran fermento “musicale”. I locali dove suonare sono davvero pochi, ma in particolare è la gente il più grande assente di questo momento. Sembra quasi svanito l’interesse per la musica live, non per le cover band o le orchestre liscio ovviamente, ma per i gruppi che vanno avanti da anni cercando di lasciare qualcosa di proprio, un qualcosa che viene espresso tramite una canzone oppure ad un concerto per esempio.
Forse tutti questi gruppi sono nati anche in contrapposizione ai limiti della provincia, riuscire a farsi apprezzare da persone che vivono a centinaia di chilometri di distanza da noi non può essere che uno stimolo a fare sempre meglio.

Simone: Per quanto riguarda la scena di Cuneo, tutto è nato dall' avvento degli Elephant Man che hanno gettato il sassolino nello stagno dando il via a tante nuove situazioni e realtà. Qui se ne sentiva il bisogno; ed a oggi sono contento che si sia creato tutto questo. Ci tenevo a sottolineare che tra tutti vi è una grossa collaborazione, in quanto si è cresciuti insieme condividendo tante esperienze...

Siete nati come terzetto (chitarra, basso, batteria) ma successivamente avete ampliato la line-up con l’ingresso di un secondo bassista. Durante l’ascolto di Estrazione…mi sono reso conto che la presenza dei due bassi e le tessiture da essi create concorrono a dare un dinamismo ritmico e armonico molto particolare ai brani del disco…

Davide: E' un pò quello che volevamo ottenere. L'idea di avere due bassi è una cosa che a noi piace molto, che in qualche modo ti permette di avere un impatto particolare, soprattutto dal vivo. E' anche un modo per poterci distaccare da altri gruppi ed avere maggiori stimoli per rendere più personale ciò che facciamo. Non è sempre semplicissimo, ma è comunque sempre meglio che pulire il bagno di Camerana (chi vuole capire, capisca).

Paolo: La scelta dei due bassi è stata tanto fortuita quanto interessante.
Nel corso degli anni io e Francesco siamo riusciti ad ottenere ognuno il proprio suono, senza coprirsi l’uno con l’altro.
Abbiamo trovato la giusta “miscela” di suono per rendere tutto il meno banale possibile. Francesco ha un suono molto più impuntato sulle basse, io sulle frequenze medio alte mentre Simone ricopre tutta la parte di alte mancanti. In questo maniera riusciamo a coesistere molto bene. Anche se mi sento di dire che siamo la rovina di ogni fonico.

Simone: L' idea dei due bassi, per quanto fosse strana, ci ha subito intrigato e soddisfatto musicalmente. Volevamo fare qualcosa di nuovo, anche se all'inizio non è stato perchè si trattava di farli risaltare e fare in modo di creare due suoni ben differenziati con una ben definita personalità sonora. Tutto questo lavoro si sente, come sottolineavi tu, in Estrazione Matematica Di Cellule, ci piace!

Parliamo dell’aspetto puramente lirico della vostra musica. Chi si occupa della scrittura dei testi e cosa vi ispira maggiormente nella vita di tutti i giorni?

Paolo: I testi delle canzoni li scriviamo principalmente io e Simone.
Chi si sente più ispirato a scrivere un testo per un particolare pezzo lo fa, poi insieme ci troviamo per inserirlo nella canzone, oppure per valutare eventuali arrangiamenti. Credo sia un buon metodo lavorare a due in questa parte della composizione.
Per quel che riguarda il contenuto dei testi, si entra in un campo minato. Quando scrivo non penso mai particolarmente ad un tema, scrivo quello che sento, quello che vivo, domande e tutto quello che più mi colpisce nella vita di tutti i giorni. Tutto questo comprende momenti di spensieratezza a momenti di semplice voglia di gridare un qualcuno, un qualcosa. Penso che tutto ciò emerga platealmente nel disco, c'è un bisogno reale di smuovere qualcosa, e soprattutto il bisogno di poter raccontare le proprie sensazioni che crescono.

Fra le vostre influenze principali citerei band come Don Caballero, Dazzling Killmen, Uzeda, Sottopressione e Massimo Volume. Siete d’accordo? Avanti con i dieci dischi da isola deserta…

Questi sono sicuramente tutti gruppi che ci hanno dato tantissimo. Alcuni probabilmente sono tra i nostri gruppi preferiti e quindi è innegabile che ci abbiano influenzato. Chi più, chi meno. Sta roba dei dieci dischi è difficilissima.
Questa può andar bene:

ANGELI - Voglio Di Più
BURIAL - Untrue
DEFTONES - White Pony
DON CABALLERO - What Burns Never Returns
GONG - Angel's Egg
KING CRIMSON - Red
MASSIMO VOLUME - Lungo I Bordi
ISIS - Panopticon
SHELLAC - At Action Park
TORTOISE - Tnt

Estrazione Matematica Di Cellule è scaricabile gratuitamente dal sito della Escape From Today. Sarebbe interessante conoscere il vostro punto di vista sulle moderne pratiche di fruizione della musica (streaming, download, You Tube, MySpace, etc.)…

Simone: Per chi come noi, suona live e cerca di fare dischi, sicuramente è un grande appiglio il fatto di poter proporre i propri pezzi e molto altro. Mi fa piacere che, quando si è in giro a suonare, c'è qualcuno che ci dice che ha già scaricato i pezzi, ma vuole comunque comprarti il disco. Questa è la prova che se piaci a qualcuno, questo non si limita a scaricare i tuoi pezzi, cerca qualcosa di concreto ed è questo che ci fa amare questa avventura....

Davide: Come tutte le cose dipende sempre dall'uso che se ne fa. Per noi che i dischi li vendiamo principalmente durante i concerti, è una cosa positiva che qualche persona possa conoscerci in altri modi, magari anche attraverso internet. Se poi dopo si comprano anche il disco diventa come aggiungere la mozzarella al kebab. Fantastico.

Come procede la vostra attività live? Avete già intrapreso un tour per supportare il disco?

Davide: Qualcosa è uscito, poi nel frattempo c'è stata l'estate di mezzo e come sempre purtroppo siamo rimasti fermi un pò.
Abbiamo da poco suonato ad Arona, ora Saluzzo, Milano e poi sicuramente Torino. A breve speriamo di suonare in altre parti d'Italia e di fare un mini tour anche all'estero, assolutamente.

Paolo: Un tour vero e proprio non siamo riusciti a farlo, abbiamo fatto delle date sì, ma ci piacerebbe riuscire a presentare il disco in più parti d’Italia. Visto che cantiamo in italiano (e non sono molti i gruppi che lo fanno) dovremmo provare a sfruttare al massimo questa cosa cercando di muoverci il più possibile nel nostro paese. Poi logicamente se c’è da suonare all’estero ancora meglio, ma penso che questa possa essere un po’ la nostra strada.
La più grande difficoltà ora resta il tempo che si riesce a dedicare alla ricerca di posti dove suonare. Tutto ciò non è affatto facile dal mio punto di vista, il suonare non ci mantiene anzi, spesso ci si rimette pur di suonare fuori dalla nostra zona. Le cose sembrano andare così: o hai un’agenzia che si occupa interamente nella ricerca dei tuoi live, della promozione eccetera, oppure tutta quella parte rientra nell’autogestione della band che non sempre si riesce a seguire al meglio.

Viviamo in un’epoca di riciclaggi impietosi e revivalismi vari, in cui essere originali è un’impresa ardua e spesso ciò che più conta è l’hype che si è creato intorno a una band più che la qualità effettiva della sua proposta. Domanda da 100 milioni di dollari: quale pensate possa essere il futuro della musica?

Davide: Questa è una frase che qualcuno di noi ha messo sul MySpace della Canalese*Noise Records:
" I tecnici del suono sono scoraggiati. Hanno passato la maggior parte del ventesimo secolo a sviluppare splendidi suoni stereofonici e adesso si trovano a dover lavorare con un atroce sistema di compressione del suono chiamato "file". La convenienza è uno schifo."
Thurston Moore

Paolo: Credo che finche ci sarà la vita umana su questo pianeta ci sarà gente che avrà bisogno di esprimere le proprie idee attraverso ogni forma d‘arte, poi che ci sia qualcuno disposto a farle proprie è un’altra storia.
L’importante è non perdere mai i propri punti di vista, senza farsi addormentare.

Simone: Sicuramente il fatto che si stanno creando realtà come quella nostra di Cuneo, insieme a tante altre, si può associare al fatto che si è arrivati ad un punto in cui la gente ha ceduto ed ha bisogno di qualcosa di diverso. Nonostante questo, in Italia, sono sempre meno i posti che fanno suonare o che propongono qualcosa di interessante. Ci sono band bravissime ed originali che trovano spazio e consensi all'estero e non qui. Vedo questo cammino ancora lungo e tortuoso, ma penso che qualcosa cambierà perchè deve cambiare!

In passato avete condiviso il palco con Il Teatro Degli Orrori, una band che non ha certo bisogno di presentazioni. C’è chi sostiene che si siano ormai “venduti”, c’è chi invece continua ancora ad apprezzarli incondizionatamente. Fate parte anche voi di uno di questi due schieramenti?

Davide: Noi non siamo mai stati dei "fan" accaniti del Teatro Degli Orrori; alcuni di noi li ascoltano, altri meno.
E' secondo noi un gruppo che merita rispetto e sicuramente il termine "venduti" accostato ad un gruppo come il loro mi suona un pò fuori luogo.

Paolo: Quando abbiamo suonato insieme non mi hanno affatto dato l’impressione di essersi venduti. Ho visto una band che quando è salita sul palco ha fatto il suo show, ha proposto un live davvero “teatrale” e soprattutto con un impatto potente e compatto. Poi sono una band che viene da una cosa chiamata “One Dimensional Man”, penso sia gente che ha lasciato il segno, e sia stato e continua ad essere motivo di orgoglio, del panorama “rock” nazionale.

Siamo arrivati in dirittura d’arrivo, grazie mille per la disponibilità e per il tempo che ci avete concesso. Vi rinnovo i complimenti per il disco e…concludete come meglio preferite.

Grazie mille a te/voi per l'intervista e ancora grazie per i complimenti al disco.
A presto.

Marcello Semeraro

SHRINEBUILDER CONTEST

2010-11-08T14:35:00.001+01:00

SHRINEBUILDER + Guest

20/11/2010 @ Bloom (Mezzago)

Hard-Staff in collaborazione con Neuroprison mette in palio un biglietto per assistere all'evento, basta rispondere correttamente alla seguente domanda, inviandoci il tutto via mail, ed incrociare le dita : neuroprison@hotmail.com

Per quale etichetta è uscito il debut omonimo della band?

TORCHE CONTEST

2010-11-03T17:23:00.003+01:00

Prendete i Black Sabbath e catapultateli nel 2010, fateli suonare contemporaneamente ai Queen of The Stone Age e avrete un’idea di cosa aspettarvi dai Torche!
Provare per credere: mettete un CD dei Torche nello stereo, anche la vostra fidanzata-fan-dei-Duran-Duran ne rimarrà estrefatta!

TORCHE
12 novembre @ Atlantide, Bologna
13 novembre @ Bloom, Mezzago

Neuroprison in collaborazione con Hard-Staff mette in palio un biglietto per una delle due date italiane, al solito basta rispondere alla seguente domanda inviando una mail al nostro indirizzo:
neuroprison@hotmail.com

Di quale città è originaria la band della Florida?

MARNERO - Naufragio Universale

2010-10-30T14:56:00.003+02:00

Tracklist

01. Il Diluvio Universale Secondo L'Ipotesi Ryan-Pitman
02. Zoster (La Parte Sbagliata / I Farmaci Giusti)
03. Tanto Ride Tanto Piagne
04. L'isola Dei Serpenti
05. Ovunque Naufragio

In una giornata di pioggia come questa non si può fare a meno di recensire un album il cui titolo invita proprio a guardare fuori dalla finestra e rendersi conto che i Marnero hanno perfettamente ragione.
“Naufragio Universale”, sta per crollare tutto quello che ancora non è crollato, sta per devastarsi anche l’ultima possibilità di sopravvivenza. Marnero, realtà musicale fra le più in forma in questa italica penisola nel primo freddo autunnale di questo 2010.
Dobbiamo star qui a presentarli i Marnero? credo di no, ormai chi già sapeva sa, chi non sa significa che non è poi così necessario che sappia.
Il primo full dei giovinastri di Bologna esce per una moltitudine di etichette indipendenti (Donna Bavosa, Sangue Dischi, Escape from Today, Trips und Traume, In Limine e Nojoy Records) DIY is the rule e non ci sono cazzi!
Cinque tracce che dichiarano la fine di questo mondo, cinque tracce che non ti lasciano un secondo, vena “neurosiana” inconfondibile, i Breach ascoltati e riascoltati fino al vomito, Botch e tutto l’Hardcore più puro che vi venga in mente è perfettamente rintracciabile nel disco che i Marnero ci regalano (in tutti i sensi visto che è scaricabile gratuitamente).
Riff veloci, irruenti, irriverenti, spezzati da una batteria che sa farsi cadenzata proprio quando meno te lo aspetti e ti toglie il fiato, non c’è tregua, ma sopratutto non c’è speranza, le parole hanno un peso per questi ragazzi e li si ringrazia di parecchio per questo perchè sono i testi di questo disco che ti parlano, ti spiegano, ti danno la direzione in questo mare dove solo l’isolamento e la desolazione sembrano essere protagonisti.
Grida acute di dolore, la stanchezza di sapere che le cose non sono come vogliono fartele vedere, parecchia frustrazione scivola via dai cinque pezzi del disco.
Cosa puoi dire di un gruppo che ti spiega in due strofe che è la vita stessa quell’eminenza grigia contro cui dover sbattere e contro cui combattere per poterne venirne fuori? Hanno ragione, hanno dannatamente ragione.
Hardcore spietato e sofferente, senza mezze misure, “solo il dolore conta” e te lo dicono loro prima che tu stesso possa capirlo da solo.
Poche volte ci si trova dinnanzi a dischi così pregni, ben ispirati e sopratutto così fuori tendenza ma tutto questo per i nostri fanciulli di Bologna è la normalità.
Poco altro vi resta da fare, se ancora non l’avete ascoltato questo disco scaricatelo (http://marnero.bandcamp.com) ma fidatevi che averlo originale questo bel vinile è una goduria, dall’artwork ai testi, dal vinile (che è sempre bello) al poster interno.

PostNero

LUCERTULAS - The Brawl

2010-10-26T19:16:00.004+02:00

Tracklist:
1. 8 hours
2. An old man
3. In this town
4. A wicked eel
5. Crowning
6. The boxer
7. The nun's pray
8. Carlo's nightmare
9. The widower

Tre anni non sono bastati per smaltire la sbornia di Tragol de Rova, e a questo giro i Lucertulas sono alle prese con i tragici postumi di quelle scorribande alcoliche, la sobrietà non è più un miraggio ma è ancora ben lontana dall’essere tangibile, il mal di testa è preponderante, e come in ogni fase di risacca che si rispetti, è difficile coniugare un’azione all’altra, pensare e agire contemporaneamente costa sforzi immani.
La sintesi di un dopo sbronza è anche la sintesi di the Brawl, che vede il trio nuovamente in azione, dopo mesi continui di esibizioni e collaborazioni (Christian dietro le pelli delle scorribande urbane dei Lago Morto) e il risultato è stato per i più inaspettato, spaccando in due le considerazioni di chi ripose più di una fiducia nel precedente disco.
In Tragol de Rova si poteva trovare la massima espressione dell’ebbrezza, suoni sregolati, slegati, scalmanati, tempi schizofrenici, grezzi, articolati, in una commistione letale tra caos e ordine se mai possa essercene una, dove le bordate noise andavano a braccetto con il blues e la psichedelica, con parentesi rumoriste ed efferatezze assortite, in the Brawl tutto questo non accade e pare che una cosa escluda l’altra, più che a braccetto si può dire che le componenti si diano la mano come a sostituirsi vicendevolmente. E’ questo il particolare che ha diviso, in un’analisi che proprio nella divisione dei compiti vede il suo fulcro.
Il suono dei Lucertulas si è fatto più fisico, più umano, è sceso da lande disperate e astratte per avvicinarsi a un approccio più umano, fatto di praticità e concretezza, aspetto che si può ben sentire con l’attacco isterico di 8 hours e continua a testa bassa fino a the Boxer, con un’attitudine nettamente più violenta rispetto al passato, dove le chitarre si fanno più ordinate e cercano meno l’arrotolarsi l’una sull’altra, dove ancora una volta il testamento portato è quello lasciato dai Cows.
Ma, come prima anticipato, è difficile nel dopo sbronza mettersi a fare due cose contemporaneamente, ed ecco che la parte più visionaria dei Lucertulas fa la sua comparsa all’improvviso e non molla la presa fino alla fine dell’album, the Boxer colpisce e colpisce duro, ma lo fa con una meccanicità che non era presente neanche in Tragol de Rova, cambia tempi e cambia metodica, ma ritorna a colpire sempre nello stesso punto con una serie di riff che divengono memorabili. The Nun’s Pray è il grido disperato di un’emicrania che stenta a diradarsi e si fa rumore sordo fino all’esplosione finale, sibilo nelle orecchie che prosegue fino alla pagina finale di the Widower, dove il suono quadrato e scarno fa venire in mente le parentesi più drammatiche degli Scratch Acid e l’alchimia dei Big Black, senza drum machine ma con la marcia in più del calore umano che si perde nel fondo del lavandino un finale conato.
The Brawl è un album che divide di per sé con la sua impostazione ed è questa una possibile chiave di approccio alla sua espressione musicale, ma il marchio Lucertulas continua a persistere grazie alla validità dei suoi contenuti e alle chitarre che fanno sempre sobbalzare dalla sedia; forse viene meno il carattere sorpresa, ma la qualità sopperisce anche questo. Non resta che vedere cosa faranno ora, se proseguire a mente lucida o accumulare nuovamente risacca. Intanto mandiamo giù un caffè e limone.

Neuros

INFECTION CODE (Intervista)

2010-10-24T17:55:00.002+02:00

Dopo la recensione di Fine abbiamo scambiato qualche impressione con il frontman Gabriele in modo da saperne di più sullo stato attuale degli Infection Code, eccone il risultato:

Ciao Gabriele e bentrovato su NeuroPrison. Sono passati tre anni da "Intimacy" e anche stavolta vi siete presi il giusto tempo per mettere a fuoco le idee, trovare la giusta via ed incanalare il tutto attraverso dei nuovi brani che vedono ulteriormente espandere il vostro spettro sonoro, parlaci un pò di quel che è avvenuto in questo lasso di tempo....

Grazie per aver ospitato ancora una volta , sulle pagine di Neuroprison la nostra bestia. Sono passati tre anni in cui abbiamo impiegato il nostro tempo per suonare un po’ in giro promuovendo “Intimacy” e poi per gettare le basi su un nuovo album. Non siamo stati troppo a pensare su come dovevamo evolvervi/involverci ma abbiamo risposto all’urlo disperato e straziante della nostra emotività artistica che ci chiedeva di creare nuove canzoni. Dopo circa un anno e mezzo di lavoro è uscito “Fine”.

Nel nuovo album a mio avviso l'elettronica riveste un ruolo ancor di più fondamentale per il risultato finale a cui siete giunti, le atmosfere sono sempre oscure ma senza cmq intaccare l'identità sonora della band si respira un aria diversa, oserei dire frutto della definitiva maturità raggiunta....

Penso che l’elettronica e la sperimentazione associata ad essa nel creare nuove atmosfere, abbia rivestito un ruolo decisivo, come pure l’uso della chitarra e della voce. Sono cambiate molte cose a livello sonoro in questi ultimi anni all’ interno della band. L’elettronica, se prima era solo un abbellimento finale ora fa parte della nostra identità stilistica e guida le sorti di una canzone. Insieme ad un nuovo utilizzo della chitarra vogliamo rendere le composizioni più oscure e malate e giocare molto su feedback,rumori, piuttosto che sul riff singolo.

Pensate con FINE di essere arrivati ad una sorta di svolta nella vostra carriera artistica, intendo dire se alla luce di questo disco ci potranno essere in futuro delle nuove vie espressive o anche scelte stilistiche piuttosto radicali?

In fase di composizione ci siamo prefissati solo un punto: che “Fine” doveva essere un punto di svolta artistico. Volevamo staccarci dalle cose fatte in precedenza in modo drastico, netto e deciso. Dare un taglio al passato per avventurarci in cose nuove che ci potessero regalare emozioni nuove. Siamo partiti come band Death-Thrash e ci siamo un po’ stancati di essere visti come un gruppo di metal estremo. Vogliamo continuare ad essere estremi, ostici e fastidiosi ma esprimendoci con altre sfumature sonore. Cercando comunque di mantenere la nostra identità , che, e non vorrei peccare di presunzione, è unica e sempre mutevole. Qualsiasi cosa faremo, saremo sempre noi.

Per quanto riguarda la produzione avete avuto modo di poter contare sull'aiuto di Eraldo Bernocchi, come vi siete trovati a lavorare con lui e quanto la sua visione ha influito sui suoni del disco?

Già da i tempi di “Intimacy” con Eraldo ci eravamo sentiti per una possibile collaborazione e quando abbiamo finito di comporre le canzoni di “Fine” non abbiamo esitato neppure un minuto. Ci siamo sentiti e gli abbiamo chiesto se voleva mixare e produrre il disco. Volevamo dare un tocco visionario e fastidioso ai suoni di “Fine” con un taglio molto poco metal/rock e più sperimentale. Volevamo avere una produzione distante dai classici dischi post hardcore/metal/industrial e penso che lui sia stata la persona giusta per creare questo magma sonoro. Lui è stato entusiasta di partecipare attivamente a questa avventura e si è dimostrato una persona molto eclettica con una cultura pazzesca ed una capacità artistica e musicale mostruosa. Non siamo noi di certo a scoprire le immense doti di Bernocchi. Ci siamo sentiti lusingati che abbia voluto essere della partita. E’ venuto fuori qualcosa di strano, unico, fastidioso e permettimi, stupendo. Un esperienza che ha lasciato li segno anche sui solchi del disco.

Sono rimasto molto sorpreso dalla cover di "Cupe Vampe" dei C.S.I., ti confesso che prima di prestarmi all'ascolto ero molto scettico sul possibile risultato ed invece mi sono dovuto ricredere alla grande. In passato ci avevi detto di apprezzare la band nostrana, perchè la scelta è ricaduta proprio su questo brano?

Buona parte della band ama ciò che hanno fatto questi personaggi, prima con CCCP e poi con CSI. Sono tra i nostri ascolti preferiti. Insieme a pochi altri gruppi mainstream sono riusciti a creare uno spazio enorme tra musica rock con un certo peso specifico e rock da intrattenimento. La loro è pura poesia. Che sia elettrica che sia acustica i CSI ci hanno regalato vere perle immortali di enorme ed incredibile espressività musicale. Giovanni Lindo Ferretti non un cantante nel senso stretto del termine. Ma è il migliore in assoluto. Le sue poesie, la sua interpretazione, il suo essere così poco frontman e così tanto icona lo rendono unico. Che si condivida ciò che scrive e ciò che pensa oppure no. Si esprime in un modo che non può non colpirti. Volevamo rendere omaggio ad una delle più grandi band italiane di tutti i tempi. Volevamo farlo a nostro modo. Scegliendo una delle canzoni più belle ed evocative che abbiano mai scritto. E’ stata una scommessa. Ma già prima di stravolgerla sapevamo che l’avremmo vinta. Perché lo abbiamo fatto con il cuore e l’anima in mano.

Tutti i pezzi dell'album hanno una spiccata personalità, ma in particolare sono rimasto affascinato da Grey, che come ho scritto in fase di recensione mi ha portato alla mente i grandiosi ed appunti grigi Neurosis di eye of every storm, e penso si possa forse considerare come la più grossa sfida da parte vostra dal punto di vista artistico fino ad ora, sei d'accordo?

“Grey” è nata forse per prima . E’ la prima figlia di questo nuovo matrimonio. “Grey” era acerba. All’ inizio un po’ inconcludente e poco rassicurante. Non ci convinceva. E non ci piaceva. Abbiamo provato ad allevarla, accudirla, proteggerla, educarla ad un suono più sperimentale con tonnellate di effetti, feedback e stravolgimenti stilistici. E’ il pezzo che ci ha fatto sbattere di più. Alla fine i nostri sforzi sono stati premiati. G”rey” è cresciuta. Forte, con personalità, carattere ed ora può camminare da sola. Farsi strada da sé. Superare ostacoli e problemi. Invecchiare in pace. Non abbiamo pensato ai Neurosis, ne tanto meno ad un album monumentale come “Eye of every storm”. Forse il nostro inconscio è intervenuto e ci ha giocato questo scherzo. I Neurosis sono stati i nostri padri e probabilmente questo ha esercitato una grande influenza anche su “Grey”.

Soffermandoci sui testi dell'album è facile notare quanto i riferimenti cromatici siano una costante metafora del mood che si respira nei vari brani...quali temi vengono trattati?

Ho voluto giocare con i colori raccontando delle storie che non sono collegate tra di loro. Potrebbe essere un concept sui colori ma non lo è in senso stretto. Ho voluto raccontare storie molto personali e pensieri trattandoli come se fossero colori. D’altronde la mia vita , se volessimo sintetizzarla e riassumerla giocando con la cromaticità del mondo si colorerebbe con il nero, il bianco, il grigio ,il rosso ed il viola che in “Varnish” rappresenta l’arte che prende vita ed uccide l’artista, oppure in “Painting my life” di un pittore che si fa beffe della morte raffigurandola con toni e colori allegri e sgargianti, oppure in “Collapse of the red side” dove l’ideale di un uomo affoga in un bagno di sangue e bugie.

Parlaci un pò del suggestivo artwork, chi ne è l'autore e cosa rappresenta?

L’artwork, come per tutti i nostri lavori, è stato creato, pensato ed eseguito da Enrico, bassista e creatore di rumori dietro tonnellate di aggeggi infernali. È una sua personale visione messa su tela di ciò che la musica di “Fine” gli ha suggerito. Le sue opere sono molto astratte e personali e racchiudono perfettamente la claustrofobia ed il senso di disagio che la musica degli infection code descrive e decanta.

In occasione di FINE avete anche un nuovo accordo discografico, con il ritorno alla NEW LM Records...

L’accordo con la NEW LM è cosa antica. Li conosciamo dai tempi del nostro secondo album, che produssero. Poi c’è stata la parentesi con la Beyond prod che ha fatto uscire “Intimacy” ed ora rieccoci qui , nuovamente con la NEW LM. Dopo la rottura con la Beyond (peraltro in modo amichevole) non ti nascondo che abbiamo cercato in giro un etichetta, anche e soprattutto estera che ci potesse supportare. Abbiamo fatto ascoltare l’album in giro a molte case discografiche ma nessuno se le sentita di scommettere su di noi. La NEW LM è stata ancora una volta, la nostra ancora di salvezza. Sono piccoli , ma appassionati e sanno ciò che vogliono. Ma soprattutto fanno ciò che dicono.

Per quanto riguarda l’aspetto live cosa avete in programma? C'è già un tour per la promozione del disco in arrivo?

Non parliamo di tour. Non usiamo paroloni. Sarà molto dura poter organizzare qualche data sporadica qua e là in Italia. Nel mentre continueremo a scrivere cose nuove e di qui a breve vorremmo fare uscire uno split, magari in vinile, un sette pollici con qualche altra band. Anzi, colgo l’occasione per lanciare un appello: chi volesse partecipare con noi a questo split ne è il benvenuto. Stiamo lavorando inoltre a degli abbozzi, ancora molto acerbi di canzoni e poi ci stiamo cimentando a stravolgere una altra canzone immortale, che ha fatto la storia del rock più visionario e lisergico. Ne uscirà una versione molto personale.

Ok abbiamo concluso, ti ringrazio per il tempo che ci hai concesso ed in bocca al lupo!

Grazie a voi di Neuroprison per lo spazio ed il supporto. Stay Noise!!

-Edvard-

TO KILL - Antarctica

2010-10-19T15:53:00.004+02:00

Tracklist:

1. I
2. The Flight of the Locust (feat. Greg Bennick)
3. Clouds
4. Paralysis
5. Legacy
6. Witness
7. Timeless
8. II
9. Antarctica
10. Sundown
11. Sparks
12. Heretic
13. III

Ascoltare “Antarctica” è come immergersi nelle gelide acque dell’Oceano del Sud... è li che Josh, il cantante dei romanissimi To Kill, si sta dirigendo insieme alla Steve Irwin, la nave nera di Sea Shepherd, per ora noi ci ritroviamo davanti all’ultimo capitolo di questo “ardecore” romano che più romano non si può.
Testamento, ultime volontà, chiamatele come volete, ma le 13 tracce di “Antarctica” sono il grido finale di una band che negli ultimi sei anni ha segnato e macinato le teste e le strade italiane, e non solo, urlando la disperazione e la rabbia più acuta.
Così ci lasciano i To Kill, chiudono baracca e burattini per poter seguire le loro ambizioni personali, e non se ne può fare una colpa a nessuno di loro, in fondo lo si sapeva da sempre che prima o poi questo sarebbe accaduto.
Andando a fondo di questo ultimo disco possiamo tranquillamente dire che non è un disco innovativo, ma che non voleva nemmeno esserlo, ma sicuramente è ispirato (i testi sono a dir poco sublimi e velenosamente schietti!!) un album veloce che corre via come una lama ghiacciata sulla faccia.
Tracce brevi, con pochissimo stacco una dall’altra pronte a spaccare la faccia dell’ascoltatore in appena due minuti.
Dolore, disperazione, rabbia e frustrazione, elementi tutti presenti da sempre nella storia dei To Kill ma che qui si fondono perfettamente rimanendo come incastrati nell’immenso iceberg che campeggia sulla copertina.
I temi cari ai nostri vengono proposti ancora una volta, l’ambientalismo e l’animalismo con particolare attenzione al fatto che se l’uomo non si da una scossa prima o poi renderà l’intera Terra un pianeta desolato e gelido come appunto l’Antartide.
La tristezza nel sapere che queste saranno le ultime parole scritte riguardo a questo gruppo non riesco a nasconderla, è anche grazie a loro che ho avuto modo di scoprire un mondo che ora è per chi vi scrive una vera e propria fede.
Rompiamo tutti gli schemi e ringraziamo di cuore i To Kill per quello che hanno fatto per l’hardcore italiano e per quello che faranno singolarmente a partire da qualche mese ad oggi. Mi permetto un ringraziamento e un incoraggiamento personale a Josh che si sta apprestando a partire con Sea Shepherd, rompetegli il culo ragazzi e grazie di cuore.

PostNero

www.myspace.com/tokill

THE SECRET (Intervista)

2010-10-13T12:02:00.005+02:00

Dopo la recensione di Solve Et Coagula abbiamo sentito Mike ed ecco qui una veloce intervista per saperne di più sulle novità e gli sviluppi in casa The Secret...

Solve Et Coagula è caratterizzato da brani decisamente più lineari, diretti ma allo stesso tempo si nota chiaramente la vostra maturazione in fase compositiva, maggiore attenzione ai dettagli ed in particolare l'obbiettivo di focalizzarsi sul farne risaltare ogni minima sfumatura. Quanto gli input esterni, che siano semplicemente nuovi ascolti musicali oppure stimoli legati alla vita di tutti i giorni, hanno influito sull'evoluzione del vostro sound?

Qualche tempo dopo la registrazione di "Disintoxication" ci siamo resi conto che molte cose nel disco che avevamo registrato a nostro avviso non funzionavamo e ci siamo messi subito al lavoro su nuovo materiale. Ascoltando il disco avevamo l'impressione che le canzoni avrebbero reso molto meglio usando meno elementi per ogni singolo pezzo. Questo è stata la riflessione di partenza che ci ha portato ad evolvere in nostro suono in questa direzione più "asciutta", ma anche suonare live con regolarità ci ha fatto capire che la semplicità ci avrebbe portato a migliorare molto sia sul palco che nella stesura dei pezzi. Gli ascolti non sono in realtà cambiati così tanto, forse si sono in un certo modo "ristretti". La gestazione del disco non è stata di sicuro una delle più tranquille di sempre e ci sono state molte tensioni all'interno del gruppo, sia personali che artistiche. Forse anche questo ci ha portato ad esprimerci in modo più diretto e primitivo e spesso a cercare di spendere meno tempo che in passato in sala prove ed essere più istintivi.

Disintoxication due anni orsono rappresentò un vero e proprio nuovo inizio per la band, sia dal punto di vista stilistico che di lineup; Solve Et Coagula può essere visto come il naturale passo successivo verso ciò a cui aspirate ad essere come band oppure va visto semplicemente come il vostro nuovo album, una testimonianza di ciò che siete allo stato attuale?

Penso che "Solve et Coagula" sia una sorta di "purificazione" di quelli che sono stati gli stessi elementi che sono alla base di "Disintoxication". Come accennavo prima, abbiamo essenzialmente tolto quello che non ci piaceva. La grossa differenza che sento ora, almeno a livello personale, è che questa volta non ho alcun rimpianto e non cambierei nulla del disco che abbiamo registrato. Non ho idea di quella che potrà essere la nostra musica nel prossimo disco ma credo che abbiamo trovato un certo equilibrio in questo momento.

Buona parte dell'album è un vero pugno nello stomaco, con sfuriate in successione di breve durata dalle tinte crust/grind ed ancor maggiori influenze black metal rispetto al recente passato; troviamo poi ad equilibrare le cose e rendere più interessante l'ascolto episodi più sperimentali ed atmosferici, su tutte la strumentale Bell of Urgency. Proprio quest'unione di stili ed influenze perfettamente inserite nel contesto di base è ciò rende distintivo il vostro sound attuale, obbiettivo sempre più difficile da raggiungere nel panorama musicale odierno.....sei d'accordo?

Spero di non essere frainteso ma essere "originali" mescolando influenze diverse non è assolutamente la nostra priorità, non è il nostro punto di partenza. Ovviamente non vogliamo suonare come altre bands ma stavolta abbiamo pensato al risultato finale meno che in passato, nessuna pianificazione o scopo predefinito. Abbiamo solo cercato di essere onesti e di fare le cose che ci piacevano di più senza pensarci troppo su. Sono contento se pensi che il nostro nuovo lavoro abbia una sua identità ma l'unica cosa che ci è interessata durante la creazione del disco è stato scrivere buoni pezzi. Almeno per quanto mi riguarda spesso preferisco ascoltare un buon pezzo rock classico piuttosto che l'ultimo disco di sperimentazione di Mike Patton. Non voglio argomentare sul fatto di cosa sia "migliore" ma semplicemente è quello che mi interessa maggiormente in questo momento.

Per quanto ci riguarda, soprattutto per i pezzi più diretti, a volte bastava avere un riff che ci piacesse e la canzone usciva fuori "da sola". Se suonava bene ci lavoravamo qualche giorno su e poi la registravano senza troppe domande. Altre volte è stato necessario lavorarci su per più tempo, sentivamo che c'era bisogno di andare un po'pià a fondo sotto la superficie per dare senso a quello che stavamo suonando ma la priorità è sempre stata la canzone.

Alla ricerca dell'originalità preferisco il carattere.

Dal punto di vista lirico è facile intuire che anche stavolta i vostri pezzi sono tutt'altro che pregni di ottimismo...

I testi del disco li ha scritti tutti Marco ma posso dirti che tutto quello che si può trovare nei testi gira sempre e comunque attorno alla perdita della fede/fiducia. Nella politica, nei media, nella religione, nei rapporti sociali. La situazione nel paese in cui viviamo è totalmente degenerata e sta peggiorando ogni giorno se possibile. Spero il fondo sia stato toccato ma temo che le cose possano peggiorare ancora. Tanta, troppa gente, non capisce che sta credendo a delle persone che sono la causa principale dei problemi che stiamo affrontando ora. Crede a politici palesemente bugiardi, cerca conforto in una religione falsa e ipocrita, guarda una TV che continua ad incoronare a modelli da seguire persone che mi fanno semplicemente schifo, pilotate da altre persone che fanno ancora più schifo.

Stiamo sprofondando nel baratro e la cosa che mi rattrista di più è vedere che è quello che la gente vuole.

Italiani brava gente.

Con quale lineup è stato registrato il disco? Pensate che la sezione ritmica attuale possa diventare stabile (non dico definitiva viste le improvvise defezioni giunte negli ultimi tempi, per scaramanzia) oppure va vista come un aiuto temporaneo per la promozione live del disco?

Il disco è stato registrato con Christian alla batteria, Enrico al basso, Marco alla voce e me alla chitarra. Christian è uscito dalla band poche settimane dopo le registrazioni e ora Tommaso Corte è il nostro nuovo batterista. La situazione è definitiva, siamo molto soddsfatti.

Come vi siete trovati a lavorare con un'icona della scena ed un grande professionista come Kurt Ballou? Quanto sono stati importanti il suo modo di vedere le cose e la sua esperienze alla luce dell'ottimo risultato finale?

Lavorare con Kurt è stata un'esperienza molto piacevole e rilassante nonostante lui sia senza dubbio uno degli assoluti protagonisti della musica pesante degli ultimi anni. Prima di entrare in studio abbiamo pre prodotto tutte le tracce del disco in sala prove, cercando di entrare al Godcity con le idee più chiare possibile. Il lavoro di Kurt è stato essenzialmente quello pensare a come ottenere i suoni che avevamo in mente, senza mettere troppo la voce sulla struttura e l'arrangiamento dei pezzi stessi. Penso che Kurt sia molto bravo nel riuscire a trovare il giusto "sound" per ogni band che registra, senza seguire formule o modus operandi standardizzati. Abbiamo speso tempo nel provare ad equilibrare i suoni di basso e chitarre, cercando comunque di mantenere la natura grezza e sporca dei pezzi che gli avevamo fatto sentire prima di partire. E'una persona di grande pazienza e esperienza e spero di avere di nuovo la fortuna di lavorare con lui in futuro.

Rispetto a Disintoxication vi sono stati importanti cambiamenti riguardo la strumentazione utilizzata vero?

Registrando a Salem abbiamo dovuto usare la strumentazione dello studio di Kurt. L'intero approccio ai suoni di questo disco è molto diverso da quello precedente, soprattutto per quanto riguarda le chitarre. Questa volta ho usato una Ampeg V4, una Orange OR e combo Marshall su casse Emperor 6x12. Per il basso Enrico ha usato una Orange su cassa Ampeg 8x10. Gibson Les Paul Custom e Gibson Grabber.

In occasione della scorsa nostra intervista ti eri detto ottimista sullo stato della scena musicale underground italiana, con la sensazione che qualcosa si stesse finalmente muovendo....sei ancora della stessa idea? E' aumentato il riscontro di pubblico ai vostri concerti?

Partendo dall'ultima parte della domanda, abbiamo la sensazione che adesso ci siano di sicuro più persone che ci seguono, il feedback del disco per il momento è davvero ottimo, anche per il buon lavoro di promozione che sta facendo la Southern Lord. Per quanto riguarda il fatto di essere ottimista o meno sulla scena italiana, ho smesso di interessarmi a questo interrogativo. Penso che in Italia ci sia una situazione molto strana, le persone con meno gusto e conoscenza musicale sono spesso quelle più attive e propositive. Ci è capitato di suonare in contesti davvero assurdi negli scorsi anni. Spesso i concerti dove le cose erano organizzate in maniera più professionale e che avevano creato in noi più aspettative si sono rivelati terribili mentre altre volte sono usciti fuori dei concerti ottimi dove meno ce lo aspettavamo. E'sempre un po'un terno al lotto. Ora ci interessa soprattutto suonare in contesti dove ci sentiamo più a nostro agio, avere più controllo, anche se a volte può voler dire anche rinunciare ad una fetta di pubblico. Siamo arrivati alla conclusione che spesso è meglio suonare davanti a 100 persone che sono li perchè interessati alla nostra musica che davanti a 300 che sono li per andare far serata.

Dopo la chiusura della Goodfellow vi siete ritrovati senza un contratto, avete fatto girare una preproduzione dell'album e Greg Anderson ne è rimasto colpito...questo in sintesi il percorso che vi ha portato ad entrare nel roster Southern Lord.Pensate di aver finalmente fatto il salto di qualità definitivo nell'ottica di essere band di riconosciuta levatura mondiale oppure c'è ancora molto lavoro da fare, in particolare sotto l'aspetto live e quindi aumentare intensamente tale attività?

Non so davvero come risponderti a questa domanda perchè non penso che stia a noi arrivare a questo tipo di conclusioni. Sicuramente abbiamo ancora tantissimo lavoro da fare e penso che abbiamo ancora grossi margini di miglioramento come band. Lavorare con Southern Lord ha un po'cambiato tante cose e non nego che ora capita che gente che prima non ci dedicava un secondo ora invece magari ci manda le interviste da fare. E'assurdo come spesso la gente abbia bisogno che qualcun'altro prima "approvi" quello che poi andrà ad ascoltare.

Comunque il disco è appena uscito quindi è davvero presto per arrivare a conclusioni. Speriamo bene.

Avete già un programma ben delineato di quella che sarà il vostro tour in Europa e poi oltreoceano per la fine di quest'anno ed il 2011?

Ne stiamo parlando in questi giorni. In questo momento avrei dovuto essere in tour negli USA con gli Early Graves ma come molti sapranno i nostri amici hanno avuto un terribile incidente ed il loro cantante Makh Daniels è morto. Dopo questa tragedia un po'tutti i piani del 2010 sono andati a finire in nulla e fino a fine anno suoneremo qui in Italia. Stiamo pianificando il 2011 ma per scaramanzia non voglio anticipare nulla. Ci sono delle cose molto interessanti in ballo. Speriamo bene anche qui.

Ok siamo alla fine , grazie per il tempo che ci hai dedicato...in bocca al lupo per tutto e alla prossima!

Grazie a te.

-Edvard-

INFECTION CODE - Fine

2010-10-09T18:52:00.002+02:00

Tracklist:

1. Varnish
2. All Colours
3. Grey
4. Collapse of the red side
5. Black Glue
6. Cupe Vampe
7. Painting My Life

Tornano a tre anni di distanza dal precedente "Intimacy" gli Infection Code, ed è decisamente un bentornato a giudicare dai sette pezzi di cui è composto "Fine".
Se con il precedente lavoro la band aveva puntato ad elevare il proprio sound al massimo effetto disturbante e soffocante possibile, sperimentando con suoni e produzione al fine di ottenere atmosfere acide e malsane, questa volta assistiamo ad una decisa seppur non radicale evoluzione, in quanto l'essenza artistica della band rimane comunque votata all'espressione di quel disagio esistenziale sempre più caratteristica dell'uomo moderno.
Quello che balza subito all'orecchio è la produzione curata in questo caso da Eraldo Bernocchi, noto musicista e produttore di caratura internazionale, mai un disco degli Infection Code aveva suonato così nitido, denso e potente. Un netto cambiamento se pensiamo ai suoni adottati per le produzioni precedenti e che si rivela scelta azzeccata nel far rendere al meglio le nuove composizioni, contraddistinte da atmosfere meno claustrofobiche ma quanto mai desolanti ed ombrose, caratterizzate da un sapiente uso dell'elettronica da una parte e da possenti muri/feedback di chitarra dall'altra.
Spetta a Varnish il compito d farci addentrare nelle poco confortanti tonalità dell'album, una sorta di ossessivo mantra industriale dai ritmi tribali, squarci di chitarra ed urla strazianti, incorniciato dall'effettistica di sottofondo, il cui pregevole uso sarà per altro caratteristica portante l'intera tracklist. All Colours è senza dubbio l'episodio maggiormente legato al passato, in bilico tra post-hardcore e noise rock, e si segnala quale perfetto singolo apripista data anche la durata contenuta.
Con Grey l'album inizia a rivelarsi in tutta la sua essenza, un lungo e desolante incidere, soundscapes e interpretazione vocale davvero suggestivi che rimandano alle psichedeliche e grigie trame dei Neurosis di The Eye of every storm.
Collpapse of the red side si apre con l'inquietanre incidere del basso e mette in luce una struttura assolutamente fantastica dal punto di vista dinamico, in bilico tra deflagrazioni, violenti substrati elettronici, possenti groove chitarristici e suggestivi rallentamenti.
In Black Glue torna a far capolino quel misto di noise e post-hardcore tipico della band, caratterizzato questa volta da continui stop e go, un feroce e pulsante basso distorto ed il granitico, dilaniante rifferama. C'è anche spazio per una nuova cover, esperimento a cui la band ci ha ormai abituato, ed in questa occasione il risultato ottenuto con Cupe Vampe dei nostrani C.S.I è realmente stupefacente; non era facile dare nuova linfa vitale al brano senza scadere nel ridicolo ma gli Infection Code con semplicità e passione superano l'esame a pieni voti.
Spetta a Painting My Life chiudere l'album, compito assolto nel modo migliore possibile grazie ad un incipit introspettivo e particolarmente suggestivo, suggerendo un'analisi interiore, ineluttabile e silenziosa riflessione sulla propria esistenza, una tensione pronta però ad esplodere dando libero sfogo a tutta la frustrazione accumulata...impossibile non rimanerne coinvolti e colpiti.
Fine rappresenta tutti i colori necessari per dipingere le nostre vite, sono gli Infection Code che al culmine delle proprie potenzialità hanno raggiunta la definitiva maturità, mostrando una rimarchevole consistenza espressiva ed artistica. Fatelo vostro, non ve ne pentirete.

-Edvard-

www.myspace.com/Infection Code

THE SECRET - Solve Et Coagula

2010-10-02T16:43:00.005+02:00

Tracklist:
1. Cross Builder
2. Death Alive
3. Double Slaughter
4. Where It Ends
5. Antitalian
6. Weatherman
7. Pleasure In Self Destruction
8. Eve Of The Last Day
9. Pursuit Of Discomfort
10. Bell Of Urgency
11. War Desire
12. 1968

Ci siamo finalmente, avevamo lasciato i triestini The Secret due anni orsono con l'ottimo "Disintoxication", album che segnò un vero e proprio nuovo inizio per la band. Successivamente i sempre maggiori consensi a livello internazionale portarono alla partecipazione ad importanti eventi live ed addirittura al loro primo ed intenso tour negli States.
A seguito di ciò la band non si è certo seduta anzi, questi risultati hanno spronato la band a tirar fuori il meglio di sè stessa gettandosi subito a capofitto nella scrittura di nuovo devastante materiale; in coincidenza di ciò dobbiamo segnalare la scomparsa dell'etichetta che rilasciò i due precedenti lavori, ovvero la Goodfellow Records, con la conseguente necessità per i The Secret di trovare un nuovo contratto.
Un promo contenente nuovo materiale venne fatto girare e fù così che un certo Greg Anderson notò il potenziale di quello che stava ascoltando mettendo senza tanti giri di parole sotto contratto la band per la Southern Lord Records. Nonostante la successiva ed improvvisa defezione dell'intera sezione ritmica i fondatori Marco Coslovich e Mike Bertoldini non si perdono d'anima e trovano due ottimi sostituti in Enrico Uliana (Amia Venera Landscape) al basso e Tommaso Corte (Slowmotion Apocalypse) alla batteria.

Ma veniano al disco in questione, registrato ai GodCity Studios di Kurt Balliou (Converge), "Solve Et Coagula" rivela subito una decisa evoluzione verso un sound più diretto ed ulteriormente estremizzato rispetto a "Disintoxication", senza tuttavia stravolgerlo. I pezzi non sono mai stati così potenti (merito ovviamente anche dell'impressionante resa sonora) ed efficaci, pochi fronzoli e tanta sostanza, ma anche grande maturità e cura negli arrangiamenti, si è lavorato di fino nel concentrarsi su strutture più semplici e lineari e nel farne risaltare ogni minima sfumatura.
Vi si ritrovano ancora maggiori influenze black metal rispetto al lavoro precedente, sia nelle vocals che nelle linee di chitarra e nelle atmosfere, rese ancor più marce e sulfuree; si notano anche influssi crust/grind e ritmiche meno contorte e spezzate, il tutto è votato al raggiungimento del massimo risultato attraverso un maggior flow e coesione tra i pezzi dell'album, creando un tutt'uno che dalla funerea opener Cross Builder sfocia nei successivi episodi fino alla conclusiva e terremotante 1968.
La prima parte dell'album è devastante, selvaggia e quantomai diretta, un vero pugno nello stomaco, ma forse il meglio a mio avviso lo si trova nella seconda, più varia e condita da interessanti rallentamenti pregni di oscure atmosfere, raggiungendo l'apice nella strumentale Bell of Urgency.

Al di là del fatto che i Converge, nonostante meno presenti che in passato. rimangano un punto fermo per il loro stile c'è da dire che i The Secret hanno ormai messo a punto un distintivo sound in perfetta sintesi tra diversi elementi, magari non innovativo in senso assoluto, ma decisamente riconoscibile e di caratura mondiale, il che non è affatto poco. "Solve et Coagula" non è solamente il loro miglior lavoro fino ad ora, ma anche e soprattutto una delle migliori uscite dell'annata in corso in senso assoluto.

-Edvard-

www.myapace.com/The Secret

RISE ABOVE DEAD - Human Disintegration

2010-09-29T16:50:00.003+02:00

Tracklist:

01. Raven's Call Of Revenge
02. Persecuting The Samaritan
03. Existence
04. Scattered And Forgotten

"Human Disintegration", ep di 4 tracce disponibile nel solo formato vinile 12" (con digital download incluso) segna il debutto discografico di questa nuova e promettente realtà italiana in campo hardcore/metal.
Il quintetto dell'hinterland milanese viene da un anno di intensa attività live in tutta Europa accanto a svariate bands della scena hardcore/punk, e può contare inoltre sull'esperiemza maturata dai vari membri in passate incarnazioni musicali dalle influenze stilistiche più disparate, passando dall'hardcore più melodico al metalcore per arrivare al black e perfino all'indie.
Insomma pur trattandosi di un debut non si ha certo a che fare con musicisti alle prime armi, ed infatti l'ascolto di questi 4 brani mette in luce sin dai primi secondi una band dalle buone capacità tecniche ma soprattutto compositive.

Peculiarità dell'ep in questione sono trame sonore cupe, possenti ed incisive, valorizzate per altro dal buon lavoro in fase di produzione, in particolare per quanto riguarda le distorsioni di chitarra.
Hardcore vecchia scuola dalle tinte crust che si intreccia con tendenze più moderne (chiamiamole post) ed in cui non mancano stacchi sludge neri come la pece, a tal proposito citiamo in particolare "Persecuting The Samaritan", a mio avviso l'episodio più riuscito dell'intero ep insieme alla conclusiva "Scattered and Forgotten".

Da segnalare l'artwork a cura di Justin Bartlett (Sunn O))), Trap Them, Creature Skateboards) che incornicia il vinile e si sposa alla perfezione con il sound ed il mood della band.
Consigliamo dunque di prestare attenzione a questi ragazzi in quanto hanno certamente il potenziale per fare brillanti cose nel prossimo futuro.

-Edvard-

www.myspace.com/Rise Above Dead

CONVERGE @ Circolo Magnolia (Milano)

2010-08-07T17:26:00.003+02:00

4 Agosto,

Il ritorno in Italia dei Converge per promuovere l'ultimo album Axe to Fall è stato un evento. La riprova è data dai numerosissimi spettatori (poco meno di un migliaio?) accorsi per la data milanese al Magnolia di Segrate e che Neuroprison è lieta di raccontarvi in queste righe.

Per chi scrive appena il tempo di accaparrarsi una copia del mini On my Shield (che per chi non lo sapesse la band di Bannon e compagni ha reso disponibile solo al banco del merch durante le date di questo tour) che sul palco è arrivato il momento dei Kvelertak, formazione norvegese pimpante ed eclettica: per rappresentarli a parole credo che la definizione death n' roll sia la più esauriente; di tanto infatti sono stati capaci, un mix ben assortito di Hellacopters ed Entombed, tutto rigorosamente in lingua madre. Insomma divertenti e sicuramente funzionali nell'avvicinare con curiosità i presenti (e probabilmente poco altro).

Quando arriva il momento dei Gaza la calca sotto lo stage si farà via via sempre più grande. Anche io li aspettavo al varco per capire le potenzialità di questa band americana e sono rimasto interdetto. La prima parte del set non mi ha colpito favorevolmente, il tutto sembrava strisciare sotto un dozzinale post-hardcore senza particolari soluzioni personali. La seconda parte invece, sul finire in particolar modo, ci ha regalato canzoni non male con un cantante che per movenze e anche per qualcosa nel suo registro vocale ha ricordato il Kidman meshughiano. A tutto ciò inevitabilmente hanno contribuito anche una sezione ritmica diventata “incontrollabile” e assassina. In sintesi , come già gli ascolti in cuffia avevano suggerito, meglio i pezzi tratti dall'esordio I Don't Care Where I Go When I Die che dall'ultimo album He Is Never Coming Back. Promossi a metà, mi piacerebbe rivederli per confutarne le capacità.

Capacità che anche per quanto riguarda i Kylesa destano ancora qualche dubbio. Quello che rimane sicuro è che con la formazione al completo il gruppo spicca un volo in sede live che più li avvicina alle espressioni rappresentate sui dischi (l'ultima volta visti da me, di spalle ai Coalesce mancava il chitarrista-cantante e lo show pur non essendo stato squallido non è stato certamente memorabile). Rimangono i dubbi e il divario sul risultato finale registrato e quello raggiunto in sede live. Divario “solcato” dalle batterie, con fraseggi probabilmente riarrangiati in maniera troppo semplice, e per le voci, non memorabili né tanto meno piacevoli. Nonostante pezzi come Unknowon Awarness e Where the Horizon Unfolds abbiano il loro fascino e il lavoro delle chitarre sia quello “giusto”, il quid che manca non rende l'amalgama vincente come accade invece in sede d'incisione.

In tarda serata, con un cielo che va annuvolandosi e che non promette altro che pioggia, i presenti ricevono quello per il quale sono venuti. I Converge ci assaltano e per un'ora intensa e infuocata non avremo neanche il tempo di respirare. Concubine è esattamente come te la sei immaginata se non li hai mai visti dal vivo oppure il grido di battaglia che non vedevi l'ora di riascoltare se Ballou e gli altri non sono una novità in sede live. Lo stage è tutto di un Bannon tarantolato, che gioca con il microfono lanciandolo per aria e in mezzo al pubblico, gesticola infuriato e osserva tutti, corre forsennatamente e quando parla tra una canzone e l'altra biascica e ci piace anche per quello. Si susseguono senza sosta pezzi tra i quali Lonewolves, No Heroes e Dark Horse , ma sono quelli tratti da Jane Doe a scatenare gli astanti (leggasi su tutte The Broken Vow e Homewrecker) Ben Koller alla batteria è preciso e voglioso di gloria almeno quanto Newton e gli altri, in palla, convinti e convincenti per tutta la durata (poca, il difetto immancabile) del concerto. Grande dimostrazione di affetto reciproca si evince quando Jacob a fine concerto scende dal palco per stringere le mani di chi è stato là sotto per tutto il tempo ringraziando per essere venuti. Un finale ottimo per una serata più che buona e che non lascia scampo: i Converge meritano più di un plauso. E in quel momento avrebbe potuto anche cominciare a piovere...

Sephi

BARONESS @ Circolo Magnolia (Milano)

2010-07-30T16:51:00.002+02:00

12 Luglio 2010

Ci sono concerti che non ti interessano. Ci sono concerti che ci pensi e poi tutto sommato non te ne frega niente. Ci sono anche concerti che aspetti da mesi, ti organizzi con gli amici, poi all'ultimo tirano tutti pacco e rimani da solo come un ebete poche ore prima. Al che ti attacchi al telefono, pensi a mille soluzioni di emergenza (mi faccio prestare il monopattino e ci vado lo stesso!) e alla fine come per magia si risolve tutto. Il concerto dei Baroness è stato uno di questi. Detto, fatto: Torino/Milano sono un paio d'ore di macchina, trascorse chiaccherando del più e del meno, e infine arriviamo al Magnolia. Parcheggio tattico per evitare lo strozzinaggio, passaggio in cassa, e voilà siamo dentro. Mentre le zanzare ci azzannano i polpacci, ci rendiamo subito conto che il palco allestito è quello piccolino, il Messicano, la cosa lascia un attimo perplessi, ci aspettavamo quello grande.. superato l'attimo di sorpresa mi rendo conto che in fondo è meglio così, visti i limiti di decibel del palco grande magari in uno spazio più raccolto si sentirà meglio. Il tempo di bere una birra, fare quattro chiacchere, vedere che anche se sei in un'altra città le facce ai concerti son sempre le stesse, dare un'occhiata alle stampe di John Dyer Baizley e comincia a suonare il gruppo spalla, gli Shinin Shade. Rock settantiano, ma da barbiturici.. C'è da dire che non sono minimamente aiutati dai suoni ma non è che facciano molto per sopperire all'inconveniente e farsi benvolere.

Vabbè, passato il loro set con l'aiuto di un'altra birra, giunge finalmente il turno dei Baroness. Premesso che l'ultimo Blue Record non mi ha entusiasmato quanto il precedente Red Album, ero curioso di vederli ma anche dubbioso sulla loro resa live. E in effetti quando il concerto comincia come prevedibile con Bullhead's Psalm i dubbi rimangono, alimentati soprattutto dai suoni sbilanciatissimi: cassa e voce molto in avanti, chitarre sotto, basso inesistente; per mezzo secondo mi balena in testa l'idea di aver buttato via dei soldi, ma poi per fortuna il concerto comincia a ingranare (nonostante qualche cappella), il pubblico si scalda, il palchetto basso contribuisce a fare l'atmosfera da piccolo club anche all'aperto, e quando parte Isak il Magnolia esplode. La gente canta i pezzi, canta pure gli assoli (manco suonassero gli Iron Maiden!), i quattro si gasano e da quel momento non ce n'è più per nessuno. I suoni migliorano, e i pezzi di Blue Record vengono uno dopo l'altro, intramezzati con qualche pezzo tratto dal Red Album, e devo dire che rendono decisamente meglio dal vivo che su disco. It's only rocknroll, but I like it! I Baroness suonano splendidamente, gli intrecci di chitarre sono sorretti da una splendida sezione ritmica e le facce della gente virano tra l'entusiasmo e l'incredulità per quanto sta succedendo. Non è metal, non è southern rock, non è sludge, non è progressive. Sono semplicemente i Baroness. Dopo praticamente un'ora e mezza ininterrotta di musica e stage divings i quattro fanno una pausa e poi tornano sul palco ringraziando il pubblico.. Baizley dice addirittura che è la data migliore del tour, che il pubblico gli ha toccato il cuore e che (ovviamente) torneranno presto in Italia. La gente apprezza, il gruppo ricomincia a suonare. Ancora ringraziamenti, e dopo quasi due ore il concerto finisce con due pezzi vecchissimi, tratti dai primi EP della band. E sono ancora applausi, meritatissimi. Uno dei concerti più belli della mia vita, e dire che non me l'aspettavo.

nitraus

UFOMAMMUT - Eve

2010-07-27T15:31:00.004+02:00

Gli Ufomammut tornano dopo un disco enorme come “Idolum”, creando aspettative altissime e facendo sperare i fan nel nuovo disco italiano dell’anno ed invece? Invece ci si ritrova dinnanzi ad un lavoro poco chiaro.
“Eve” è un monotraccia di 45 minuti, diviso in cinque movimenti, che dovrebbe sviluppare un concept sulla donna, ma che alla fine non riesce a sfondare.
Soliti suoni granitici, curati in modo maniacale dai nostri piemontesi che, coadiuvati da Lorenzo Stecconi, registrano presso il Locomotore di Roma un disco che non ha idee.
Dispiace essere così critico nei confronti di una band che fino a quest’uscita è stata una delle preferite di chi sta scrivendo, però nel recensire un disco è doveroso andare oltre i gusti e le simpatie personali.
“Eve” è un'opera che non cammina, cinque movimenti che non si muovono, c’è della psichedelia, c’è del doom, del “post” ma tutto è già stato sentito e suonato, e purtroppo questa volta la band non è riuscita ad arrivare a soddisfare un palato esigente che chiede sempre una certa dose d’innovazione.
Sicuramente per chi non conosce la discografia del combo piemontese, “Eve” potrebbe rappresentare un gran bel disco, ma paragonandolo alle precedenti uscite ci si trova a dover riascoltare per 45 minuti sempre la solita idea di fondo, distorsioni devastanti, aperture schiacciasassi, suoni granitici, ma le idee dove sono finite?
C’è poco da fare, questa volta Urlo, Poia e Vita non riescono ad aggiungere qualcosa di nuovo alla loro opera, non c’è niente che suoni fresco in questo disco, è tutto già stato fatto; i più critici addirittura potrebbero arrivare a considerare “Eve” come una scusa per l'enorme e bellissimo lavoro di grafica che accompagna le varie edizioni, limitate e non, del disco.
Artwork ovviamente a firma Malleus, su cui obbiettivamente non possiamo dire nulla di male, e se la musica avesse solamente la metà del fascino che ha l’artwork forse questa recensione non sarebbe stata così critica ma purtroppo in questi 45 minuti di musica non c’è praticamente nulla di particolarmente accattivante.
Resta poi un mistero in quale modo questi cinque movimenti possano esprimere il concept che dietro l’album si cela, la donna.
Davvero un peccato, in quanto una delle uscite italiane più attese del 2010 si è invece rivelata come una delle più grosse delusioni dell'anno.

PostNero.

PS: recensione da integrare con Live-report

VOID - S/t

2010-07-19T18:20:00.002+02:00

Tracklist:
1. Outward Calm, Hidden Truth
2. Black Skies
3. Just Another Illusion Before The Deep

Un elefante si dondolava sopra il filo di una ragnatela e considerando la cosa interessante andarono a chiamare un altro elefante.
Nessuno ha mai dubitato che nelle filastrocche per bambini risieda un humus di verità, differente è se il messaggio comunicato lo si applichi a una cornice di feedback e urla belluine, sicuramente una scelta da insani di mente ma ci piace così.
L’elefante che risponde al nome di VØID dondola per tre canzoni, componimenti paragonabili a placche terrestri per quanto riguarda la mole, ingombranti e lavici, capaci comunque di mantenere un equilibrio strutturale che li mantiene in bilico e non li fa sprofondare in acque di perdizione sempre più affollate.
Un minutaggio medio che supera i sedici minuti e non farlo pesare, questa è la grande vittoria del trio, in un periodo dove molti sembrano rifuggire dal cliché della cavalcata strumentale che non porta da alcuna parte, loro si smarcano e riescono comunque ad avere ragione. Questo detto, la strada è spianata dall’assenza di momenti postrock ormai rivisitati in tutte le maniere possibili, puntando invece sulla distorsione, sul feedback, e quando questi paiono abbastanza, i ragazzi continuano a calcare la mano imperterriti.
Le tre tracce si muovono nel solco originario tracciato in passato dagli Sleep con il monolite di Jerusalem (poi Dopesmoker), arricchito da spunti che sono figli degli eredi contemporanei di Cisneros&Co., quei Buried at Sea che hanno dato nuova linfa a territori loud comunque in perenne movimento.
E se le note trasudano generalmente pesantezza, non mancano escamotage che abbelliscono il risultato, capacità di donare melodia a componimenti bui e saturi, dai riflessi noise -Skullflower- addirittura come nel finale di Just Another Illusion Before The Deep, questo grazie alla prova vocale di Rubens, ricca di sfumature e pathos come in Black Skies, probabilmente quanto di meglio udibile di questi tempi in territori a cavallo tra il doom, lo sludge e le catarsi più fisiche del drone; i rintocchi di piano giungono inaspettati, singhiozzi acustici spianano la strada verso lidi più tranquilli ma senza illuminare il buio di sottofondo.
Un disco che riesce a inserirsi con personalità tra elite che negli ultimi tempi arrancano, doveroso per tutti coloro che fanno della monoliticità una caratteristica imprescindibile in musica -e la foto sopra dovrebbe essere un aggravante che invogli all'acquisto-, una sorpresa anche per chi solitamente si spaventa al solo nominare certi suoni memori delle vuvuzelas: no, qua c’è ben di più, il flusso si muove, non arranca, non ama stare feremo, muta e travolge.

Neuros

www.myspace.com/voiddrone

CLUTCH CONTEST

2010-07-13T13:48:00.003+02:00

Clutch nascono nel 1990 a Maryland, nello stesso anno esce il loro EP mentre per il primo full lenght Pitchfork bisogna aspettare fino al 1993. In breve tempo conquistano una discreta fama nei locali rock piu' alternative grazie ad un mix di stili incredibilmente originale: i Clutch si definiscono semplicemente hard rockers ma in realta' sfoderano chitarre metal e liriche blues, accenni hardcore e funk che si alternano a riff profondamente stoner. Un miscuglio di generi fluido, instabile… in continua evoluzione. Tutto cio' trova una delle sue migliori rappresentazioni con Strage Cousins From The West, il nono attesissimo inedito dei Clutch uscito lo scorso anno per la Weathermaker Music.
Erano anni che speravamo di vedere i Clutch in Italia: finalmente il tanto atteso momento e' arrivato, a luglio 2010 la band di Maryland sara' nel Belpaese per due imperdibili date!

22/07/2010 @ CIRCOLO MAGNOLIA, SEGRATE
23/07/2010 @ ROCK PLANET, PINARELLA DI CERVIA

Neuroprison in collaborazione con Hard-Staff mette in palio un ingresso, a scelta, per una delle due date....basta rispondere correttamente alla seguente domanda ed inviarci la risposta al nostro indirizzo mail: neuroprison@hotmail.com

Qual'è il titolo del loro ultimo album in studio?

Buona fortuna....il contest rimarrà aperto sino a Martedì 20 Luglio.

RUGGINE - Estrazione Matematica Di Cellule

2010-07-09T12:43:00.002+02:00

Label: Escape From Today/Canalese*Noise Records

Tracklist:

01. Estrazione Matematica Di Cellule
02. Cadillac
03. Mangio Il Sole Con Gli Occhi
04. Nautilus
05. Cosmospasmo Spasmodico, Cosmospasmo Ultrabionico
06. Fujiko
07. Gulasch
08. Thallium III

La zona di Cuneo sembra avere una particolare predisposizione per il rock più rumoroso e non allineato. Gruppi come Dead Elephant, Cani Sciorrì e Treehorn sono solo la punta dell’iceberg di una scena sotterranea vitale e validissima, documentata mirabilmente da piccole ma intraprendenti etichette quali la Escape From Today, la Canalese Noise e la RobotRadio. Da questa fabbrica di noisers a pieno regime provengono anche i Ruggine, già segnalati su queste pagine in occasione dell’uscita di un Ep omonimo (Ruggine Ep) che li vedeva alle prese con una miscela esplosiva a base di ruvido noise-rock, intricate partiture strumentali e urgenza hardcore. Forti di una registrazione decisamente più professionale rispetto al passato e, soprattutto, di un songwriting più maturo e variegato, i 4 ragazzi di Narzole (Cuneo) esordiscono ora sulla lunga distanza con un disco che è, a parere di chi scrive, uno dei migliori esempi di noise/math-rock partoriti nel nostro Paese (e non solo) negli ultimi anni.
Costantemente in bilico tra rumore e melodia, tensione e raffinatezza, urgenza comunicativa e cerebralità, Estrazione Matematica Di Cellule riesce a far convivere in 8 brani - di cui 3 già comparsi nel suddetto Ep, ma riregistrati per l’occasione - le isteriche geometrie dei Dazzling Killmen e dei Colossamite, le rasoiate dei Rapeman e la rabbia dei Sottopressione, ma va sottolineato che abbiamo a che fare con una formazione talmente ispirata e sicura dei propri mezzi da non temere paragoni impegnativi. Difficile scegliere un brano migliore: la forsennata Cadillac alterna le nevrosi ritmiche degli Uzeda di 4 a riff di chiara matrice hard-rock; Mangio Il Sole Con Gli Occhi viaggia spedita tra scariche epilettiche, cambi di tempo e dichiarazioni rabbiose (“non importa quello che vuoi, basta quello che sei”); la strepitosa Fujiko è una confessione a cuore aperto che si sviluppa su un andamento zoppicante ed ipnotico, prima di esplodere in un finale tiratissimo. C’è spazio anche per episodi più pacati e Louisvilliani (Nautilus, in odore Rodan) dove fa capolino una calma apparente, ma poi basta poco perché venga nuovamente spazzata via dalla tempesta (Cosmospasmo Spasmodico, Cosmospasmo Ultrabionico, bizzarra sin da titolo, oppure la convulsa e funambolica doppietta finale Gulasch/Thallium III).

La musica dei Ruggine riflette la tipica condizione di chi, superata la fase propriamente hardcore, cerca di articolare la propria rabbia per renderla, possibilmente, ancora più intensa, ancora più distruttiva. Estrazione Matematica Di Cellule è un disco che trasuda passione e sudore da tutti i pori, lasciarselo sfuggire sarebbe un vero peccato.

Marcello Semeraro.

BARONESS CONTEST

2010-06-28T17:27:00.004+02:00

Quando si parla di metal progressivo o sperimentale non si puo' non nominare i Baroness, un combo attivo solo dal 2003 ma che in pochi anni e' diventato uno dei pilastri di questo genere. Forse si ispirano ai panorami rocciosi delle loro Blue Ridge Mountains, forse il loro nome e' un’azzeccatissima premonizione, o forse semplicemente i quattro Baroness sapevano fin dall’inizio quello che avrebbero voluto creare… A noi basta sapere che i Baroness ci sono, e che a breve passeranno anche per l’Italia con il loro impressionante muro sonoro!

BARONESS
11 luglio @ Rock Planet, Pinarella di Cervia
12 luglio @ Circolo Magnolia, Segrate

Neuroprison in collaborazione con Hard-Staff mette in palio un biglietto per la data del 12 Luglio al Circolo Magnolia, per partecipare al contest basta rispondere correttamente alla seguente domanda mandando una mail al nostro indirizzo: neuroprison@hotmail.com

Quali due colori vengono in mente pensando alla loro discografia?

Il contest rimarrà aperto sino a Venerdì 9 Luglio....buona fortuna!

UFOMAMMUT @ Hey Sun Fest (Padova)

2010-06-17T15:58:00.002+02:00

Padova 11 giugno 2010

Hey Sun Fest, un nuovo spazio in città dove finalmente si riescono ad organizzare live senza chiedere esborsi enormi alla cittadinanza, dove finalmente non ci vuole una tessera per entrare, dove finalmente non vengono sempre gli stessi gruppi.

Ore 21, arriviamo e ci accorgiamo che il luogo prescelto non è altro che un parco giochi per bambini, con scivoli gonfiabili, giostrine e mini golf.
Sorridiamo un po’ all’idea che gli Ufomammut possano suonare in una location simile, immaginadoci le facce divertite di Poia, Vita e Urlo nel vedere il palco montato accanto ad un enorme scivolo gonfiabile rosa.
La gente sembra non arrivare mai, e conseguentemente il concerto non ha inizio, oltretutto fino alle 22 i ragazzi stanno ancora montando il palco, pare ci siano problemi con il proiettore dei visual, e infatti a fine concerto Urlo mi confermerà che hanno perso quasi 4 ore per cercare un modo per montare il videoproiettore.

Intorno alle 22.30 i nostri salgono sul palco, accendono gli amplificatori e come una sorta di richiamo tribale, le vibrazioni dei Green Amp richiamano le persone fino a quel momento placidamente sedute al bar.
Non saremo stati più di 50 a farla grande, ma la cosa non sembra scoraggiare ne demoralizzare il trio piemontese che comincia a suonare l’intro della prima parte di “Eve”, il nuovo album da poche settimane uscito sul mercato.

Il concerto si snoda lungo i 45 minuti di “Eve”, che viene proposto interamente dando al pubblico una gran carica.
Personalmente scettico davanti a questo nuovo lavoro del mammut spaziale, mi son dovuto ricredere in sede live.
Il disco funziona, le vibrazioni entrano ed escono solcando nel profondo. “Eve” scatena emozioni dal vivo che su disco pensavo fossero impossibili.
Il terzetto è decisamente ispirato e da proprio l’idea di divertirsi a suonare.
45 minuti dopo siamo tutti e cinquanta sotto il palco a chiedere in ginocchio che il concerto non finisca qui, ma purtroppo i gestori minacciano di staccare la corrente qualora si vada oltre l’orario concordato.
Gli ufo sono amareggiati quanto noi, avevano in mente di suonare ancora, avevano anche preparato una sorta di scaletta post “Eve” ma niente, vengono bloccati.

La serata non finisce, i tre si lanciano al banchetto del merch accogliendoci e dimostrandosi veramente gentilissimi e disponibili.

Mi fermo a chiaccherare con Poia che mi spiega qualche variazione minima nel set-up strumentale rispetto all’anno scorso, poi gironzolando incontro Urlo con cui mi soffermo a chiaccherare parecchio di musica , di “Eve” e gli confesso che su disco non mi ha dato le stesse emozioni dei dischi precedenti, e lui mi confida, con mia sorpresa, che questo nuovo album è probabilmente l’unico lavoro degli Ufo che lui riesce ad ascoltare dopo la registrazione.
Parliamo moltissimo e mi rilascia qualche informazione riguardo al futuro degli Ufomammut che potrebbe vedere un evoluzione nettissima anche se, a detta sua, il prossimo disco non sarà facile.
Rimango molto stupito dalle sue informazioni, mi stranizza come riesca a parlare di quello che dovrà venire dopo “Eve” nonostante questo lavoro sia appena uscito, già sono proiettati oltre.
Altre informazioni mi vengono date sul roster supernatural, ma è ancora presto per svelare il tutto.
La serata finisce con autografi e birre, risate e bella musica.
Unica nota dolente la scarsa affluenza di pubblico, rimango basito da come la gente non riesca a cogliere questi eventi, preferendo magari spendere centinaia di euro per concerti evitabili, quando con 8€ si poteva tranquillamente gustare un ottimo spettacolo a pochi passi dal centro cittadino; complice nella poca affluenza di pubblico a mio avviso è la scarsa pubblicità che questo Hey Sun Fest sta facendo in città.
A fine mese suoneranno su questo stesso palco i Current 93, ma credo che siano veramente in pochi a saperlo.

Concludendo ringrazio gli amici accorsi ieri sera, e gli Ufomammut per lo spettacolo e per la bellissima chiaccherata post concerto.
Magari a Padova si vedessero più spesso eventi di questo tipo.

PostNero.

CAST THY EYES

2010-06-12T14:55:00.001+02:00

I Cast Thy Eyes sono il suono del Salento che sputa sangue. 4 ragazzi (Christian Montagna alla voce, Andrea Litti alla chitarra, Stefano Bovino al basso e Giuseppe Guido dietro le pelli), tanti ideali da condividere in una terra difficile e una storia di amicizia e di passione trasfigurate in musica. E’ da poco uscito il loro secondo disco, We Burn Into The Cold Eyes Of The Sun. Di questo e di altro ancora abbiamo parlato con Andrea, Chris e Stefano nell’intervista che segue.

Allora ragazzi, benvenuti su Neuroprison. Iniziamo con la più classica delle domande: come, quando e perché avete deciso di suonare insieme…

C: Tutto prese forma nel dicembre 2006. L’intenzione era quella di formare una nuova realtà musicale estrema che inevitabilmente ha coeso diverse entità della scena hardcore/metal salentina. All’inizio tutti ci videro come un progetto estemporaneo, solo dopo i primi devastanti live e il primo album registrato agli inizi del 2007 la gente si rese conto delle vere intenzioni dei Cast Thy Eyes e che inevitabilmente facevamo sul serio. Ora dopo appena due anni siamo ancora qui più determinati e perseveranti che mai, con un nuovo chitarrista Andrea Litti e con un nuovo album all’attivo fuori dal marzo 2010. Il titolo del disco prendere forma da una mia personale visione di quello che realmente siamo come individui e quello che ci ritroviamo scomodamente a masticare da anni in questa terra, priva di quel sole o meglio di quella luce di speranza che tutti vedono. Si parla del Salento come fosse la Jamaica del Sud e in realtà forse con quella terra abbiamo una serie di cose in comune: povertà, disagio, e un senso di vedere tutto positivo anche quando la merda l’assapori giorno per giorno. Beh se questa è la realtà mi tiro fuori! Sai perché? Perché la gente di questa terra ha dei profondi limiti statistici e di appartenenza. Io sarò sempre dalla parte dei disadattati, di chi rimane povero, subisce e va avanti a testa alta, di chi non si fa schiacciare dalla repressione, dalle false istituzioni, dallo sporco governo e dalla falsa ipocrisia! Nel Salento le false promesse hanno solo portato sconforto e disperazione, perciò si fottano tutti questi figli di puttana abituati a ricevere da gente ignorante (purtroppo) un voto politico e manipolarlo di conseguenza come un fosse un coltello da conficcare in ogni schiena. E questo è esattamente quello che descrivo nel testo di “dilemma”, e cioè: “dovunque vada, vedo visi che aspettano il momento opportuno per tentare di assassinarsi”. La realtà è più vera di quello che sembra! Io ho lottato duro per avere quello che mi sono costruito negli anni, anche nella musica e non lo butto nel cesso per nessuna ragione.. né tanto meno mi faccio illudere nella vita di tutti i giorni da una classe politica falsificata. Andrò avanti a pugni stretti ancora con più determinazione, consapevole di essere un vero e sporco figlio di puttana proveniente dal profondo Sud!

We Burn Into The Cold Eyes Of The Sun è un album monolitico e rabbioso, in cui convivono dinamicamente rifferama metal-core e accellerazioni tipicamente hardcore.
Vi sentite maturati come band rispetto al debutto omonimo di appena tre anni fa? Com’è cambiato da allora il processo compositivo nei Cast Thy Eyes?

C: I Cast Thy Eyes racchiudono esclusivamente 3 cose fondamentali: ATTITUDINE, PERSEVERANZA e un modo PERSONALE di comporre musica assolutamente non omologata o in linea con le pietose mode del momento. Abbiamo la capacità di usufruire di una dote speciale che è quella della sintesi, unita all’esperienza più che decennale di ognuno di noi. Delineare e materializzare riffs, ritmiche, metriche vocali non inclini a parametri pre-confezionati o scontati. Nulla è studiato a tavolino. La nostra è musica spontanea, istintiva, vera fino al midollo che nasce dal cuore e dalla passione di vivere questa band come unico propellente. Un sound vero che chiude il cerchio soprattutto in ogni nostro devastante live e chi ci ha visto sa cosa intendo. Non parlerei di maturità, ma solo di esperienze negative o positive che accumulate nella vita di tutti i giorni ti fanno anche crescere e comporre musica migliore e più rabbiosa. Sono molto felice di questo nuovo album e ovviamente dell’evoluzione musicale che ha toccato anche me sul lato vocale, incidendo dinamiche e metriche che mi rendono felice del lavoro fatto. La gente, gli addetti ai lavori e chi ci segue da sempre sta valorizzando quanto fatto ed espresso fin’ora. Ma, sono ancor più orgoglioso di quello che stiamo componendo con l’amico Andrea Litti alla chitarra! Con lui abbiamo già cinque nuovi brani finiti che racchiudono la nuova e furibonda essenza dei Cast Thy Eyes.

Ho riscontrato delle analogie tra il vostro sound e quello di alcune band del catalogo Relapse (Coalesce su tutte). E’ così? Quali sono le vostre principali influenze?

A: beh proprio i Coalesce forse no (mai sopportata la voce del cantante), anche se indubbiamente e per quanto mi riguarda, le band emerse come loro dalla costa est statunitense a fine anni '90 e che hanno contribuito a svecchiare e ridefinire l'hardcore, hanno indicato che esisteva una nuova via, concettuale più che stilistica in senso stretto, parallela a quella segnata dalle contaminazioni tra metal e hardcore tutte muscoli e niente cervello, e ancora oggi molte di quelle band suonano ancora “moderne” e fresche anche rispetto a produzioni più recenti. La Relapse in realtà a questo genere di cose è arrivata in ritardo rispetto al lavoro pionieristico di etichette come Revelation, Hydra Head o Equal Vision e ha sicuramente fatto fruttare il proprio peso specifico superiore alle etichette citate a livello promozionale, portando certi suoni all'attenzione di masse più numerose (giusta osservazione, ndr).
Riguardo alle band che hanno influenzato il mio modo di suonare, se ti dicessi che la più grande influenza musicale della mia vita sono stati i Metallica di “And Justice For All” non ti direi una fesseria, ma sfido chiunque a trovarne traccia evidente in tutte le band con cui ho suonato fino ad oggi, tranne le due cassette demo registrate con la mia prima band nel '95 e nel '96!

Oltre al lavoro di Stefano Manca in cabina di regia, bisogna ricordare anche l’ottimo contributo di Mr. Alan Douches (già al lavoro con Converge, The Dillinger Escape Plan e Mastodon) che ha masterizzato i brani di We Burn… presso il West West Side Music Studio di New Windsor (NY). Immagino siate soddisfatti del risultato finale. Come siete entrati in contatto con lui?

A: Ovviamente conoscevamo già Alan Douches per i suoi lavori, e proprio Stefano Manca aveva già inviato ai West West Side un paio di mixaggi usciti dal suo Sudestudio, quindi la scelta è stata doppiamente naturale.

Recentemente la line-up originaria è stata leggermente modificata con l’uscita del chitarrista Antonio Gaballo - che comunque ha partecipato alla stesura dei brani e alle sessioni di registrazione - e l’ingresso in pianta stabile di Andrea Litti (ex Shank, nonché già compagno di merende di Christian nel progetto grind Traitor ). Dobbiamo aspettarci dei cambiamenti significativi nel songwriting dei Cast Thy Eyes d’ora in avanti?

A: In qualche modo sì. Anzi, questo sta già avvenendo nei cinque pezzi che la band ha scritto con me alla chitarra in questi quattro mesi dal mio ingresso in formazione. Chiaramente non si tratta di stravolgere totalmente l'approccio musicale del gruppo, intanto perché io e gli altri della band abbiamo un background musicale abbastanza comune a livello di ascolti, poi ovviamente sono conscio del fatto che la band ha una sua identità e cerco comunque di assimilarla, nello spirito più che nella lettera. Infine, è cambiato solo un membro su quattro, e devo dire che finora il processo compositivo si è dimostrato molto democratico. Questa cosa in particolare mi ha positivamente colpito: che quando si scrivono i pezzi nuovi ognuno di noi ha qualcosa di buono e sostanziale da suggerire e proporre, anche al di là del proprio ruolo nella band. Ora come ora non saprei dirti con precisione come o in che direzione sta mutando il sound dei Cast Thy Eyes... per ora posso solo sperare che ne daremo dimostrazione effettiva molto presto!

S: Nessun brusco cambiamento se si considera il fatto che i brani sia passati (con Antonio) sia presenti (con Andrea) sono sempre stati figli di una composizione corale, dove ogni uno di noi è fondamentale e l’idea di ogni singolo anche se minima è sempre determinante! Andrea è un animale, è entrato con determinazione, e soprattutto serietà in un periodo delicato della nostra storia! Ha esperienza da vendere oltre che una passione che fa invidia a tutti! Dal primo giorno ci ha trasmesso un nuova carica e forza, e tutto questo lo si sente già nei nuovi brani.

Parlateci dei testi di We Burn… Mi pare che essi siano incentrati soprattutto su due aspetti: il travaglio interiore e l’amara e disincantata osservazione della realtà.
“Il seme dell’angoscia” di cui parlate nel brano d’apertura è difficile da cancellare?

C: I miei testi racchiudono la realtà, quello che vedono i miei occhi, quello che vivo in ogni istante della mia vita anche quando trascorro lunghi momenti di solitudine, dipingendo! i miei sono pensieri che scaturiscono da un marcato disagio mentale e che si esteriorizza anche attraverso una personalità instabile, vogliosa di rigenerarsi giorno per giorno con nuovi stimoli e bestie da accudire. Aver attraversato la nebbia anche nella mia vita vissuta, aver assaporato su pelle cos’è la sofferenza, mi ha portato a scrivere cosa si nascondeva dietro questa foschia…

Dal video di "Die One Day" (uno dei momenti migliori del disco per il sottoscritto) è evidente il desiderio di sottolineare il legame con le vostre radici. Eppure la musica proposta dai Cast Thy Eyes è lontanissima da tutto cio' comunemente evoca l'immaginario salentino. Mi domandavo cosa c'è di "salentino" nella vostra musica...

C: C’è una cosa che molti non hanno capito o percepito. Noi non abbiamo girato il video di “Die One Day” per far vedere quanto ci sentissimo legati alla nostra terra o alle radici e quindi farci vedere grezzi, sporchi e sudati in quel contesto. Il video trae in inganno, ed è proprio quello che volevo ottenere avendo curato la regia e lo storyboard dello stesso. I ragazzi della band erano d’accordo con la mia visione e perciò hanno dato un contributo vero con idee e soluzioni possibili. La rabbia non ha un’identificazione precisa, non può essere contestualizzata! Questo penso! Perché oggi lo stereotipo di fare un video hardcore o metal viene visto ancora con determinate soluzioni che possono essere riconducibili a posti o spazio temporali ricercati appositamente o peggio ancora costruiti da un set. “Die One Day” non è studiato a tavolino, non è stato gonfiato con americanate spastiche, abbiamo solo suonato quel pezzo in modo aggressivo e violento come lo abbiamo proposto in qualsiasi situazione live. Quella campagna è solo riconducibile alla nostra essenza ma la realtà e che abbiamo solo suonato in modo vero e in your face. Io ci tengo a ringraziare ancora Stefano Tramacere e Marianna Russo di 18GRADIaEST Videoproduzioni, per il lavoro svolto nel video. La cosa che più mi rende felice è che solo loro potevano entrare nella mia testa e capire ciò che volevamo raggiungere per l’essenza della band. Oltre che amici, sono dei professionisti seri e motivati, in questo ci siamo ritrovati perfettamente.

Il nuovo album è stato co-prodotto dai Cast Thy Eyes e da un “consorzio” di piccole realtà indipendenti riunite sotto il nome di D.I.Y. Conspiracy. La domanda nasce spontanea: quale credete sia il futuro del D.I.Y., in un momento storico in cui la supremazia del web ha portato alla digitalizzazione/disumanizzazione della musica e alla frammentazione delle “scene”?

S: Certo il momento non è dei migliori, ormai è diventato tutto un puttanaio. Il D.I.Y. però è passione forte, è un legame carnale verso ciò che si fa, dalla registrazione di un disco, all’indebitarsi per stamparlo, al distribuirlo e/o a supportare un altro gruppo a fare tutto ciò. D.I.Y è l’essenza dell’ hardcore, è orgoglio! Guarda secondo me certe passioni sono dure a morire e limitarsi alla condivisione di un file non credo possa diventare mai l’unico e solo obbiettivo di una band.

Tempo fa ho assistito ad un vostro live set particolarmente infuocato e coinvolgente e ho maturato la convinzione che è quella la sede in cui la vostra musica trova la sua dimensione migliore. Come descrivereste un vostro concerto a chi non ha ancora avuto la possibilità di vedervi all’opera?

A: Mi trovi abbastanza d'accordo, e qui ci posso mettere il doppio punto di vista di chi questa band l'ha vista suonare da entrambi i lati del palco! Sicuramente siamo un gruppo molto “fisico” e che dal vivo non si risparmia, anzi... sudore, sangue e corde rotte sono gli ingredienti principali delle nostre esibizioni, ma non si tratta di fare i pagliacci, magari per nascondere altre carenze musicali o strumentali. Ci riesce facile farci coinvolgere per primi dalla musica che suoniamo, in maniera molto naturale e istintiva. Sicuramente l'esperienza maturata suonando dal vivo per dieci o più anni, con Cast Thy Eyes e con le nostre precedenti band, ci è servita, anche dal punto di vista tecnico e dei suoni.

Come vi state muovendo per la promozione di We Burn…?

S: Alla grande. Di questo se ne occupa soprattutto Christian. Ogni giorno a fare la fila negli uffici postali non è da tutti, anzi sfido io qualunque label a fare quello che fa lui con così tanta costanza e professionalità! Nel giro di pochi mesi Il disco è stato già recensito dai tutti magazine più importanti, Il video è stato per due mesi in rotazione su due programmi di Rock tv, e le apparizioni su webzine sono una costante.
Ritornando al discorso D.I.Y., certe cose ce l’hai dentro.

Progetti futuri?

A: come dicevo prima, siamo sempre al lavoro per scrivere i pezzi che faranno parte di un futuro nuovo full lenght, ma il progetto discografico più immediato è la ristampa di “We Burn...” su vinile 12” che sarà curata dalla francese The Flying Elephant records. Questa etichetta ha già prodotto tra le altre cose un ottimo album degli spagnoli Antigua Y Barbuda, i quali ci affiancheranno in un tour europeo organizzato dalla stessa label francese, che se tutto va bene ci vedrà impegnati tra fine Ottobre e inizio Novembre per una dozzina di date tra Italia, Francia, Belgio, Germania e Spagna.
Entro la fine del 2010 contiamo anche di riuscire a recuperare le date del tour italiano con gli amici Hobophobic, previsto per lo scorso fine Maggio e saltato all'ultimo momento per cause di forza maggiore, e abbiamo in programma altri giretti lungo la Penisola. Riguardo a future date nel Salento, quest'estate saremo al Lecce Hardcore Fest che si terrà dal 30 Luglio all'1 Agosto presso la Rimesa Autogestita di Sanarica (LE) e il 13 Agosto al Mundialito Antirazzista, un torneo di calcio a 5, con vari eventi serali a fare da cornice, che si svolgerà a metà Agosto a Gagliano del Capo (LE) e che vedrà impegnate squadre provenienti da tutto il mondo.
La fame di live è sempre tanta, quindi fatevi avanti e proponete!

Siamo arrivati alla fine, grazie mille ragazzi e… concludete pure come vi pare.

A: Grazie a te e a Neuroprison caro Marcello, inutile che vi dica quanto è utile e importante che continuiate a fare luce su questa fetta dell'underground, italiano e non. Spero che chi legge avrà la voglia e la possibilità di contattarci e conoscerci meglio ascoltando “We Burn...” o venendo a vederci suonare dal vivo o curiosando sui nostri siti web:
www.myspace.com/castthyeyes
www.facebook.com/cast.thy.eyes
www.youtube.com/user/castthyeyes

Marcello Semeraro

HARVESTMAN - Trinity

2010-06-07T16:24:00.003+02:00

Harvestman.
Già solo scrivendo questo nome ad inizio recensione potremmo considerarla conclusa sottintendendo che si sta parlando di un gran lavoro.
Questa volta ci troviamo dinnanzi alla terza uscita per Steve Von Till, chitarrista e voce dei Neurosis, che porta avanti il suo progetto “one man band” regalandoci finalmente in versione Cd ultra limitata, la meravigliosa colonna sonora del film di Alex Infascelli H2odio.
“Trinity” è il titolo di questa piccola perla, un disco pieno, intenso ed impegnativo, dove il misticismo della chitarra di Von Till si erge a protagonista assoluta di un Drone-Ambient di alta scuola.
Riverberi impetuosi e arpeggi sognanti ci accompagnano in 16 tracce a dir poco meravigliose. Qualunque parola spesa riguardo a questo disco sarebbe di troppo, bisogna solamente lasciarsi trasportare dalle emozioni e dalle immagini che ogni singola nota è in grado di creare. Non è necessario vedere il film di cui è colonna sonora per capire ed apprezzare questo lavoro, anzi forse chiudendo gli occhi e provando a dimenticare le associazioni visive causate dal film si riesce a farsi catapultare in un mondo liquido dove l’ascoltatore può navigare a piacimento facendosi trasportare dalla corrente.
Inutile una recensione “track by track”, in quanto non avrebbe senso provare a descrivere le singole tracce visto che il lavoro di Von Till si snoda fra ondate sonore che scagliano immagini fluorescenti senza soluzione di continuità, suoni elettrici e quasi magnetici si fondono con arpeggi melodici e dolci, lasciando sempre un po’ di ansia e mistero nascosti nei meandri più oscuri.
Un lavoro immenso, che regge un mondo amniotico ove immergersi senza bisogno di trovare una riva a cui approdare anzi, naufragare fra i droni di Harvestman è una delle esperienze più mistiche che si possano provare nel panorama musicale contemporaneo.

PostNero

CAST THY EYES - We Burn Into the Cold Eyes of the Sun

2010-06-04T20:00:00.003+02:00

A tre anni di distanza dal’album omonimo, tornano i Cast Thy Eyes, formazione che nei suoi membri racchiude e ha racchiuso il meglio de “lu Salentu violentu” , nelle forme passate dei NonToccateMiranda e grazie al recente apporto di Andrea degli Shank.
L’utilizzo dell’aggettivo “violentu” non è gettato lì per caso, nelle undici canzoni di We Burn Into the Cold Eyes Of the Sun, il combo rifugge dagli stereotipi che hanno caratterizzato le contaminazioni moderne legate all’hardcore, andando a riscoprire le radici di un suono metallico che all’inizio degli anni novanta non cercava stacchi dilatati od onanistiche fughe chitarristiche: aggressione, nella sua forma più grezza e ferale.
Ci mettono l’anima i Cast Thy Eyes, e dall’attacco di The Seed of Anguish non tirano il freno in alcuna occasione, ad eccezione della titletrack che comunque, nonostante freni i tempi forsennati del disco, si cala incosciente in malsani pattern di batteria, dove la melodia è sotterrata sotto le distorsioni delle chitarre e annaspa per cercare la luce.
Impossibile non rimanere annichiliti dalla furia di Die One Day, tirata quasi a spezzarsi, ossessiva nella cascata di riff che tagliano l’aria come rasoi, valorizzata da un video tanto semplice ed efficace, raffigurante la band dedita a ciò che meglio sa fare: ammutolire con una prova dai tratti animaleschi che ha fatto breccia nei live salentini e oltre.
Il suono è quello della costa est statunitense, vengono in mente gli Overcast e nei tempi più scavezzacollo, con il basso furente sempre in evidenza a sostenere andamenti capaci di portare la fronte al livello del terreno, Trying to Erase insegna; i tempi serrati che sanno di Turmoil e il veleno che emerge in più momenti non può che tirare in ballo l’eredità dei Deadguy, come Icebox o il finale tesissimo di Dilemma. Non mancano alcune chitarre di reminiscenza svedese in Till the End, ma siamo lontani dalle melodie sciupafemmine dei Killswitch Engage, se si è in cerca di quelle, beh questo non è il posto adatto, perché è tutto comunque letto nella snellezza compositiva che fu degli Unbroken, la tappa doverosa dell’altra sponda USA, accorgimenti che rendono il disco assolutamente scorrevole.
L’album è stato co-prodotto dalla band con alcune etichette italiane sotto la sigla della DIY Conspiracy, uscito in formato A5 deluxe con un booklet in cartoncino di 20 pagine a colori, motivo in più per farlo proprio: chi ama questi suoni, chi ama la passione e il sudore che emergono da queste note (no, non è una cavolata tanto per dire), troverà sicuramente di che divertirsi.

Neuros

Cast Thy Eyes @ MySpace

LEVIATANI E ZANZARE 4 @ Locomotiv Club

2010-06-03T14:39:00.003+02:00

E' fine maggio, e nella bassa bolognese l'aria è già afosa, crogiuolo ideale per zanzare e leviatani: i giorni 22-23 sono a loro dedicati, la cornice è il Locomotiv Club, che segue le giornate di giovedì e venerdì presso lo Scalo San Donato.

L'accoppiata aereo+treno non mi permette di assistere alle prove di Storm{o} (già apprezzati comunque alla seconda edizione del Barone del Male Fest), Icon of Hyemes e Jagannah.
Salgono sul palco gli Stoner Kebab e trainati dal loro goliardico nome sfoderano una grande prestazione, ironica e massiccia, con quel modo infetto di fondere vintage e moderno, sludge/doom e atmosfere dark, e questo grazie al'ingresso stabile delle keyboards che riescono a dare una marcia più svirgolata e oscura a un suono già di per sè ingombrante come l' Eyjafjallajökull.

E già tempo di ospiti internazionali, forti della nuovissima uscita di Ausserwelt arrivano gli Year of No Light, un vortice che inghiotte e sputa fuori polvere, il tutto praticamente in un unica canzone/movimento che ha visto alternarsi un pò tutti dietro le keys e gran bel lavoro della doppia batteria, tutt'altro che un escamotage per alzare semplicemente i volumi: soundcheck certosino ma ne è valsa la pena, hanno bisogno di un suono bello pulito per far emergere ogni sfumatura e, nonostante in questi contesti dilatati la voce sia spesso ininfluente, qualche intervento non avrebbe guastato.

L'atmosfera si fa cada e opprimente, l'aria emana riverberi fetidi, è tempo dei Ramesses: una betoniera di letame in slow-motion, come altro descriverli? Iper-doom, suoni deflagranti, voce sguaiatissima; una prova che spazza via i dubbi derivati dai loro dischi, si rimane impantanate e ci si compiace dello schifo. Come si fa a non amarli? Il marchio di 2 ex Electric Wizard si fa sentire, i muri tremano e le orecchie sanguinano.

Per gli Orthodox, cari amici, le parole sono davvero una gabbia per descriverne la prestazione, tra i gruppi contemporanei sono sicuramente tra i preferiti del sottoscritto, ma sono riusciti a spiazzare me e tutti: abbandonata la catarsi mistica folk-doom per far emergere tutto il loro lato più sregolato, jazz, ferale, incanalato in jam sbrodolisissime e di rara bellezza, come gli OM suonati dai Dazzling Killmen, roba fuori da ogni immaginazione. Noise-jazz-doom, e qua ci si spiegamo gli omaggi in tessuto a Black Flag, Coroner e Hawkwind. A questo punto non si può far altro che aspettare il nuovo ep.

La curiosità per Ben Frost era molta, perchè sul disco mi ha convinto nel tempo, peccato che le condizioni psico-fisiche abbiano avuto la meglio, comunque quello che ho sentito mal si amalgamava con le atmosfere doom dalle quali tutti eravamo appena risorti, sicuramente in un altro contesto la sua elettronica cristallina e glaciale avrebbe reso sicuramente meglio.
La doomenica è tutta italiana, bravi i Layser Geyser e il rock anfetaminico, peccato aver suonato davanti a cinque persone e grandissima la prova dei Lady Tornado, un vortice dove l'hardcore si getta in un'orgia di rock'n'roll e grind, capace di scatenare immediatamente il pogo tra i presenti, una voce di carta vetrata e una batteria che non da tregua, mentre il basso sfiora il pavimento per opprimere i suoni, è il delirio.
La nota che non ti aspetti della serata sono i Vanessa Van Basten, molti momenti di stanca, bella comunque la nuova traccia, anche se avrebbe giovato un pezzo come Tutto avanti all'indietro, canzone tratta dall'ultimo ep Psygnosis soprattutto movimentata e capace di staccarsi dalla loro monolitica leggiadria, forse è solamente la ruggine dopo tanto tempo di inattività, speriamo di poterne rigodere al più presto.

Capitolo Dead Elephant. Per il sottoscritto sono un feticcio e ogni qual volta ne parli si sfiora il radicolo, ma maledizione: fantastici!. Hanno crepato ogni cosa. Inizio con una Clopixol cubica, spanata, granitica, ossessiva, si prosegue con Post-Crucifixion ed è il delirio, si rallenta nuovamente con the Worst and the Best e si finisce con con una Black Coffee Breakfast che sfiora il quarto d'ora, dove la parentesi tempeliana prende il sopravvento e stordisce, droga in musica. Qualcosa di assolutamente irripetibile: l'elefante morto è tornato, e già tra poco tempo entrerà in studio per il suo nuovo barrito venefico - con Luca Mai degli Zu in pianta stabile-, da queste parti non si aspetta altro.

Peccato per le presenze, un evento, un'organizzazione, una location e un'atmosfera del genere avrebbero meritato affluenza ben maggiore; le variabili da considerare sono molte e il discorso spesso sfiora l'arcano, ce ne teniamo in questa sede fuori per non macchiare quanto di bello fatto dagli organizzatori e dalle band.
Speriamo che l'anno prossimo le zanzare e i laviatani continuino a molestarci di questa maniera, mai puntura è stata meglio accolta.

Un ringraziamento per le foto a Michele Giorgi e Francesco Comellini.

Neuros

CHAMBERS - S/t

2010-05-29T18:10:00.002+02:00

Tracklist:
1. Easter In Tromso
2. H&N
3. Black To The Future
4. Second Wall War
5. A Planet Is On Fire

Formato: vinile 12"

Ci sono ancora band che, incuranti delle mode e senza avere dalla loro parte il fuoco fatuo dell’hype, continuano a riproporre certe sonorita' emozionali e discordanti che tanta influenza hanno avuto nei gloriosi anni '90. Gli esempi sono diversi e può anche accadere che questo “recupero” della tradizione non si esaurisca in un semplice revivalismo, ma risulti anzi controbilanciato da un apprezzabile tocco di modernità, che non guasta mai: è il caso dei Chambers, quintetto toscano che giunge al debutto con questo bel dischetto omonimo (coprodotto da Tumorati Di Dio, Shove, Arctic Radar e Que Suerte!), dopo essersi fatto le ossa con band quali Violent Breakfast, Cohesion e Summer Camp Disease.
La loro musica sembra essere l’anello di congiunzione tra il post-hc di San Diego (Drive Like Jehu e Boilermarker), quello di Washington Dc (la Dischord) e la più recente scena di Richmond (alcune soluzioni chitarristiche e la presenza di una accentuata vena psichedelica mi hanno ricordato i Malady e le loro girandole soniche ma anche i City Of Caterpillar più dilatati). Si tratta di una proposta dall’alto potenziale emotivo, dominata da chitarre che ora feriscono ora sembrano implodere, da una sezione ritmica precisa e quadrata, da una voce passionale e monocorde e, soprattutto, da ottime canzoni, alcune delle quali sono tra le cose migliori sentite ultimamente in questo particolare ambito sonoro (l’emozionante “Easter In Tromso” – che dovrebbe essere il primo brano composto dalla band - e soprattutto la meravigliosa epicità di “A Planet Is On Fire”, percossa da scariche elettriche e ritmiche dinoccolate alla John “Speedo” Reis).

Se vi piacciono questi suoni e siete alla ricerca di una rilettura appassionata/appassionante e non del solito scimmiottamento propagandato per buono da qualche rivista o blog, dategli un ascolto anche perché il futuro potrebbe riservare ai Chambers degli sviluppi ancor più intriganti.

Marcello Semeraro

Chambers @ MySpace

FRICTION FEST - 7/8 Maggio 2010 @ Astra (Berlino)

2010-05-21T16:19:00.005+02:00

7 Maggio,

Berlino, città fredda ed estremamente metropolizzata, grigia e cupa, risulta perfetta per il FRICTION FEST, festival eterogeneo svoltosi su i due palchi dell'Astra, ex deposito ferroviario. Arriviamo venerdì 7 per le 18.30 e troviamo sul palco grande i MASTER MUSICIANS OF BUKKAKE: non riesco a contare in quanti siano sul palco, forse 8 (due batterie!), tutti vestiti in modo bizzarro con dei cappelli da apicoltori, tanto fumo pirotecnico, partono le chitarre drone in coro. La prima parte richiama molto le esibizioni dei Sunn O))), una dilatatissima Schism Prism, psichedelia e ritmi tribali, suoni che si intrecciano stratificando l'atmosfera. Dopo solo 35 minuti se ne vanno lasciandomi letteralmente a bocca aperta: gruppo immenso, esibizione fantastica! Piccola pausa e torniamo di nuovo al main stage, questa volta per gli attesissimi WOLVES IN THE THRONE ROOM, gruppo che ha un po' rivoluzionato il modo di interpretare e sopattutto di ascoltare il black metal moderno; i 3 lupi (il basso, insieme ad altri effetti/strumenti, erano mandati in sottofondo) suonano giusto 3 pezzi (uno da Diadem Of 12 Stars), i volumi sono po' altini impastando e rovinando un po' il tutto. Atmosfera unica composta da cadele sparse sul palco ma non riescono a prendermi completamente, molto meglio l'esibizione dello scorso tour, peccato.

Wolves In The Throne Room

Con un buon pasto vegan mi sposto al second stage per gli ARMS & SLEEPERS, band postrock/triphop, ma seguo con poca attenzione. Con un po' di curiosità mi dirigo al palco dei THE OCEAN: questa volta la band si presenta al completo, pure con gli archi! Set impeccabile, carichissimi e sotto i fan scatenati (facile giocando in casa), ma dopo poche canzoni mi annoiano a morte; contento di non aver ancora sentito l'album nuovo. La stanchezza inizia a farsi sentire perciò decido di sentire da fuori il locale i PG.LOST, band postrock senza molte pretese. Torno dentro di nuovo al main stage per gli intramontabili ENTOMBED: delirio! Pezzi vecchi e marci vengono sparati a mille uno dopo l'altro, una carica impressionante, forse il loro live più bello che abbia mai visto. Finito il death metal arriva il buio. Salgono i tedeschi BOHREN & DER CLUB OF GORE, ultima band della prima giornata di questo fest; si spengono le luci, rimangono solo dei lievi faretti su i loro strumenti, iniziano: atmosfere buie, accenni jazz, sax soffocante, ogni colpo di batteria taglia l'aria, squarcia quella semi sensazione di tranquillità, facendo precipitare tutti in uno stato di perenne instabilità. Grazie alla loro poca varietà il tempo sembra fermarsi, sembra di vivere sempre lo stesso attimo. Una parola: infinito.

8 Maggio,

Il giorno dopo, visto il poco spazio lasciato dalle grigie nuvole al sole, ci ritroviamo alle 15 circa per i tedeschi ZATOKREV che, con un po' di problemi tecnici alla chitarra, iniziano a macinare sludge con un po' di ritardo. Un pezzo unico, lungo e lento, il trio spinge fortissimo forse con un poco di banalità (i richiami sono palesemente Grief, Eyehategod e alcune cose degli Isis). Finito il set decidiamo di andare a distrarci nel quartiere che circonda l'Astra, in particolar modo al negozio BIS AUFS MESSER www.bisaufsmesser.com dove è facile perdersi tra le tonnellate di vinili (consigliatissimo!). Torniamo intorno alle 18.00 giusto per l'inizio dei GRAILS, le mie aspettative sono alle stelle: partono con una intro che richiama sonorità etniche, un aumentando di suoni, che piano piano coincidono in un'esplosione di colori; grandissimi pezzi, un'emozione unica, mi sarei aspettato un live più tranquillo invece hanno travolto tutti, un fiume in piena!

Adesso è il momento dei post-corers LONG DISTANCE CALLING, esibizione impeccabile sia nei suoni che nell'esecuzione, il gruppo spinge divinamente sulle parti tranquille ed eteree, di dubbio gusto le parti più aperte e più forti. Un concerto in bilico tra il bello ed il brutto. Piccola pausa e ci troviamo davanti forse le melodie più belle di tutto il fest, quelle degli inglesi CRIPPLED BLACK PHOENIX (formazione extra large con membri di Electric Wizard e Mogwai): aprono con ''Rise Up And Fight'', una voce pacata tra le chitarre Pinkfloydiane, echi, ritmi che ti cullano, la loro musica è un'anestesia per le mie stanche gambe. Segue ''Burnt Reynolds'', grandioso pezzo dove la partecipazione del pubblico (cantando la melodia principale) è fondamentale. La parte psichedelica dei loro brani salta fuori accennata in modo sublime; seguono molti altri pezzi, tutti bellissimi.

Tornando sul main stage troviamo una distesa di persone sedute per terra ed un omino alto e magro in piedi sul palco che invita tutti a rilassarsi per godersi meglio la musica; è l'islandese OLAFUR ARNALDS che, con la sua musica leggera e fine, incanta tutti e fa volare le menti sopra le grigie nuvole di Berlino. 40 minuti tra archi e pianoforte, una delicatezza quasi soft-ambient che ricorda molto i Sigur Ros più belli.
Pochi attimi ed è subito il momento al second stage dei TEPHRA: chitarre distorte, tempi dispari, voce urlata e potente, un magma denso e bollente; prendete gli Isis di Oceanic/Panopticon e mettetegli gli amplificatori al massimo, ovviamente non originalissimi (anzi, per niente), ma lo schiaffo in pieno viso è assicurato.

Tephra

Senza muoverci dal piccolo second stage aspettiamo i TAINT, trio inglese dedito ad uno sludge/stoner molto rock'n'roll. Il gruppo ripropone per intero il nuovo ep ''All Bees To The Sea'' più qualche pezzo dal vecchio ''Secrets and Lies'' e non sbaglia un colpo! Gran bel tiro, ottimi suoni, il pubblico sembra proprio preso bene, rimango convinto molto positivamente da questa performance, ma inizio a cadere in una fase una trance senza ritorno (a causa di una stanchezza acuta, purtroppo).

Taint

Ore 01:30 AM. E' il momento più atteso forse di tutto il fest.
Siamo in tanti (troppi) davanti al solito palco piccolo quando il proiettore mostra in altro, sopra il telo bianco sporco di sangue, il logo degli AMENRA.
Dal buio una chitarra squarcia il silenzio con l'intro di ''De Dodenakker'', pochi minuti e la deflagrazione prende forma, l'attacco più travolgente a cui abbia mai assistito! Un'oscillazione continua, i corpi dentro la stanza si muovono automaticamente, un movimento ossessivo avanti e indietro, impossibile resistere, sembriamo quei branchi di pesci che si muovono all'unisono per sembrare un pesce più grande e spaventare il nemico.
Seguono ''Silver Needle Golden Pain'', ''Aorte'', ''Le Garden Des Reves'' e la sublime ''Razoreater'', tutte nere e pesanti, un'ondata di violenza. C'è poca speranza di uscirne vivi, impossibile uscirne incolumi.
Le visual proiettate dietro riflettono pienamente il sentimento masticato dalla band, che dopo circa un'ora e un quarto se ne escono senza nemmeno salutare o ringraziare, come sono venuti se ne vanno.

Amenra

Grandissimo Festival, ottima gente, ottimi gruppi e soprattutto ottimi suoni (quasi sempre diciamo). Me ne torno in ostello ancora con le orecchie tumefatte ma con un gran sorriso, appagato da una città così grande e con un'apertura mentale così impensabile dalle nostre parti.
Berlin Über Alles.

http://www.flickr.com/photos/25433024@N04

James "Sawyer" Ford

MiOdi 2010

2010-05-20T15:02:00.003+02:00

A un anno esatto dalla prima edizione e dal suo grande successo (oltre 2000 persone, sempre di Mercoledì) torna il MiOdi, il festival a volume smodato per l'uomo e la donna che non devono chiedere mai. Anche perchè basta guardare la lista dei gruppi. Cos'altro potrebbero mai volere, quei due?

Lo scopo è sempre lo stesso: fare un rumore infernale e tracciare una mappa dei suoni "pesanti" che fanno tremare sale prova, locali, stereo, iPod, casse del computer, salotti, camere, camerette e autoradio di tutta Italia (e non solo). E divertirsi. A essere sinceri soprattutto questo. La storia della mappa ce la siamo inventata per darci un tono.

Le novità principali di quest'anno sono due.

La prima è l'apertura a gruppi non italiani. Sono tre: 16 (USA), Amen Ra (BE) e Nadja (CAN): ottimi e raccolti a mano. Perché tutti lo dicono ma noi ci crediamo davvero: nella musica i confini non dovrebbero esserci. Il MiOdi non è un festival metal, non è un festival hardcore, non è un festival punk. O noise. O d'avanguardia. O un festival di gruppi italiani, se per questo. Non l'avevamo mai detto, infatti. Quindi quest'anno ci siamo presi la libertà di scegliere una manciata di gruppi stranieri e mischiarli con quelli di casa nostra. D'altronde, voi credete forse che gli Zu o i Cripple Bastards (headliner dell'anno scorso) siano gruppi italiani? All'anagrafe forse. Ma per forza, stile e importanza proprio no.

La seconda novità è l'aggiunta di un palco, detto "il Messicano". Così fan quattro. La scelta arriva dalla voglia di stringere ulteriormente il rapporto fra band e pubblico: il messicano, infatti, è aperto su tre lati e annulla il concetto di "prima fila". Un modo come un altro (anzi no: un modo migliore) per godersi i concerti.

Come l'anno scorso ci sarà da mangiare, e come l'anno scorso ci saranno i banchetti con strumenti musicali, dischi, magliette, libri e altro. Oltre all'ovvio merchandising dei gruppi.

Il cast definitivo, anche quest'anno al netto di sorprese e catastrofi:

Main Stage: Ufomammut e Amen Ra

Messicano: Fine Before You Came, 16, Jacopo Zu + Giulio "Ragno" Favero, Lento, Viscera/// e Gandhi's Gunn

OutFrog Stage: 3/4 Had Been Eliminated, Psychofagist con Luca Zu, Ovo+Nadja performing The Life & Death Of A Wasp, Putiferio, Vulturum, Tsubo, Orange Man Theory

InFrog Stage: Fuzz Orchestra, Dyskinesia, Mongolian Barbecue (con Massimo Zu), Be Maledetto Now!, gRÄFENBERg

Da qualche parte, a un certo punto: Zeus!

Ai concerti "ufficiali" si aggiungeranno altre chicche strada facendo (ed eventualmente qualcosa che ci verrà in mente il 9 Giugno stesso). La più originale riguarda lo spazio dedicato a Xabier Iriondo e Sound Metak, il suo atelier e negozio di strumenti musicali artigianali a Milano. Xabier porterà, oltre all'esposizione di strumenti -da poter provare in loco-, degli ospiti che suoneranno dei micro-set (sotto i 10 minuti) destinati a rappresentare ulteriori schegge impazzite in un programma già densissimo.

MIODI 2010
Seconda edizione
9 Giugno dalle 18.00
Ingresso: 10 Euro
Circolo Magnolia
via Circonvallazione Idroscalo, 41 20090 - Segrate (MI)
Tel: 02 7561 046 | Infoline: 333 85 34 814
Mail: miodi666@gmail.com
Web: http://miodi.blogspot.com /// www.rockit.it/miodi /// www.circolomagnolia.it
Ricordate che per il Magnolia estivo la tessera ARCI NON SERVE!

CHESTERPOLIO - Battaglie

2010-05-19T16:50:00.004+02:00

Tracklist:

Rodeo
Lontanissime
Battaglie/a
Settimo
Paesaggi, esplosioni ex professo
Massacro
Torrenziale

I Chesterpolio sono un power trio di Sogliano, paese tutto salite, neve e piadina che si trova in cima ai colli romagnoli. Probabilmente questo toponimo non vi è noto ma si tratta di paesino (3.000 abitanti) ad alta concentrazione musicale: negli anni passati il festival del comune ha ospitato, tra gli altri, Patti Smith, Jethro Tull e Vinicio Capossela. Sogliano, oltre ad essere il luogo d’invenzione del formaggio di fossa, una prelibatezza romagnola, è anche patria del “Soglianois”, evento estivo promosso dall’omonima associazione culturale e dai ragazzi di Tafuzzy Records (ragazzi che si sbattono sul serio: la loro firma si trova anche sul “Tafuzzy Days”, una rassegna che si svolge a Riccione nell’ultimo weekend di Agosto).

“Battaglie” è un'autoproduzione completa e rigorosamente montata a mano: un cd-r imbustato in un digipack bianco la cui copertina è affidata alle chine di Sebastiano Carghini, batterista della band e artista (come Tone ha già prodotto tantissimo). Completano la formazione Daniele "Magro" Magrini alle chitarre e Luca Reali che si alterna fra basso e sei corde (a cui è subentrato recentemente Simone Bartolini. Dal vivo il trio punta su un muro di suono compatto e granitico, garantito dall’uso di 4 o più ampli.

Il rock dei Chesterpolio è strumentale, massiccio, potente, psichedelico ma allo stesso tempo spensierato e movimentato; i nostri si muovono infatti fra Math Rock, Noise, Punk. Guardando verso gli USA, terreno fertile per questi generi, mi pare difficile trovare un confronto adeguato, per sentirsi avvolti da atmosfere simili potremmo rivolgerci allora verso un altro (ex) trio romagnolo: i Venezia

La produzione dell’album è artigianale ma proprio per questo azzeccata e coinvolgente e le sette tracce danno tutte risalto ad ogni singolo strumento. La batteria spinge furiosamente in pezzi come "Settimo", “Rodeo” e “Massacro”. Magro si diletta con una pedaliera piuttosto variegata e l’effetto si sente soprattutto in “Battaglie/a” e in “Paesaggi, esplosioni ex professo”, un’ottima progressione che inizia con un particolare riff accompagnato da un pianoforte tutt’altro che fuori posto. Si rivelano inoltre sfumature ambientali nella titletrack ed in chiusura grazie al piano di “Torrenziale”.
In conclusione un debutto sulla lunga distanza decisamente valido e promettente, vedremo come la band saprà sviluppare la propria proposta in futuro.

Jack_from the sky

Chesterpolio @ MySpace

FROHIKE RECORDS

2010-05-14T16:06:00.002+02:00

Abbiamo dato ampio spazio alle band del suo roster, abbiamo apprezzato le scelte grafiche ed etiche che si celano dietro ogni loro lavoro: finalmente ora diamo la parola a Simone e Marta, ovvero coloro che tramano dietro il monicker Frohike.
E' riduttivo chiamarla etichetta, ci piace chiamarla sensibilità.

Ciao ragazzi, benvenuti sulle pagine di Neuroprison. Gli argomenti da trattare non mancano, andiamo quindi in ordine cronologico. Quando nasce Frohike e sotto quali stimoli?

S - Frohike nasce nel 2007 ma la prima uscita arriva solo ad inizio 2008. Era una cosa totalmente diversa da oggi, eravamo diversi noi, era diversa la situazione. Eravamo una goccia nel mare di piccole label nate con la rivoluzione del 2.0, nulla di più. Chiedi gli stimoli, mi verrebbe più da parlare di voglia di emulazione, o comunque di voler essere parte di un qualche cosa, piuttosto che veri e propri stimoli artistici. Diciamo che volevamo sguazzare pure noi.

Per un pò di tempo le produzioni sono andate a singhiozzo, salvo poi riprendere con costanza da un po’ di tempo a questa parte, con risultati davvero ottimi: quale è stato il punto di svolta?

S - Sicuramente il punto di svolta è stato l'ingresso di Marta, che passando da fan sfegatata a parte integrante del progetto, ha portato voglia di cambiamento, voglia di serietà. L'amicizia che ci lega ha fatto da collante e da reagente, rimasti soli abbiamo avuto la libertà di fare le cose come volevamo. Abbiamo voluto rischiare e abbiamo avuta molta fortuna, inizialmente. Non avevamo molti soldi (non che adesso sguazziamo nell'oro eh!) e affascinati dai Dyskinesia ci siamo buttati nella produzione del loro disco anche se non l'abbiamo gestita direttamente noi, per questo motivo siamo rimasti fermi per parecchi mesi, diciamo che è stata una situazione un po' complicata, ecco. Ma in quei mesi abbiamo messo le basi per il nostro futuro: abbiamo conosciuto Giacomo degli Up There: the Clouds, Francesco dei Three Steps to the Ocean, Giulio Santaniello. Diciamo che abbiamo conosciuto le persone giuste al momento giusto. Siamo ragazzi fortunati. Molto.

Appellarsi a Frohike con il nome di “etichetta” è sicuramente riduttivo, e lo si può ben cogliere leggendo il vostro manifesto (www.frohikerecords.com/manifesto.ht.../manifesto.html); le parole sulle quali vorrei ci soffermassimo sono tre: adolescenza, sporcarsi le mani, ambiente. Iniziamo con la prima, essendo voi giovanissimi come conciliare i vostri impegni, esigenze, idee con il progetto Frohike?

S - Purtroppo è difficile. Per lo split Corpoparassita/Dyskinesia abbiamo passato circa 3 mesi a incastrare la produzione nella vita di tutti i giorni, abbiamo "sacrificato" interi fine settimana per chiuderci in una cantina a serigrafare o impastare carta. Ne è valsa la pena... Pensandoci, l'essere studenti è una fortuna, non oso immaginare quando avremo orari fissi da 8 ore giornaliere cosa riusciremo a fare. Per ora cerchiamo di cavarcela con l'aiuto di amici e familiari.

M - Per quanto riguarda le nostre idee ed esigenze invece riusciamo ad integrarle per il semplice fatto che sono realmente incarnate da Frohike, è un progetto in eterno movimento appunto perchè cresce con noi. L'unico inconveniente della nostra "giovane" età è l'assenza di esperienza, che lentamente si stà costruendo sul campo, come è giusto che sia.

Sporcarsi le mani: gran parte del lavoro è fatto da voi, dagli artwork alle grafiche, all’assemblamento. Come nasce ogni progetto? Quanto fa sentire vivi prendere parte a una propria passione e contribuire alla sua creazione?

S - Difficile descrivere un modus operandi generale. Non essendo professionisti del settore, o meglio, non essendo professionisti di nessun settore, ci limitiamo a giocare. Il tutto si sviluppa un po' per caso, un po' ragionando a freddo con i gruppi, tra di noi. La cosa abbastanza divertente è che nulla è deciso né definito fino alla fine perchè ogni santa volta succede sempre qualcosa che ti fa rimescolare le carte in tavola. E allora devi inventarti qualcosa per risolvere i problemi, fondamentale quindi il lavoro di squadra e l'aiuto di tutti. Penso sia proprio questo ciò che ti fa sentire realmente parte di un progetto.

Ambiente: negli ultimi lavori di Up There the Clouds e Corpoparassita/Dyskinesia avete donato particolare attenzione al rapporto prodotto-ambiente, focalizzando l’attenzione sulla necessità di unire musica e sensibilizzazione, ad esempio verso la questione del sughero. Come nasce la ricerca dei materiali e l’input verso un certa tematica?

S & M - Come ogni progetto, non c'è un piano stabilito a tavolino. Siamo persone abbastanza curiose e interessate al mondo nella sua diversità. Ci piace guardarci attorno, scoprire e provare cose nuove. Questo aspetto si riflette nella vita di ogni giorno, per questo capita di incappare in problemi e tematiche che tentiamo di metabolizzare, in modo da darci da fare nel nostro piccolo. Siamo abbastanza realisti, non abbiamo sogni di gloria né intenti rivoluzionari, pensiamo semplicemente che ognuno debba fare la propria parte, tutto qui. Pensiamo la musica debba comunicare qualcosa, ci sembra un mezzo perfetto. Può comunicare emozioni, sentimenti, sensazioni e idee. E la comunicazione non si deve fermare solo alla musica, deve uscire dal supporto ed avvolgere tutta la confezione. Amiamo vedere i dischi nella loro totalità. Noi ci preoccupiamo del "contorno", di tutto ciò che accompagnerà la musica, al resto ci pensano i gruppi.

I gruppi presenti sotto la vostra ala cominciano ad essere molti e assolutamente eterogenei. Riuscite voi a tracciare un punto in comune tra tutti?

S - La voglia di dire qualcosa, in qualsiasi forma o modo. Ci piace chi tenta nuove strade, chi si mette in discussione, chi sbaglia e poi paga le conseguenze, chi è ancora capace di sorridere o piangere o incazzarsi, chi sa dare il giusto valore alle parole, chi viene sempre male in fotografia.

M - Non esiste una congiunzione reale tra loro, ci hanno solo catturato, ognuno a modo suo

Di recente avete organizzato il Mag Mell Fest, potete raccontarci come è andata?

M - Il Mag Mell è stato un po' un modo per metterci alla prova, essendo il primo evento a cui abbiamo partecipato seriamente come organizzatori. La cosa è nata con la proposta, da noi felicemente accettata, di Mike (Hypershape Records, Viscera///...) che già stava iniziando a prender accordi con i ragazzi della Rebel Kid. Saltando direttamente alle conclusioni si può dire che i risultati di mesi di impegno da parte di tutti e tre sono stati ripagati con due belle serate, insomma, energie ben investite. Unica nota è che nonostante ci sia stato un buon afflusso di pubblico, da questo punto di vista, si poteva far di più.

Ci sono altre sensibilità (giusto per non chiamarle etichette) alle quali vi sentite vicini o dalle quali avete preso qualche spunto?

S - Sinceramente sono in difficoltà a rispondere ad una domanda del genere. Strada facendo abbiamo conosciuto molti altri ragazzi di altre etichette e distro, con cui abbiamo condiviso serate, mail e abbracci, ci sentiamo vicini a tutti loro, inutile stare qui a fare nomi o indicare col dito (mia mamma ha sempre detto che è maleducazione!). Una cosa che ci fa veramente piacere notare è che anni fa eravamo i più "giovani" a fare una cosa del genere, oggi ci sono altri nostri coetanei a farci compagnia. Largo ai giovani, morte ai vecchiacci.

M - Ad esser sincera, non riesco a pensare a nessuna influenza in particolare, specie dal nostro stesso "ambiente". Credo che i maggiori spunti provenienti dall'esterno provengano da elaborazione di discorsi, un po' alticci, fatti con amici vari, altrettanto alticci.

Qualche domanda specifica sul vostro ultimo lavoro, ovvero lo split tra Corpoparassita e Dyskinesia. Come mai la scelta di far flirtare queste due band all’apparenza così distanti musicalmente? La scelta di alternare una traccia per artista è spontanea o frutto del caso? Per la prima volta avete anche creato una t-shirt, inizierete anche con il merch quindi?

M - Diciamo che non è merito nostro, le due band ci hanno proposto l'idea e noi non potevam far altro che accettare di buon grado, vista la stima che abbiamo per entrambi i progetti! Lo stesso vale per le tracce, un'idea molto interessante aggiungerei.

S - Abbiamo avuto la necessità di imparare a serigrafare in poche settimane per avere pronti i dischi (la bustina dello split è infatti serigrafata), di conseguenza abbiamo provato a fare una serie molto limitata di magliette. Sicuramente la serigrafia è una tecnica che ci affascina morbosamente e stiamo già pensando ai mille usi che ne potrebbero derivare. Nella nostra mente vogliamo tentare di curare il merch dei gruppi, magari proponendo cose particolari e strane. Vedremo...

Siamo quasi alla fine. State già decidendo come muovervi in futuro e quali sono i progetti in ballo?

M & S - In questo periodo stiamo lavorando all'uscita di un progetto molto particolare che vede i Viscera/// alle prese con la colonna sonora per un cortometraggio di animazione. Il tutto uscirà in dvd limitato con allegato cd, contenente la colonna sonora e remix di canzoni dei Viscera/// di precedenti dischi, in collaborazione con GrindPromotion. Poi per l'inizio dell'estate è pianificata l'uscita del primo lavoro dei nostri amici Block! Antonius Block! da Milano, anche qui artwork e packaging curati totalmente da noi. Nel frattempo aspettiamo novità dal fronte fronte O (ex-Deprogrammazione) per quanto riguarda lo split con gli Hungry Like Rakovitz e pensiamo all'organizzazione stessa della Frohike. Se tutto va bene, in autunno torneremo con grosse sorprese.

Una domanda personale: quali sono i libri sul comodino e i dischi nel lettore/giradischi in questo periodo?

S - Come libri, sto leggendo "Considera l'aragosta" di Wallace e dovrei rileggere "Tokyo blues norwegian wood" di Murakami, cosa che rimando da mesi ma giuro che farò al più presto. Dischi... mmm nell'ultimo periodo sto ascoltando tanto i Distanti, Massimo Volume, Bon Iver, Sylvester Anfang (che tra l'altro ho scoperto grazie a NeuroPrison!) e mi sono da pochissimo innamorato del nuovo dei 65daysofstatic. Nei mesi passati ho ascoltato tanto black metal, facendo finta di essere depresso, ma ora ho smesso, giuro!

M - Tra le letture: Il cinema secondo Hitchcock (F. Truffault) e La pubblicità (G. Fabris), entrambe amate seppur obbligate dai doveri accademici, gli ascolti sono decisamente più svariati, da Lili Refrain (grandissima anche nei live, per altro) ai Thrones, ma di fisso direi The queen is dead - The Smiths e We were exploding anyway - 65daysofstatic.

Con questo è tutto ragazzi, a nome di Neuroprison un grande in bocca al lupo. Come da tradizione, chiudete pure come volete.

S - Grazie a NeuroPrison per l'interesse, lo spazio e il tempo dedicato a noi! A tutti gli altri, fate l'amore, comprate i dischi e andate ai concerti (meglio se fate tutt'e tre le cose nella stessa serata, l'ordine decidetelo voi).

M - Null'altro da aggiungere al mio collega, amen.

Neuros

DEAD MEADOW @ Vinile 45 (Brescia)

2010-05-13T17:46:00.004+02:00

08/05/2010

Il tour del trio statunitense campione dell'hard rock neo-psichedelico in supporto a “Three Kings", nuovo live album dalla band, conclude la sua calata in Italia con la data bresciana al Vinile 45, locale piccolo e raccolto che fa presagire (e l'impressione sarà rispettata) uno show molto intenso e coinvolgente. Le porte si aprono alle 23 (un pò tardi a dire il vero) con un gruppo locale di cui non ricordo il nome quasi pronto a scaldare l'ambiente....oddio scaldare è una parola grossa ma tutto sommato il tempo a loro disposizione non è stato così insopportabile e poi l'ingresso era gratuito sicchè.

Durante il cambio palco i nostri eroi iniziano a creare l'atmosfera sparando un bel pò di fumo in giro e noi di Neuroprison già pronti in prima fila lo respiriamo a pieni polmoni, olè. E' il bassista Steve Kille ad occuparsi di ciò, peccato (o per fortuna) che durante la loro performance non abbiano pensato ad un sostituto per tale compito dato che in combinazione con gli effetti luce avrebbe creato un'atmosfera ancor più psichedelica, vabbè tanto io mi sono tirato scemo nel seguire la luce stroboscopica posta nella cassa della batteria pestata a dovere da Stephen McCarty, la cui presenza scenica e performance valgono da sole la visione del concerto (spettacolare e d'altri tempi il suo stile ed il suo breve assolo sul finire dello show).
Per un'ora e quaranta abbondanti incluso bis la musica dei Dead Meadow in bilico tra stoner, folk, blues e psichedelia spinta rapisce il numeroso pubblico accolto, per altro molto partecipe alla festa che i nostri tre eroi hanno deciso di regalarci...Jason Simon, ragazzo timido ma dio della chitarra apprezza e ringrazia più volte ricordando che questa è l'ultima loro data in Italia a che qui da noi se la sono spassata, buon per loro.
La scaletta è ovviamente orientata sui pezzi di "Three Kings" pescando a piene mani nel repertorio migliore del gruppo, ed in particolare meritano citazione Everything’s Going’ On, Let It All Pass, I'm gone, la ballata folk elettrica At Her Open Door, l’hard blues solenne e possente di That Old Temple e la cavalcata di The Narrows.

Il livello di alchimia raggiunto dalla band è clamoroso, spesso i brani proposti diventano irriconoscibili tanto vengono dilatati ed uniti in jam session di raro gusto, passione e precisione esecutiva, si vede e si sente che è gente completamente immersa nella propria musica... la buona acustica del locale poi aiuta non poco nel rendere giustizia al suono dei valvolari Orange, noti per il calore e la ricchezza timbrica.
Peccato davvero per chi non ha potuto presenziare, in una parola...totali.

Edvard

CORPOPARASSITA / DYSKINESIA - Split

2010-05-10T15:38:00.002+02:00

Tracklist:
1. Concetto falsificato di dio (Corpoparassita)
2. Ipogeo (Dyskinesia)
3. Cruentatio (Corpoparassita)
4. La formica di Langton (Dyskinesia)
5. Purgare la roba infetta e sospetta (Corpoparassita)

La Frohike ti offre l’ aftermath di lusso: basterebbero queste poche semplici parole a sintetizzare la nuova uscita della label, che a questa tornata vede flirtare Dyskinesia e Corpoparassita.
Nonostante la proposta di entrambi sia differente anche se con alcuni punti di contatto, sono le intenzioni a essere gemelle, l’attitudine cinematografica di cui sono impregnate le note. Il duo Corpoparassita, capace di allargarsi all’occorrenza sia in studio che dal vivo, è ormai da anni che mette in scena musica difficilmente catalogabile, se non con le sterili definizioni di dark-ambient o noise, perché il risultato si spinge oltre, confezionando anche questa volta tre piccole colonne sonore orrorifiche, dalle sfumature in bilico tra le varie tonalità di grigio, dove textures di sottofondo si uniscono a clangori e silenzi, vuoti che influenzano l’immaginazione e portano lontano, nella cornice di un ipotetico Calvaire e nei suoi boschi, dove a stento la luce riesce filtrare.
Ed è proprio ai boschi, agli alberi, in particolar modo alle sugherete che è dedicato lo split, per sensibilizzare sul questo patrimonio verde a rischio in tutto il bacino del Mediterraneo, per l’evoluzione nevrotica dell’industria del tappo, ormai sempre più legata alla plastica, un fattore che porterebbe all’abbandono del raccolto stagionale e in meticoloso per porzioni di corteccia, cosicché gli ettari boschivi, ormai inutili, corrono il rischio di essere abbattuti e con loro tutto il microsistema; per questo motivo il supporto del disco è composto da un quadrato di sughero inciso a fuoco, abbinato a un quadrato di carta riciclata e uno di stoffa serigrafato dalle tinte grigio-viola a racchiudere il tutto: ancora una volta un grandissimo lavoro.
La scelta di alternare una traccia per gruppo si rivela vincente, e ci pensano i Dyskinesia a riempire i vuoti lasciati da Corpoparassita, calcando la mano sull’aspetto fisico della loro proposta come nel finale di Ipogeo, mantra noise-doom che li vede ormai tra i migliori in questa venefica combinazione, ma l’archibugio esaltante sono gli undici minuti de La Formica di Langton, dove fanno prepotentemente capolino richiami al jazz, imbastardito da feedback e predisposizioni da colonna sonora, spingendo un gradino oltre la loro già validissima proposta, confermandoli tra i migliori e originali act di casa nostra.
Tutto questo in un tondo che all’interno contiene rumore, cullato dentro un bozzolo di passione.

Neuros

MOUSE ON THE KEYS - An Anxious Object

2010-04-20T17:13:00.002+02:00

Tracklist
01. Completed Nihilism
02. Spectres De Mouse
03. Seiren
04. Dirty Realism
05. Forgotten Children
06. Unflexible Grids
07. Double Bind
08. Soil
09. Ouroboros

La Denovali non sbaglia un colpo.
Ci sono etichette discografiche che proprio non riescono a sbagliare un’uscita, e l’etichetta tedesca è una di queste, un catalogo vastissimo e vario al cui interno fortunatamente trova posto questo meraviglioso gruppo giapponese. I Mouse on the Keys, che dopo un primo Ep dal titolo “Sezession” tornano con un full veramente spettacolare.
“An anxious object” ovvero un misto di jazz e “post” che crea atmosfere a dir poco fenomenali, con una sezione ritmica (batteria uber alles!!) favolosa.
Un disco orgasmico, in cinque/sei ascolti diventa una droga, liquido e fluente come fosse acqua, ma pregno di significato come si trattasse del vino più pregiato.
Difficile inquadrare una recensione quando si parla di un album come questo perchè non vi è solo musica ma arte pura. Non basta essere bravi musicisti per concepire un'opera così, bisogna avere sensibilità e doti che vanno al di là della tecnica perchè l’espressionismo che ogni singola traccia esprime è unico.
Jazz si diceva, mischiato a generi che solitamente ritrovano posto in categorie molto meno “formali”, eppure i nostri nipponici sanno creare quello che non ti aspetti.
Rispetto al passato i Mouse on the Keys aggiungono parti di fiati che inducono a sperare in un definitivo inserimento di questi strumenti all’interno della line-up.
Poche volte mi è capitato di rimanere così affascinato da un batterista come nel caso del nostro Akira Kawasaki, a dir poco un genio, con la capacità di mantenere amalgamati tutti gli strumenti che si alternano creando un unica struttura sonora praticamente perfetta.
Potrebbe apparire un disco difficile per chi solitamente non frequenta il jazz o comunque sonorità “colte” invece sa farsi ascoltare da tutti, insegnandoci che quando la musica è bella niente diventa di difficile ascolto. Plausi enormi ai Mouse on the Keys dunque ma anche alla Denovali, che dal Giappone con furore porta alla luce un disco immenso.

PostNero.

UNAWARE - Escape from Gaia

2010-04-20T16:59:00.003+02:00

Tracklist
01. The Law of Attraction
02. Leeches
03. The Opposite Side
04. Diorama
05. Escape from Gaia

A volte è proprio un peccato non poter essere blasfemi nelle recensioni pubbliche, perchè ascoltare questo primo Ep autoprodotto degli Unaware istiga proprio alla blasfemia.
Chitarroni belli pesanti e metallici, ritmiche forsennate che sprigionano spigolosità non da poco e un cantato violtentissimo, sono questi gli ingredienti per questo “Escape from Gaia”.
Da Pescara giunge questo post-core che ci fa ben sperare per il panorama underground, band così danno respiro a chi la musica la vive come una forma di espressione, come un catalizzatore di emozioni, a volte contrastanti.
Non inventano niente gli Unaware, ma non sono nemmeno mera copia di qualcosa di già sentito e questo Ep è la base su cui poter lavorare con calma verso lidi sicuramente più personali ed ancor meglio strutturati.
Quello che più spicca a mio avviso è la prestazione vocale, potentissima e maligna al punto giusto, un misto fra rabbia e dolore, oscurità e indefinito.
Scorre bene “Escape from Gaia”, si viaggia da una traccia all’altra senza aver modo di respirare, è un flusso che scivola via lasciandosi alle spalle una polvere nera che obnubila un po’ tutto. Uomo Vs Natura, tema che inequivocabilmente porta quest’ultima a disintegrare il suo avversario.
La band c’è, le idee anche, bisogna semplicemente riuscire a slegarsi un po’ da quei nomi grossi che vengono in mente dopo pochi ascolti ed il futuro della band potrebbe essere davvero roseo, è tutto nelle loro mani e nella capacità di saper giocare con i suoni e le idee, per il momento senza dubbio un promettente inizio!

PostNero.

Unaware @ MySpace

Thrones + Nadja + OvO @ Milk Club, Genova

2010-04-19T16:40:00.004+02:00

13/04/2010

Appuntamento veramente interessante per tutti gli amanti di certe sonorità loud, sonorità forse fin troppo abusate ultimamente, ma qua non stiamo parlando di ragazzini ma di maestri, gente che milita nelle prime file da diversi anni, il tutto contornato da una location tipica del posto: club piccino situato su una stretta strada sul mare, praticamente in pieno centro abitato. Senza tener conto dell'orario pubblicizzato (che ormai è una legge in Italia), partono per primi gli OvO (freschi freschi di collaborazione con i prossimi Nadja) con un set ben diverso dall'ultimo show che vidi nel 2008, molto più coinciso ma altrettanto d'effetto. Il duo si presenta mascherato, Dorella terrificante in canotta e maschera da wrestling, tante onde ultra basse e tanti rituali (Sunn O)))?). Dopo neanche venti minuti dalla fine salgono i canadesi Nadja, di nuovo un duo uomo/donna (mooolto meno terrificanti), ma con un approccio ben diverso: il live è composto da un singolo brano in pieno stile Aidan, ovvero chitarre psichedeliche, basso in sottofondo, basi di batteria ultra doom (comandate da un iPod!) e una montagna di effetti che scuotono l'aria. Il suono, che pare estremamente compatto, prende l'ascoltatore per la mente facendolo ''viaggiare'', quasi costringendo ad immaginare quel fluido di suoni e forse banalmente sopperendo alla mancanza di video proiettati.
Senza farsi aspettare troppo sale sul palchetto l'ormai non più tanto giovane Joe Preston, storico bassista di band come Melvins, Earth e High On Fire (per dirne tre a caso), con il suo progetto solista Thrones. Il set è composto da una prima parte molto ''rock'' (con pezzi di Sperm Whale), una parte centrale molto più riflessiva alla Earth (come potrete sentire nel video pubblicato sotto), tornando a pezzi più suonati nella terza parte. Un live piacevole ma che, al contrario dei primi due, alla lunga ha annoiato, forse con qualche brano in meno sarebbe stato tutto più scorrevole.
Esco dal locale orgoglioso di aver visto due tra le band più importanti del genere (quale genere?) ma altrettanto triste nel venire a sapere che eravamo gli unici due ''forestieri'' (contando un pubblico di circa 80 persone).

James "Sawyer" Ford

ONE STARVING DAY - Atlas Coelestis

2010-04-14T16:07:00.003+02:00

Tracklist:
1. Meridians
2. The Drift of Andromeda
3. Black:Black
4. Descending Orion
5. An Evil Light
6. Disclosure/Radiance
7. Aurora
8. Atlas Coelestis

È ora famelica, l'ora tua, matto. / Strappati il cuore. / Sa il suo sangue di sale / E sa d'agro, è dolciastro essendo sangue. / Lo fanno, tanti pianti, / Sempre più saporito, il tuo cuore. / Frutto di tanti pianti, quel tuo cuore, / Strappatelo, mangiatelo, saziati.
Da queste righe di Ungaretti è tratto il nome degli One Starving Day, dal primo verso in particolare, lasciando comunque agli altri l’immaginario di disperazione e redenzione nel quale si muove il gruppo napoletano.
Una storia travagliata la loro, attivi dalla seconda metà degli anni ’90, hanno pubblicato il loro primo album a cavallo tra il 2005/6, hanno partecipato ad alcune compilation (Emo Diaries, NeuroPrison) e di pochi mesi fa l’uscità del nuovo disco: Atlas Coelestis. Pronto da almeno un anno, l’album è uscito per Beta-Lactam Ring Records e in versione vinilica per Narshardaa Records, mai come in questo caso però l’attesa non è stata troppo dolorosa, ma ha contribuito a far crescere le aspettative di chi ha riservato loro un posto speciale dopo le già grandi cose udite in Brokeng Wings Lead Arms to the Sun.
Lungi dall’infotainment e dalle sui tentacoli sensazionalistici, si può tranquillamente affermare che Atlas Coelestis sia un lavoro di una qualità purissima, un gioiello grezzo capace di oscurare monili più lavorati e rifiniti; le parole di Pasquale (Foresti, chitarrista) e l’anteprima di An Evil Light hanno trovato conferma tra le note spaziali del nuovo album, che trova il suo filo conduttore nelle stelle e nell’argento del precedente disco per trovare nuova veste e raggiungere spazi siderali, si spinge di molti gradini più avanti di quanto è lecito aspettarsi, tracciando nuovi orizzonti e sfiorando quelle stelle che al momento della nostra visione sono già morte.
Senza dimenticare la componente doom da sempre caratteristica del combo, ammirando nuovamente una crisalide di arterie hardcore che sono reminiscenza del passato mai dimenticato, l’anima di Atlas Coelestis trae nuova linfa dal passato, questa volta in maniera definitiva, immergendosi nell’ambiente teutonico dei primi anni ’70, chiamato per convenzione kraut-rock, e fondendolo con le esperienze precedenti, estremizzandolo nel senso più puro del termine, rendendolo feroce, famelico.
Dall’intro Meridians si respira aria vintage e cosmica, con la mano di Froese su una spalla a guidare la via astrale nel solco dei Tangerine Dream, omaggiati in questo caso nel loro periodo di mezzo, post-Atem per intendersi, parentesi elettronica che si stacca dalla terra per approdare su The Drift of Andromeda, dove fanno capolino i tempi quadrati e oppressivi dei primi Swans e le aperture più ariose dei Godspeed You!Black Emperor, con i violini affidati ad Andy Nice incastonati tra suoni di organo e harmonium.
Black:Black gioca sulle atmosfere più sfumate dei primi Popol Vuh e arricchisce il tutto con un prezioso solo di sax, suonato in questa sede da Mario Gabola, un anfratto che sa di romanticismo e disperazione, di lacrime trasportate da venti più terrestri che spaziali.
Atmosfere zigane e ruggiti hardcore si tingono di nero in An Evil Light, sprofondando nell’universo senza speranza di Disclosure/Radiance, dove tra gli astri fanno capolino riff dal sapore black metal che si spengono nei clangori sinistri di Aurora, una rivisitazione in chiave moderna degli incubi metallici dei Cluster, il tutto incastonato tra le parentesi elettroniche e solari di Descending Orion e della conclusiva Atlas Coelestis, segno che la redenzione e la speranza sono la meta finale del viaggio compiuto dagli One Starving Day, dove il ruolo purificatrice dell’argento viene sostituito dalla polvere di stelle, sempre presenti nell’immaginario del gruppo e nei testi, in questa sede valorizzate più che mai insieme alla cornice galattica dell’artwork cartonato.
Avere punti di riferimento è sempre stato un passaggio obbligatorio per chiunque, ma una veste così liquida e rarefatta non la hanno mai avuta neanche i Neurosis, e da queste parti non si era mai sentita. Un lavoro spaziale, in tutti i sensi.

Neuros

One Starving Day @ MySpace

THREE STEPS TO THE OCEAN

2010-04-10T16:29:00.002+02:00

Ciao ragazzi, partiamo parlando dei passi che vi hanno portato alla realizzazione di "until today becomes yesterday". Siete soddisfatti del risultato finale?

Sì, siamo molto soddisfatti. Ma la nostra soddisfazione è contestualizzata al periodo in cui l’abbiamo registrato, Marzo e Aprile del 2009. Oggi sicuramente lo rifaremmo diverso. Tra un anno ne avremmo una nuova ulteriore variante.

Come siete entrati in contatto con James Plotkin, autore del mastering del disco? Ci ha messo molto del suo oppure è stato semplicemente un lavoro di rifinitura data che i pezzi avevano già una resa e delle dinamiche ben definite?

La label americana che ci aveva prodotto il nostro primo EP in vinile ci ha consigliato di rivolgerci a lui per il mastering del disco. L’abbiamo contattato e si è subito reso disponibile, prestando la sua professionalità, rispettando scadenze e nostre volontà. Il nostro budget per il mastering era piuttosto limitato ed inoltre non volevamo stravolgere con compressioni eccessive e snaturanti le dinamiche che avevamo cercato di curare nei dettagli in fase di registrazione e mix. Il disco non suona fortissimo, ma che diavolo, ogni lettore ha un dispositivo per alzare il volume, mi pare.
James ha rispettato ognuno di questi aspetti, direi che c’è anche una sua impronta nell’album, seppur non così definita o profonda come ci si potrebbe aspettare.

Com'è avvenuto il contatto con la Frohike Records e a che punto stanno le cose per quanto riguarda la Forgotten Empire?

Con Forgotten Empire è morto ogni rapporto. Avessimo aspettato loro, l’album non sarebbe ancora uscito e saremmo ancora qui col master in mano. Tergiversare è uno sport che non ci piace ed avere a che fare con persone che tergiversano idem.
Riguardo Frohike, tutto il contrario. Poche parole chiare e schiette. Un giorno ci ha scritto un’email Marta chiedendoci di spedire loro delle copie dell’EP per la loro distro. Quando ho scoperto che abitavano a 5 km da casa mia gli ho detto che potevano venire a prendersele. Ci siamo conosciuti così. Speriamo di fare qualcosa con loro anche nel futuro.

Rispetto all'ep siete maturati moltissimo sotto ogni punto di vista, raggiungendo una perfetta alchimia sonora tra i vari elementi in gioco, immagino che il processo di songwriting dei pezzi sia stato molto lungo e minuzioso...

Più che altro, direi che è stato frammentato. Il disco nasce in due anni in cui abbiamo fatto un sacco di concerti, in cui ci siamo trovati due volte senza sala prove e in cui non siamo quasi mai riusciti ad avere una certa continuità nel provare. Noi quattro avvertiamo chiaramente questa frammentarietà nel disco, non sappiamo se lo stesso avvenga per l’ascoltatore.
L’alchimia sonora di cui parli deriva invece da un nostro approccio compositivo direi quasi “democratico” da un lato e ficcanaso dall’altro. Democratico perché ci dà reciprocamente fastidio che dei suoni primeggino a caso su degli altri, ci piace la compattezza timbrica (che non è necessariamente sinonimo di pesantezza). Ficcanaso perché ci ascoltiamo molto e siamo sempre pronti a romperci le palle vicendevolmente su quello che suoniamo. Non siamo un gruppo che impiega due prove a scrivere un pezzo, ecco.

Anche dal punto di vista dei suoni utilizzati i progressi sono molto evidenti, avete cambiato radicalmente strumentazione vero?

Sì, è cambiata quasi per intero. Sono cambiati ampli, casse, pedali, il basso. Un po’ di tutto insomma. Ci abbiamo speso parecchio tempo e parecchi soldi, ponendoci sempre l’obiettivo di un suono diretto, grosso, ma sempre chiaro e pieno sia sui puliti che sui distorti. La ricerca del suono giusto è comunque appena incominciata e continuerà a lungo. La G.A.S. è ancora solo in incubazione.

Particolare attenzione è stata rivolta alla componente elettronica, decisamente più presente e decisiva nell'economia del vostro sound rispetto al passato ma allo stesso tempo mai invadente o fuori posto....

Abbiamo sempre riservato all’elettronica uguale dignità e importanza rispetto a quella che diamo a chitarra e basso, complice l’equilibrio timbrico che cerchiamo sempre di avere. Aggiungiamoci anche quel nostro metodo compositivo “democratico” di cui parlavamo sopra. Il risultato è che l’elettronica si sente sempre forte e chiara. Talvolta diventa addirittura struttura portante di un pezzo (“Il Quinto Giorno” o “It’s a minute, maybe more, since I could see”). Le possibilità di utilizzo di un computer e un paio di synth sono davvero infinite. Stiamo cercando strade nuove con la strumentazione che al momento possiamo permetterci.

Veniamo all'interessante concept che si cela dietro le trame sonore del disco, fatecene pure un riassunto e quanto ciò ha influenzato la stesura dei brani?

Non ha influenzato in alcun modo la stesura dei brani, in realtà. E’ un percorso “letterario” (mi si passi il termine altisonante) che è stato portato avanti quasi parallelamente a quello musicale.
All’interno del digipack si parla di un personaggio dai tratti incerti che si muove, fisicamente e col pensiero, a cavallo della linea del cambio di data: le isole Diomede, per l’appunto, sono un piccolo arcipelago le cui isole maggiori (una americana, l’altra russa) sono separate da questa linea effettivamente immaginaria ma che scandisce il ritmo dei giorni di ciascuno di noi. Questo personaggio, ferito e isolato, dall’isola est vuole tornare all’isola ovest, cercando quindi paradossalmente di tornare a ieri, varcando il confine temporale ma anche spaziale e culturale.

Siete una band strumentale dal notevole potenziale espressivo, pensate che questa sia la vostra dimensione più consona o vi è anche solo una remota possibilità che in futuro possiate sentire la necessità di aggiungere delle parti vocali o magari dei campionamenti?

C’è sicuramente la possibilità di mettere in futuro delle parti vocali. Finora non ne abbiamo semplicemente sentito la necessità. Ma non c’è nessuna preclusione aprioristica sull’utilizzo di un cantante, potrebbe benissimo succedere. Tendiamo ad escludere invece campionamenti vari, per il momento.
Il piacere di essere strumentali rimane comunque forte e credo che se decidessimo mai di introdurre un cantante sarebbe una bella mazzata per quello che al momento è il nostro metodo compositivo.

Siete appena tornati dal vostro tour europeo, come è stata la risposta del pubblico e quali sono le vostre sensazioni al riguardo?

Per quella che è la nostra esperienza, suonare all’estero è mediamente più bello rispetto a suonare in Italia. E’ una litania che si sente spesso, ma è davvero così, almeno per noi. Più bello vuol dire che c’è più attenzione, più interesse, più voglia di starsene lì in piedi a sentire ciò che viene fatto sul palco. Il live non è un momento marginale di una serata il cui fulcro è un djset. E’ il momento centrale della serata di un locale/centro sociale/centro giovanile/etc, quello per cui si esce di casa.
La risposta è sempre stata ottima, anche ai concerti del lunedì sera con 20 persone. E come musicista, sei (quasi – ovviamente esistono eccezioni negative) sempre trattato con dignità e rispetto. Sembra che si debba andare oltreconfine per veder cambiare il mondo.

Cosa vi riserva il futuro, in particolare per quanto riguarda nuove composizioni?

E’ ancora presto per poterlo dire. Non perché vogliamo tenere segreti, ma più che altro perché abbiamo ancora troppo poco materiale nuovo per spiegare a parole quale potrebbe essere una qualsiasi direzione. Quel che è certo, è che qualsiasi cosa nuova non sarà il clone né dell’EP né di “Until today becomes yesterday”.
Riguardo tutto il resto, stiamo cercando di suonare live il più possibile. Abbiamo un po’ di date tra Aprile e Maggio, in Lombardia e non solo. Più avanti ci piacerebbe anche mettere l’album su vinile.

E' tutto, grazie mille per il tempo a noi dedicato ed un saluto da tutto lo staff di Neuroprison!

Grazie a voi, complimenti per la quantità abnorme di informazioni che il forum contiene.

-Edvard-

PLASMA EXPANDER

2010-04-07T14:46:00.001+02:00

A pochi mesi dall'uscita di Kimidanzeigen, secondo disco dei Plasma Expander, abbiamo contattato Fabio, chitarrista della band, per vedere cosa bolle in pentola e approfondire la situazione musicale in Sardegna.

Ciao Fabio e benvenuto sulle pagine di Neuroprison! Sono passati più di due anni dal disco d’esordio e sappiamo che ci sono stati dei cambiamenti nella line-up della band, di conseguenza tante novità. Puoi raccontarci del periodo che ha portato a Kimidanzeigen?

Beh, mica facile rispondere in due righe ma ci proviamo. Intorno alla fine del 2005, appena dopo la registrazione del primo disco (uscito a fine 2006 con Here I Stay e Wallace) Stefano Podda, membro originario della band, ha lasciato la Sardegna per andare a vivere a Londra. Da allora la strada dei Plasma Expander è stata sempre un po’ in salita…Non era facile trovare un sostituto, sia dal punto di vista musicale (si era fatta molta fatica e molta strada per definire il suono e l’estetica del gruppo) sia a livello umano e l’affiatamento sotto questo aspetto è spesso una condizione necessaria alla creatività musicale. Abbiamo suonato un po’ di volte live con la stessa formazione ma nel frattempo io e Andrea Siddu (batteria) abbiamo provato diversi esperimenti (tra cui anche un’ipotesi di duo) che però non hanno mai sortito gli effetti sperati. Finalmente a metà 2007, spinti dalla necessità di una scadenza a breve (il concerto al secondo Here I Stay Festival) abbiamo deciso di proporre ad un baldanzoso giovine che per preservare l’anonimato chiameremo “Luca Muntoni” (tra l’altro ottimo batterista) di entrare a far parte della nostra band. Lui ha accettato di buon grado e il risultato è stato un buon periodo di creatività e circa metà dei pezzi di Kimidanzeigen sono nati dalla collaborazione con Luca. Per diversi motivi, tuttavia, anche questa collaborazione si è conclusa, e ancora una volta alla vigilia del nuovo Here I Stay Festival! È stato quello in momento in cui, con appena 2 settimane di prove, la chitarra baritono è stata imbracciata da Marcello Pisanu (Golfclvb, the Oops) che oramai da più di 1 anno e mezzo è membro stabile della band.
Con lui abbiamo suonato parecchio dal vivo (circa 40 concerti), abbiamo ridefinito il nostro suono (ora molto più granitico) e abbiamo portato a termine il lavoro intrapreso con Luca per le composizioni che sono entrate a far parte di Kimidanzeigen.
Sempre a proposito della nostra line-up, come non spendere due parole a proposito del nostro quarto uomo nonché giovane rampollo proprietario illuminato della nostra saletta? Enrico Rocca era originariamente stato assunto come autista di Doblò, ma dopo ci siamo accorti che ci sapeva fare anche dietro il banco mixer cosicchè è diventato il nostro imprescindibile fonico nei live nonché il curatore del suono di Kimidanzeigen.

Com’è stata la gestazione di Kimidanzeigen? Alcune canzoni le presentavate da un po’ dal vivo, quindi sembra che il processo di songwriting non sia stato troppo continuo...

Appunto…La gestazione di Kimidanzeigen è ovviamente un riflesso della storia della band. Come già detto alcuni pezzi dell’album sono stati composti con un’altra formazione. Tuttavia, suonare questi pezzi dal vivo per tante volte ci ha portato a migliorarli lavorando sulle sfumature. Inoltre, l’ingresso di Marcello ha fatto sì che anche i pezzi composti con la precedente formazione suonassero ovviamente diversi perché personalizzati dal suo stile esecutivo.

Kimidanzeigen si propone sulla scia del primo omonimo album, contando però su alcune novità subito udibili: un suono se vogliamo più duro e corposo e allo stesso tempo le parti più sregolate, tipiche dei vostri live, emergono in tutta la loro ebbrezza, quasi a voler riproporre su disco l’attitudine che avete dal vivo. E’ così o c’è dell’altro?

Sin dalla nascita, i Plasma Expander si sono sempre caratterizzati come un gruppo live: suonare dal vivo è quel che ci piace fare di più. Da questo punto di vista, il primo disco (seppur caratterizzato da composizioni che ancor oggi ci piacciono molto), aveva un suono un po’ troppo sterile, pulitino e poco aggressivo. La nostra intenzione iniziale era quella di riprodurre, per quanto possibile, l’energia e l’atmosfera di “estasi cinetica” tipica dei live. Se questo è quello che passa allora siamo contenti.

Vi siete serviti di strumenti a fiato, come ad esempio in “Four Legs, e i risultati sono sicuramente buoni. Come è nata l’idea?

Mah, le motivazioni sono diverse. Per prima cosa, gli inserti del sax soprano di Valter Mascia su “Four Legs”, così come degli archi di Maria Teresa Sabato e di Gianluca Piachedda in “Horny M” e “Nose on Belly”, sono stati funzionali ai pezzi. Semplicemente, in alcuni frangenti le composizioni avevano bisogno, a nostro avviso, di un intervento esterno – una “voce”, più o meno melodica (come nel caso del sax) o una frase di accompagnamento (come nel caso degli archi) – per risultare più interessanti ed intriganti. In secondo luogo, ci piace pensare che musicisti esterni possano intervenire sui nostri pezzi interpretandoli a loro modo. Ancora, la presenza di interventi esterni contribuisce a differenziare il disco dal live. Infine, la formazione a tre ha molti pregi (soprattutto in termini di più immediata comunicazione tra musicisti) ma ha sicuramente il difetto che spesso non si riesce a fare tutto quello che si vuole o che viene in mente. Intendo non solo un problema di copertura di frequenze ma anche di “ruoli” degli strumenti: se, come capita spesso, decidiamo di lavorare insieme ed intensivamente sull’aspetto più ritmico del pezzo, talvolta si sente la mancanza di una “voce” (non necessariamente cantata) che in qualche modo suoni “sopra” il nostro tessuto ritmico. Ecco quindi che gli strumenti esterni diventano fondamentali.

Sananas è la montagna che si alza al centro del disco, sicuramente una delle canzoni più estreme del vostro repertorio, molto vicina al suono degli ultimi Morkobot addirittura. Sicuramente l’apertura sinistra e rumorosa ha contribuito a quell’alone insalubre che si respira. Vi ritrovate di più in questa dimensione o quando le forme si fanno più libere e meno oppressive?

Davvero trovi che Sananas sia estrema e oppressiva? Sì in effetti la prima parte può risultare un po’ claustrofobica ma tutto il finale ci suona sempre molto poco serioso e quasi ironico…Di sicuro è uno dei pezzi più divertenti da suonare. Per quanto riguarda il ritrovarci o meno in una certa dimensione, se la contrapposizione è “struttura” o “improvvisazione”, allora è verissimo che con questa nuova formazione, sia per le caratteristiche di Marcello sia per un nostro percorso, l’ago della bilancia punta decisamente sulla prima: di improvvisazione nel disco ce n’è veramente poca…Non sentiamo invece particolarmente rilevante la contrapposizione con riferimento ad altre caratteristiche espressive ed emozionali della musica (sinistra vs. gioiosa, malinconica vs. allegra): personalmente, prediligo situazioni musicali che siano o neutre o per le quali è difficile descrivere a parole l’emozione ad esse associate.

A leggere un po’ di recensioni per il web che vi riguardano, i termini più utilizzati sono sicuramente kraut-rock, math-rock, blues, post-rock, segno che le influenze siano tante e gli appigli dati all’ascoltatore pochi. In quale di queste vi ritrovate di più? Sempre che ve ne sia una sola ovviamente.

Credo che le recensioni non sbaglino quando chiamano in causa questi termini…Per quanto mi riguarda, il kraut-tedesco dei Neu e dei Can (con il famoso motorik beat), il math-rock dei Don Caballero e dei Colossamite, il no-blues di Captain Beefheart e il post-rock degli Slint sono senza dubbio punti di riferimento importanti della mia storia musicale e i loro dischi sono stati consumati dal mio lettore cd. Non saprei sinceramente dirti in cosa ci si ritrova di più: quando si suona gli ascolti vengono fuori naturalmente e non c’è mai stata un’occasione in cui ci siamo detti: “questo pezzo lo facciamo kraut” oppure in qualche altro modo. Il processo di composizione parte sempre da elementi che hanno molto poco a che fare con la sfera intenzionale.

A leggere alcuni titoli come Horny M., No Mustache o Sananas traspare una certa ironia, confermata anche nella parte finale di Nose on Belly. Senza trascurare il vostro abbigliamento live. E’ un fattore su cui puntate molto essendo una band strumentale?

Separiamo il discorso titoli dal discorso abbigliamento. Con riferimento ai primi, non vedo una particolare relazione tra la loro presunta ironia e la nostra carenza di un cantante. Non so se i titoli siano o meno ironici….se lo sono non ne siamo troppo consapevoli o comunque non ci badiamo troppo. Se i titoli sembrano ironici è probabilmente perché dietro ogni titolo di solito c’è una storia extra-musicale e spesso queste storie fanno ridere! Altro è il discorso del nostro abbigliamento live: in questo caso mi sento di poter dire che l’ironia non c’entra niente. Anche in questo caso la decisione è stata del tutto casuale e quando ci siamo accorti che funzionava (facendoci entrare più facilmente nel concerto e catturando più agevolmente l’attenzione dell’audience) abbiamo continuato. Ora come ora, suonare senza “maschera” non sarebbe per noi la stessa cosa. Da questo punto di vista probabilmente c’è una relazione con l’assenza di un front-man capace di mantenere viva l’attenzione del pubblico: la divisa, se è di un certo tipo, obbliga l’audience già da subito ad una certa attenzione suscitando una curiosità addizionale. Se poi l’effetto ulteriore è quello di renderci poco seriosi, anche questo ci va bene: tendenzialmente diffidiamo di chi si prende troppo sul serio.

Ancora una volta è salda la collaborazione con la Wallace Records e l’Here I Stay Records, ma per il nuovo disco c’è stato un contributo da parte di altre sei etichette tra le quali BarLaMuerte di Bruno Dorella (OvO, Ronin), Transponsonic, BrigaDisco, Burp, Bloody Sound e Valvolare. Come è si è sviluppata questa grande ammucchiata?

I motivi sono diversi. Innanzitutto si tratta di amici e di persone con le quali ci piace avere a che fare. Il disco dei Plasma Expander è stato appunto un modo per sancire questa collaborazione e questa stima reciproca. In secondo luogo, dato che i soldi non sono tanti, la syndacation è spesso l’unico modo per tirare fuori i soldi necessari per una produzione di un certo livello (i.e., proprio il contributo di tante etichette ha consentito la doppia uscita vinile/cd). In terzo luogo, dal punto di vista della promozione, è più facile che giri il nome se il disco è presente in 8 cataloghi anziché in 2.

Di recente siete stati in tour nel Centro-Nord Italia e nella penisola iberica. Che esperienza è stata?

Estremamente positiva, difficile da raccontare in poche righe. Tutto è andato per il verso giusto, l’accoglienza è stata ovunque fantastica e abbiamo conosciuto sempre persone meravigliose. Tieni conto che il tutto è stato fatto in assoluta autoproduzione, senza agenzie, senza finanziamenti, senza furgone (solo il nostro eroico Doblò che ci ha scarrozzato in 4 più il backline per quasi 10000 kilometri in 16 date), senza aiuti esterni se non quelli relativi alla rete di contatti ed amicizie di cui si diceva prima.

Provenienti dalla Sardegna, quante difficoltà ci sono per suonare fuori dall’isola? E soprattutto: com’è la situazione sul suolo natio, in particolar modo per suonare dal vivo?

Come si suol dire: grazie per darmi la possibilità di rispondere a queste domande. Le difficoltà per noi sono enormi e riguardano, ovviamente, i costi fissi in termini di denaro e di tempo. Ogni volta che ci si muove dobbiamo mettere in conto 3-400 euro di nave e 2 giorni di viaggio (e quindi 2 giorni di ferie in più dato che non siamo professionisti). Questi costi non devono essere sostenuti da una band che vive a Roma, a Bologna o a Milano. E’ ovvio che, di fronte a certi costi fissi, non possiamo permetterci di suonare fuori dalla Sardegna per meno di 3 o anche 4 date se vogliamo anche solo sperare di non perderci. E, ancora più ovviamente, non possiamo permetterci di organizzare delle date in giro per l’Italia ogni weekend (cosa che invece possono fare le band della Penisola). E’ ovvio che, in una situazione del genere, l’intervento opportuno da parte di amministrazioni locali lungimiranti dovrebbe essere quello di contribuire in qualche modo a coprire questi costi dato che la musica di qualità è cultura e la cultura fa bene a tutti. Peccato che, a me sembra così, i soldi pubblici vadano sempre e comunque sempre nella stessa direzione e in progetti musicali che con la qualità musicale hanno veramente ben poco a che fare. Non voglio parlare di chi questi soldi li intercetta (buon per loro), ma soprattutto di chi, nonostante gli indiscutibili meriti, non li ha mai intercettati. Esempio: il festival estivo dell’Here I Stay, nostra etichetta, si svolge da 4 anni in un ambiente stupendo, conosciuto ed apprezzato da molti sia nella Penisola che all’estero, più di 25 concerti in 3 giorni con campeggio e servizi gratuiti, atmosfera fantastica e musica di qualità, bed and breakfast sold out nel circondario, fantastica immagine della Sardegna per chi viene da fuori. Ebbene, mai un soldo pubblico. A quanto pare, la musica rock è ancora la musica del Diavolo in Sardegna e in Italia. Peccato che in altre realtà (Svizzera e Germania), i nostri colleghi si finanziano il tour con i soldi messi a disposizione dai governi. A questo punto immagino di aver finito lo spazio anche per la seconda domanda ma provo comunque a rispondere…La situazione nella nostra Penisola, sebbene non a livello di realtà come Germania, Belgio, Olanda ma anche Spagna e Portogallo, è comunque di gran lunga migliore rispetto a quella della nostra Regione: esistono degli ottimi locali a Roma, a Milano, a Firenze, ad Ancona, etc. Posti dove gli organizzatori sono appassionati, il pubblico interessato, i cachet dignitosi (sebbene appena sufficienti per coprire le spese) e, soprattutto, i palchi e le situazioni tecniche sono appropriate. Da questo punto di vista, è tristissimo rendersi conto che a Cagliari non esista un luogo che sia uno dove sia possibile far suonare nelle migliori condizioni band musicali di qualità. È ancora più triste rendersi conto che in tutta la Sardegna ci sia probabilmente un unico posto (lo Sleepwalkers di Guspini, guarda a caso la location abituale dell’HIS festival) dove i concerti live sono una priorità e dove l’atmosfera e le condizioni tecniche non hanno assolutamente nulla da invidiare ai migliori locali europei. Questa condizione di carenza nell’offerta musicale cozza clamorosamente con una domanda che c’è eccome: è difficile che un concerto che in qualche modo fa capo alla nostra scena vada “deserto” e quand’anche la nostra percezione è che ci sia poca gente (di solito sotto le 50 persone), l’audience è sicuramente superiore a quella media in una qualsiasi altra città della Penisola dove con 20-30 persone (interessate!) una band può ritenersi soddisfatta.

Tutti voi siete coinvolti in side-projects: Holy Carpenters, di cui il sottoscritto ricorda un drogatissimo set di spalla a Mattia Coletti, the Flying Sebadas e Golfclvb. Potete dirci se ci sono novità su questi fronti?

Credo che per ciascuno di noi, i side-projects ci consentano di esprimere la nostra parte musicale che non trova sfogo nei Plasma Expander. Per quanto mi riguarda, negli Holy Carpenters trovano spazio l’improvvisazione radicale, il free-jazz da orgia spirituale tipico dei coniugi Coltrane, di Ayler e di Pharoah Sanders, il minimalismo di Riley e Reich e soprattutto quella corrente di weird-avant-anti-folk che dagli Holy Modal Rounders e Incredible String Band porta fino ai Six Organs Admittance. Gli Holy Carpenters sono ancora in vita ma la loro attività è un po’ rallentata a causa di un lieto evento vale a dire la nascita di Lucio, un piccolo muratore sacro che ora come ora richiede ancora parecchie attenzioni…Una cosa è certa, ci divertiamo parecchio quindi prima o poi si ricomincerà. Per quanto riguarda Flying Sebadas, attualmente stanno lavorando al secondo disco e torneranno sulla scena questa estate. I Golfclvb, invece, si son presi un anno o qualche anno sabbatico a causa della trasferta lavorativa del batterista.

E soprattutto, cosa bolle in pentola per i Plasma Expander? Qualcosa di nuovo?

Sì. Il prossimo disco sarà totalmente privo di strumenti, solo le nostre voci a cappella.

Bene ragazzi, con questo è tutto, un grande in bocca al lupo da parte di Neuroprison, a voi l’onere di chiudere.

E allora crepi il lupo e mille grazie a Neuroprison! Vi lasciamo con un appello: non rinunciate ad ascoltare musica che a prima vista vi disturba o vi mette inquietudine perché spesso dietro questa inquietudine ci celano le porte di nuovi mondi e della rivoluzione delle coscienze. Boom!

Neuros

FIORELLA MANNAIA 2.1

2010-04-03T16:03:00.003+02:00

20 Aprile - Circolo Magnolia

Apertura cancelli: 21:30
Inizio spettacoli: 22:00
Ingresso: 10,00 euro + Tessera ARCI

Forse non ve lo ricordate più, ma tra i propositi per l'anno nuovo che avete strillato subito dopo la mezzanotte del 31 c'era anche il fatidico "devo ascoltare più metal". Il Magnolia vi aiuta a mantenere le sane promesse fatte con una due giorni in cui poter esser certi che nessuno dei presenti abbia televotato Valerio Scanu. Si parte con i brutali Eyehategod e i melviniani Totimoshi.

line up:
EYEHATEGOD [USA] (live)
TOTIMOSHI [USA] (live)
GHOST EMPIRE (live)
SOLOMACELLO (dj set)

BARONE DEL MALE FEST 2 @ CSOA Ex-Mattatoio

2010-04-02T16:07:00.002+02:00

06.03.2010 - Perugia

Sì il secondo appuntamento per festival del Barone del Male è stato una bomba. La location del CSOA Ex-Mattatoio ha per la seconda volta ospitato il festival patrocinato dalla webzine, e come al solito è stata una festa, una rimpatriata tra amici, tra band, tra utenti sparsi per l'etere e accomunati dalle stesse passioni.
Ad aprire la serata ci hanno pensato Il Capro, trio folignate dalla gran botta, pezzi semplici ma efficaci, un incrocio tra lo sludge/doom più moderno e atmosfere dark '70, grazie soprattutto al lavoro di synth, con un finale possente ed estremo grazie alla rilettura di una canzone da messa, ottima per creare l'alone di ombra e mistero. I tre non hanno ancora all'attivo alcun disco, ma sulla pagina myspace (www.myspace.com/elcapro) si possono sentire alcuni estratti dell'imminente lavoro in studio.

Bravi i Mondrian Oak (www.myspace.com/mondrianoak) che con il passare dei minuti si scaldavano sempre più, fino ad arrivare a un finale granitico come pochi, un quadro dove le canzoni contenute sul disco Through Early Seed rendono in misura ancora maggiore; belle anche le aperture più melodiche, i Celeste hanno apprezzato molto e il sottoscritto pure.

Per gli Storm{o} che dire? Spudoratamente di parte e non l'ho mai nascosto, non riuscirei a tracciare un giudizio obbiettivo, ma che bravi, che bravi!Nevrotici, spastici, ansimanti, con l'acqua alla gola, passionali e coinvolgenti. Quando tutti gli altri gruppi inquadrabili nell'hardcore più cervellotico fanno a gara a farsi le seghe con gli strumenti, loro ci mettono il cuore e si sente, menzione particolare per Luca: tarantolato e al vetriolo al microfono. Le canzoni nuove presentate sono una chicca esplosiva, il consiglio è di rimanere aggiornati (www.myspace.com/stormhc).

Gli Orange Man Theory (www.myspace.com/theorangemantheory) : avrebbero fatto muovere il culo alla più vecchia delle nonne, quello che si sente sul disco non è niente rispetto all'impatto che hanno dal vivo, anche se le facce di Cinghio varebbero da sole il prezzo del biglietto; presentata anche una nuova canzone dall'imminente split 7" con i Lucky Funeral, mannaia grind'n'roll.

E per finire i Celeste. Trai presenti eravamo tutti d'accordo che, in quanto serata devota al Male, loro ne hanno incarnato la quint'essenza, nonostante l'imbriachera dei membri si facesse sentire, soprattutto all'inizio. Nebbione, buio, lucine rosse: apoteosi. I nuovi pezzi presentati paiono promettere assolutamente bene, dove l'influenza black metal viene dannatamente fuori, e se prima era solo un sentore, ora lo è definitivamente. Il collo dei presenti ha ringraziato.

Serata conclusasi in balera con gli Storm{o} e i Celeste: assistere alle movenze di certi stacchetti non aveva prezzo, soprattutto se accompagnate dagli 883, e sì, i fumi alcolici si facevano sentire.
Ancora una volta ringraziamenti dovuti allo staff del Barone per l'organizzazione all'accoglienza, ai ragazzi dell'EX-Mattatoio per il contributo fondamentale, e naturalmente ai presenti: grazie a questi fattori il festival baronale si candida tra gli highlights delle stagioni a venire.

Neuros.

Foto di Michele Giorgi (www.myspace.com/xyphias)

SHRINEBUILDER CONTEST

2010-03-30T16:01:00.003+02:00

SHRINEBUILDER

+ Kylesa + Dark Castle

23/04/2010 @ Bloom, Mezzago

Ingresso: in prevendita 17 euro + ddp, alla porta 20 euro

Porte: 21.00

Inizio concerti 21.30

Hard-Staff in collaborazione con Neuroprison mette in palio un biglietto per assistere all'evento, basta rispondere correttamente alla seguente domanda, inviandoci il tutto via mail, ed incrociare le dita : neuroprison@hotmail.com

Qual'è la lineup completa di questo supergruppo?

Deadline: Sabato 17 Aprile

INCOMING CEREBRAL OVERDRIVE

2010-03-22T15:14:00.003+01:00

Ciao ragazzi partiamo innanzitutto dal contratto con SupernaturalCat dato che molti si son detti sorpresi dell'uscita di "Controverso" per una etichetta fin ad ora conosciuta per ben altre sonorità.....voi come la vedete e come sono i rapporti tra voi e le altre bands della "casa"?

Ti dico subito i primi ad essere sorpresi di questa cosa siamo stati noi 5. Una volta terminato il mastering di Controverso non riuscivamo in alcun modo ad essere soddisfatti della parte grafica del disco, così decidemmo di contattare Malleus, ma solo per l’artwork. La loro proposta di far uscire il disco per Supernatural Cat ci colse tutti di sorpresa principalmente in virtù del fatto che accostavamo quel nome a proposte ben diverse dalla nostra (prendendo ad esempio le altre band dell’etichetta). Gradualmente però, conoscendo sempre meglio le persone con le quali abbiamo a che fare, ci siamo resi conto del fatto che certi “preconcetti” che avevamo nei loro confronti non avevano ragione di esistere. Parlando con loro di musica, li ho sentiti apprezzare cose che mai mi sarei aspettato e criticarne altre allo stesso modo. E’ un discorso fin troppo facile da fare, forse banale, ma anche innegabilmente vero. Il problema del genere musicale non sussiste, semplicemente hanno ascoltato il disco ed è piaciuto loro tanto da farlo uscire, decidendo così di ampliare il numero delle band all’interno dell’etichetta, niente di più. Con il passare dei mesi stiamo conoscendo le altre bands, con i Morkobot generalmente ci sfondiamo di birre e risate, con i Lento ci siamo visti solo in un paio di occasioni ma solo di sfuggita, gli Ufomammut, per fortuna, non abbiamo ancora dovuto conoscerli, girano voci molto brutte su di loro!!!

Sono passati un pò di mesi dall'uscita dell'album ed avete avuto modo di proporre il nuovo materiale in giro....quali sono state le risposte del pubblico?

Abbiamo fatto un po’ di date in Italia, per adesso e il riscontro è stato generalmente buono. Ad onor del vero c’è da dire comunque che proponevamo già qualcuno dei pezzi di Controverso prima dell’uscita del disco. Con la nuova stagione di concerti, abbiamo cercato di strutturare meglio la dimensione live. L’intenzione primaria era di amalgamare al meglio i vari momenti che si succedono mentre siamo sul palco, sia studiando una scaletta in grado di alternare momenti veloci ad altri in cui far “riposare” l’orecchio degli ascoltatori, sia cercando di creare un “flusso unico di musica” in cui i pezzi si susseguano dall’inizio alla fine del set senza momenti di silenzio fra di essi. Questo esperimento (se così vogliamo chiamarlo) sembra funzionare, almeno a giudicare dai riscontri dei presenti, sia dal punto di vista del coinvolgimento che da quello dell’impatto, fondamentale per una band che suona il genere nostro.

Siete soddisfatti invece di come è stato accolto l'album della stampa specializzata (e non)?

Adesso che, dopo vari mesi, è uscito un numero piuttosto alto di recensioni in vari paesi ci riteniamo soddisfatti. Se la stessa domanda mi fosse stata posta qualche mese fa avrei risposto in maniera diversa. Dico questo perche se diamo un’occhiata globale alle recensioni ricevute, ce ne sono alcune eccellenti, altre buone (la maggior parte) e alcune direi quasi “pesanti” da mandare giù. Da una parte è normale che sia così, con il nuovo disco abbiamo avuto la possibilità di porci dinnanzi a vari tipi di giudizi, da parte di webzine e giornali più importanti rispetto al passato. Questo inevitabilmente porta a dei riscontri differenti, sia nel bene che nel male. Senza l’inutile e stupida pretesa di piacere a chiunque, ritengo comunque che quanto fatto in studio (sia a livello di prese che di mixaggio) ci abbia portato ad avere in mano un lavoro molto stratificato (cosa sottolineata in più recensioni peraltro), che richiede, proprio per questo di non essere recensito dopo un ascolto parziale o superficiale, cosa che ci è sembrato sia successa in qualche caso, viste alcune argomentazioni alle critiche apportate. Senza stare ad elencare quelle recensioni che ci hanno lasciato un po’ di amaro in bocca, si è trattato comunque di episodi, nella maggior parte dei casi ci riteniamo soddisfatti di come è stato recepito il lavoro, abbiamo ricevuto pareri molto positivi anche da magazines italiani e stranieri abbastanza importanti e questo non può che farci piacere.

"Controverso" dimostra la vostra netta crescita avvenuta in questi ultimi anni, mettendo in luce la voglia di andare oltre il classico math-core alla Botch e DEP, con maggiori influenze legate alla psichedelia ed al prog italiano dei 70's nonchè a sonorità moderne più alternative come quelle dei Tool. Da quali basi partite durante il processo compositivo? Dedicate di solito maggior tempo alle strutture portanti dei brani o agli arrangiamenti?

Hai colto un punto molto importante. Durante la stesura dei pezzi di Controverso abbiamo cercato di evolvere il nostro sound con elementi nuovi, sperimentando sonorità che fino a quel momento non avevamo adottato. L'idea di far coesistere elementi più tipici di un certo stile metal-hardcore con altri che prendessero spunto dal filone prog italiano degli anni '70, comunque psichedelico, è dovuta a una passione comune verso quel filone che a nostro parere avrebbe meritato un consenso molto più ampio rispetto a quello che gli è stato riservato, soprattutto negli anni in cui era ai suoi massimi. Il processo compositivo comunque non è cambiato in modo drastico rispetto ai pezzi composti fino a quel momento, abbiamo cercato di curare maggiormente ogni arrangiamento per far si che ogni parte legasse al meglio con il resto della canzone, ma come accadeva in precedenza, siamo sempre partiti da idee “partorite” su una chitarra, cercando poi, con un lavoro collettivo in sala prove, di apportare migliorie e accorgimenti, sia sulle strutture che sui singoli riffs. Abbiamo inoltre cercato di curare in maniera maggiore la scelta dei suoni che volevamo ottenere da ogni singolo strumento, una ricerca che naturalmente continua anche adesso e che riteniamo sempre più importante man mano che andiamo avanti.

Detto questo accanto a brani molto particolari e progressivi come Magic rimangono episodi più diretti e d'impatto, sarà così anche in futuro o è lecito attendersi materiale ancor più coraggioso e sperimentale?

L'intenzione al momento è di riuscire a spingerci ancora oltre per quanto riguarda l'aspetto sperimentale e progressivo. Stiamo scrivendo alcune parti del nuovo album, cercando nuove soluzioni, nuove sonorità e nuovi approcci agli strumenti, con la speranza che ne risulti un lavoro ancor più orientato in tal senso. Per adesso comunque è presto per capire che forma prenderà il nuovo disco, ci stiamo lavorando ma la strada è ancora lunga. Una cosa comunque è certa, non possiamo prescindere da un certo tipo di impatto sonoro, l'obiettivo è convogliarlo verso nuove forme, cercando così di evolvere ogni singolo aspetto del nostro sound attuale. Speriamo di riuscirci.

Particolare cura ed importanza nell'economia dei pezzi sembrano rivestire sempre più le linee vocali, mediante l'utilizzo di diverse interpretazioni stilistiche a seconda dell'atmosfera richiesta dalle composizioni. A tal proposito è del tutto scomparso l'uso delle voci pulite in favore di impostazioni più estreme, come è avvenuta questa evoluzione?

La scelta di rinunciare a certe soluzioni che prevedevano l’utilizzo di voci “pulite” è dovuta sostanzialmente al percorso compositivo che utilizziamo nella scrittura dei pezzi, mi spiego. Di solito ci concentriamo prima sulla componente strumentale, inserendo poi la voce e cercando, con essa di amalgamare al meglio il tutto rivedendo talvolta anche le strutture stesse dei pezzi. Una volta composta la base di ogni brano, ci siamo accorti che non c’erano più spazi per voci in “clean”, soprattutto perchè non le sentivamo adatte a certi tipi di sonorità. Di conseguenza abbiamo cercato di ampliare la scelta delle timbriche da usare, per far si che parte strumentale e voce legassero al meglio in ogni singola parte.

A livello lirico il vostro debut mi aveva particolarmente colpito, pregno com'era di analisi interiore alla luce di varie esperienze di vita, è cambiato qualcosa con i nuovi brani da questo punto di vista?

No, anzi credo che questo sia uno degli aspetti che maggiormente crea un legame rispetto a Cerebral Heart. Le tematiche affrontate sono generalmente le stesse, ma, proprio per il fatto che un certo tipo di analisi viene fatta sull’impulso del momento, è naturale che si discosti dai testi precedenti. Sembra un controsenso, ma a pensarci bene non lo è. Vogliamo che i testi rispecchino l’impulso che in un dato attimo coglie la mente di chi scrive, non essendo troppo “ponderati” o costruiti a posteriori. Questo conferisce alle liriche una certà genuinità, qualità imprescindibile per le sensazioni esternate dalla musica che suoniamo.
Poi se è vero che c’è un titolo dell’album, che racchiude in sè il senso di tutto il lavoro, è comprensibile come certi temi siano trattati in modi diversi, talvolta anche contrastanti durante la durata del disco. Un esempio è il duo Science-Magic con due testi speculari che trattano le stesse sensazioni, uno da un punto di vista più “razionale-scientifico” e uno più “sognatore-irrazionale-magico”.

Una curiosità: personalmente ritengo il vostro monicker particolarmente azzeccato ma spesso mi capita di leggere recensioni che si esprimono in modo negativo a tal riguardo. Volevo sapere cosa ne pensate....

Francamente questa cosa ha sorpreso un po' anche noi. Inizialmente venivamo criticati per questo soprattutto da recensori stranieri, temevamo quindi di aver scelto un nome che non significasse pressochè niente, fantozzianamente parlando; poi quando abbiamo ricevuto critiche anche da italiani la nostra tesi è crollata e ci abbiamo riso su.

In Maggio partirete per un tour europeo, quali sono le vostre aspettative e sensazioni al riguardo e quali Stati toccherete?

Abbiamo fissato date in Austria, Germania, Danimarca, Polonia e Repubblica Ceca, la curiosità è tanta dal momento che non abbiamo ancora avuto la possibilità di vivere un'esperienza di questo tipo. Suonare in città come Amburgo, Copenaghen e Varsavia, fra le altre, è sicuramente affascinante, speriamo di non esser presi troppo in giro per il monicker!

Ci sarà la possibilità in futuro di poter fare un tour oltreoceano, di certo un'esperienza di notevole importanza soprattutto per una band come la vostra?

Al momento un'eventualità del genere possiamo solo sognarla, chissà che un giorno non si realizzi. Come hai giustamente detto tu per un genere come il nostro suonare negli States è importantissimo, ma sono poche le bands italiane nel nostro settore a riuscirci. Di positivo resta il fatto che queste bands (non sto a fare i nomi, le conosciamo tutti) possono, in via del tutto potenziale far si che anche oltreoceano la gente inizi a incuriosirsi sull’ambiente dal quale esse provengono, gettando così un occhio sulla validissima (a mio parere) realtà di casa nostra.
La promozione di Controverso negli States comunque sta andando molto bene, chissà che in futuro non si prospetti una possibilità del genere.

E' tutto, in bocca al lupo per i vostri futuri progetti ragazzi, a voi l'ultima parola....

Crepi il lupo! Salutiamo tutti gli utenti e lo staff del forum, ringraziandovi per aver letto questa intervista e sperando di incontrarci a qualche concerto.

-Edvard-

!GATO DE MARMO! - You're a spin in Eurospin

2010-03-17T18:31:00.000+01:00

Tracklist:
1. Intro
2. Silberbock
3. Splugen
4. Van Pur

Il gatto perde il pelo ma non il vizio. Ritornano i !Gato de Marmo!, formazione salentina che aveva ben impressionato con il precedente ep, e a questo giro conferma assolutamente le premesse. Perdono il pelo sì, perché il gatto è in costante evoluzione e lo dimostra ampiamente, vengono momentaneamente meno le soluzioni angolare che caratterizzavano il lavoro precedente, a favore di un’attitudine che si muove in territori più quadrati, ai quali fanno contorno atmosfere asfissianti, ottimo contraltare alla follia che si cela dietro concepì: un viaggio acido all’interno dei reparti di un market, alla ricerca delle birre più infime che il mercato possa offrire, roba da far impallidire National Geographic.
L’intro che avanza frusciante tra le citazioni de Il Pasto Nudo di Cronenberg trasporta l’attenzione verso il rigurgito neurosisiano di Silberbock, dove rovinose macerie sonore incontrano melodiche linee vocali e intermezzi acustici, con l’impressione di essere sballottati un po’ qua e un po’ là, senza per forza essersi spostati di un centimetro. Un incubo che si concretizza in Splugen, sette minuti dove frammenti kraut divengono accessori al lynchiano Inland Empire, omaggiato in uno dei suoi passaggi più alienati, con lo spettro dei Faust che fa capolino. A Van Pur l’onere di chiudere le danze, in movenze che ricordano quelle dei the God Machine, in una veste ancora più psichedelica come da marchio di fabbrica del combo salentino, che si lancia in un finale rumorista suggellato dalla minaccia ancora made in Cronenberg: “Abbi paura, abbi molta paura!” Ne avremo.
E mentre siamo qui a scrivere il gatto si evolve ancora, cambia formazione e rimane di quattro elementi, pronto per deliziarci ancora con le sue sorprese che, come sempre, non mancheranno di miagolare. Ed è lecito puntare sulle sue capacità.

Neuros